TATIANA PARIS - T H A L L E

El nombre del disco t h a l l e (talo en español) se refiere a una planta sin raíces ni hojas: líquenes, algas. Una forma de presencia en el mundo que se despliega discretamente, como la superficie de un árbol o la cubierta del mar.

Para mí, t h a l l e trata sobre la aleatoriedad y la correlación. ¿Cómo se unen elementos desincronizados para formar un todo armonioso? Siento una gran alegría al organizar el caos de estos materiales que, en encuentros fugaces, se alinean en un mismo momento.

t h a l l e es también una exploración de vastas temporalidades, desde el tiempo suave de las piezas de órgano o Avril, hasta el tempo estriado de Canine.

A menudo siento la necesidad de ralentizar mi ritmo fisiológico para poder escuchar el sonido de otros espacios-tiempos y dentro de ellos.

t h a l l e es un montón de pequeñas entidades autónomas, donde la canción es un árbol y el órgano una piedra.

Tras su primer disco en solitario, Gibbon, publicado por el sello Carton Records en diciembre de 2022, y más de 40 conciertos (Festival Météo, L'atelier du plateau, Jazz à La Vilette, Baignade sauvage, Le petit Faucheux, Bruisme, au Pannonica, Jazzèbre, Instants Chavirés...), Tatiana Paris despliega una nueva faceta en la que la guitarra preparada, la voz y un toque de síntesis modular dialogan con el órgano. 

Navegamos entre la canción ruidosa y el minimalismo espectral, como un encuentro ficticio entre Fred Frith, Ellen Arkbro y Jules Reidy.

Nacida en el seno de una infancia nómada, Tatiana Paris se dedica a la guitarra y al bajo, componiendo, improvisando o interpretando música que habla del corazón, el ritmo y el espectro con intensidad y pasión. Con una trayectoria sinuosa y tardía, salpicada de formación académica, explora y experimenta con una amplia gama de estéticas: música improvisada, tango argentino, pop, jazz, música africana...

De esta rica mezcla surge una forma de composición cruda y poética, como se puede escuchar en GIBBON, su trabajo en solitario para guitarras preparadas, objetos y casetes, publicado por Carton Records en diciembre de 2022.

DONNY MCCASLIN - LULLABY FOR THE LOST

El saxofonista Donny McCaslin, ampliamente aclamado por su papel fundamental en la obra Blackstar de David Bowie, regresa con Lullaby for the Lost, un nuevo y audaz álbum que se inclina hacia una estética impulsada por la guitarra e influenciada por el rock a lo largo de nueve composiciones dinámicas y cargadas de emoción. Abrazando texturas sonoras ampliadas y una exploración intrépida, McCaslin continúa aventurándose en territorios musicales inexplorados en su decimocuarto lanzamiento como líder.

McCaslin grabó el álbum con sus colaboradores habituales: Jason Lindner al teclado, Tim Lefebvre al bajo (que también ejerce de productor), Jonathan Maron al bajo, Zach Danziger y Nate Wood a la batería, y Ben Monder a la guitarra. Su versatilidad compartida y su profunda compenetración musical permiten una fusión perfecta entre la intensidad del rock crudo y la sofisticación matizada y exploratoria que define el sonido del álbum.

El título del álbum tiene múltiples significados para McCaslin, ya que representa tanto el peso del trauma personal y colectivo como la resiliencia que puede surgir a través de él. «Se trata de la esperanza... de que esa luz interior no se apague, sino que se transforme», reflexiona. «Se trata de aprender a canalizar el dolor hacia algo significativo, incluso bello». Las composiciones reflejan ese equilibrio, fusionando la profundidad emocional y la claridad melódica con la energía cruda y sin filtros de las actuaciones en directo de la banda, ofreciendo algunas de las piezas musicales más personales y resonantes de McCaslin hasta la fecha.

Con Lullaby for the Lost, McCaslin se mantiene firme en el momento presente. «Creo que nunca he estado tan contento con el resultado de un disco como con este», afirma. «Es significativo, es urgente y es yo mismo». El álbum invita a los oyentes a perderse en su paisaje sonoro en capas y a emerger con nueva energía, lo que demuestra el don de McCaslin para transformar la emoción cruda en música profundamente expresiva que desafía los géneros.

REVEREND BEAT-MAN

La leyenda del rock n' roll underground Reverend Beat-Man se embarca el próximo miércoles en una gira excepcional por la costa oeste de Estados Unidos, que comenzará en el sur de California y concluirá con una actuación exclusiva en el sureste, en el Muddy Roots Festival de Tennessee, junto a Frank Turner, Amigo The Devil, The Spits, TSOL, entre otros.

El estatus de Reverend Beat-Man como veterano se debe a la amplia gama de actividades en las que ha participado y que ha impulsado dentro de la música underground durante más de cuatro décadas. Las numerosas colaboraciones y giras para difundir el evangelio del Blues Trash por seis de los siete continentes son solo la mitad de su trayectoria. Además de sus actividades como intérprete, Reverend Beat-Man dirige el famoso sello discográfico de rock n' roll Voodoo Rhythm Records, una plataforma sin fronteras para bandas marginales de punk, garage, cumbia, industrial, rockabilly, noise y otros géneros demasiado extraños como para encasillarlos en una categoría mainstream. Desde que se puso el collar en 2002, han salido nueve álbumes bajo su rasposo toque de banda de un solo hombre, acompañados de giras y apariciones en festivales por Europa, América, Asia, África y Australia.

PLAINSPEAK - SOMEONE TO SOMEONE

En Someone to Someone, el nuevo y potente álbum de Jon Irabagon, el caleidoscópico saxofonista revisita su pasado en una historia de dos ciudades: Nueva York, donde saltó a la fama, y Chicago, donde simplemente creció.

Tras Server Farm, su complejo álbum para noneto que incorpora electrónica y la modalidad de lenguaje amplio de la inteligencia artificial, Irabagon presenta este cuarteto acústico y minimalista. Protagonizado por tres músicos excepcionalmente versátiles del Medio Oeste —el trompetista Russ Johnson, el bajista Clarke Sommers y el baterista Dana Hall—, la banda que él llama PlainsPeak ofrece seis composiciones que ilustran la renovada relación del saxofonista con Chicago y sus alrededores (donde creció y reside actualmente).

El nombre PlainsPeak se mantiene fiel a la personalidad compleja de Irabagon y a su afición por los juegos de palabras. Por un lado, hace referencia a su hogar de entonces y de ahora: «Frente a las costas, nosotros estamos en el medio. Chicago es el «pico» de las Grandes Llanuras». Pero cuando se lee rápidamente, se convierte en «plain speak» (hablar claro), una descripción tan buena como cualquier otra para el sonido sin adornos de este cuarteto básico de dos instrumentos de viento, la primera banda de Chicago bajo su propio nombre y un testimonio de las posibilidades ilimitadas de este formato. Irabagon renuncia a los demás instrumentos a su disposición —desde el pesado saxo bajo hasta el raro mezzosoprano y el soprillo, que suena como el trino de un colibrí— para centrarse en el alto, su primer instrumento. «Al principio pensaba tocar el tenor, debido a la gran tradición de saxofonistas tenores de Chicago. Pero toqué el alto en ese primer álbum con Russ, y eso fue lo que prevaleció».

No obstante, la ciudad impregna cada una de las composiciones de PlainsPeak. «Este disco refleja todo lo que me gusta de Chicago y de la música de Chicago, desde el straight-ahead hasta la vanguardia», explica Irabagon. Ayuda que los cuatro artistas sean magníficos intérpretes «inside-outside», igual de cómodos en el mainstream post-bop que en las corrientes vanguardistas.

Hijo de inmigrantes filipinos, Jon Irabagon creció en los suburbios de Chicago y se licenció en música por la Universidad DePaul. Armado con títulos de posgrado de la Escuela de Música de Manhattan y Juilliard, en 2008 ganó el Concurso de Saxofón Thelonious Monk, el primero de una larga y creciente lista de premios y honores que incluyen los premios «Rising Star» de DownBeat (tanto en saxofón alto como tenor) y el Premio Presidencial de Filipinas, el más alto honor civil que se puede otorgar a un filipino en el extranjero. Durante los siguientes doce años se consolidó como uno de los «25 iconos del jazz» de Nueva York (Time Out New York) gracias a su trabajo en bandas lideradas por Dave Douglas, Mary Halvorson, el legendario baterista Barry Altschul y Ralph Alessi, y como miembro fundador del provocador conjunto Mostly Other People do the Killing.

Es difícil imaginar un mejor avatar para la personalidad traviesa de Irabagon o su música juguetona y atrevida, que, al rechazar las convenciones, se ha fusionado en una obra conmovedora y ecléctica.

DINO SALUZZI - EL VIEJO CAMINANTE

Dos guitarras envuelven suavemente el evocador bandoneón de Dino Saluzzi en El Viejo Caminante. Aquí, el dúo argentino formado por padre e hijo, Dino y José María Saluzzi, se une al noruego Jacob Young en un álbum de gran profundidad musical y encanto. 

«Me llena de alegría», dice Dino Saluzzi, encantado con la mezcla sonora de esta grabación, con José a la guitarra clásica y Jacob a la Telecaster y la guitarra acústica de cuerdas de acero. «Jacob y José hacen muy buena pareja. Tienen sonidos diferentes, visiones diferentes, pero cuando se trata de la producción artística, ocurre algo hermoso». 

El mayor de los Saluzzi, que cumplió 90 años en mayo, no ha perdido nada de su entusiasmo juvenil por la colaboración artística ni por aventurarse más allá de las fronteras estilísticas: «Siempre me esfuerzo por entrar en contacto con nuevas ideas fuera de mi elemento habitual», afirma, buscando aún contextos que ofrezcan, como él mismo dice, «potencial para el crecimiento tanto musical como humano». 

El programa incluye temas originales, nuevos y antiguos, de los tres músicos, una canción de Karin Krog y un par de standards. Dino ve el álbum como una colección de música de diferentes épocas y lugares que toca el tango, la música folclórica argentina y el jazz, y convierte estas alusiones en algo fresco.

EDGE RUNNER / NOEMA - GIOVANNI DI DOMENICO & ALEX ZETHSON

Giovanni Di Domenico, como maestro de sus instrumentos, produce sonidos voluminosos, atmósferas ásperas y oscuras, pero también de una belleza sencilla a través de contrastes marcados. La improvisación es, por lo tanto, más un estado que un esbozo o una forma, el timbre es el verdadero portador de la forma, el zumbido es el elemento crucial.

Edge Runner es sofisticado, incluso refinado, equilibrado a pesar de su evidente renuencia a transigir, cuidadosamente elaborado independientemente de la loca estructura superficial.

Giovanni Di Domenico, pianista, intérprete y compositor, nació en Roma el 20 de julio de 1977, un período significativamente tempestuoso en términos sociopolíticos, caracterizado por polarizaciones hostiles y un paramilitarismo ostensible, enfrentamientos ideológicos rebeldes y sangrientos atentados terroristas, que se hicieron tristemente famosos con la descripción «Años de plomo». En ese verano particularmente cáustico, el llamado «Movimiento del 77», no alineado, sin vínculos con el Parlamento y no violento, irrumpió en la escena de la paranoia conspirativa imperante, condenando las tendencias represivas, discriminatorias y autoritarias del Estado italiano y exigiendo la igualdad para las minorías y más derechos civiles. La coincidente liberalización del mercado de los medios de comunicación, que puso fin al monopolio de la RAI, definió aún más este periodo como el momento álgido de la radio pirata, con la consiguiente fragmentación libertaria de la cultura juvenil, personificada en el punk.

Noema consiste en una grabación en directo de una improvisación basada en un marco compositivo abierto de cuatro partes. Al igual que en el disco en solitario de Zethson, Pole of Inaccessibility (publicado por Thanatosis en 2016), explora la casi repetición, las transformaciones orgánicas y la combinación de movimientos relativamente rápidos de los dedos con una forma que evoluciona lentamente. En cierto modo, manifiesta un enfoque casi coreográfico de la improvisación, en el que los movimientos corporales repetidos, junto con una estrecha sintonía con los armónicos y los cambios sutiles, sumergen al intérprete cada vez más profundamente en la música, un movimiento que, a su vez, se transmite al oyente.

Influenciada por un amplio espectro —desde las exploraciones hipnóticas de Charlemagne Palestine hasta la intensidad rítmica de Meshuggah y la presencia incandescente de la musicalidad de Alice Coltrane—, la pieza logra un intrincado equilibrio entre estructura y espontaneidad. 

La grabación, que se desarrolla a lo largo de poco menos de 44 minutos, comienza en el registro grave del piano, con quintas ondulantes en el centro, creando una base que es a la vez meditativa y premonitoria. La segunda parte se convierte en una exploración del ritmo y los armónicos, con patrones cromáticos articulados en el registro más grave del piano, tocados sin pedal de sustain para enfatizar el ataque y la caída percusivos. En la tercera sección, dos ostinatos de bajo en la mano izquierda se entrelazan con una selección cambiante de intervalos en la derecha, generando un paisaje armónico que se siente a la vez inquietantemente espectral, agudo y evocadoramente etéreo. Por último, la cuarta parte introduce trémolos y movimientos influenciados por el paradiddle, dando forma a una tonalidad de séptima menor casi lírica que se remonta a la sección inicial, completando la pieza con una sensación de resolución y retorno.

Compuesta e interpretada por Alex Zethson, piano de cola.

Grabada en directo en concierto en Dudu Loft, Atenas, octubre de 2024, por Giorgos Kravvaritis y Dimitris Kalamaras. Mezclada por Giorgos Kravvaritis.

Masterizada por Claes «Classe» Persson en CRP.

EASY PIECES

¡Los tres creadores del íntimo mundo musical de Easy Pieces tocan en grupos tan diversos como el trío FUR (también asociado a BMC Records), Pieces of Peace . Su repertorio está formado por composiciones de Benjamin Sauzereau, que se ha unido al sello recientemente pero ya aparece en tres álbumes.

Las  piezas se adaptan a la inusual combinación instrumental del trío: guitarra, piano acústico y teclados electrónicos. Pulidas y vivas, abarcan una amplia gama de caracteres, desde paisajes sonoros plumíferos a elementos abstractos, pasando por sonidos bluesy-rítmicos, inspiraciones de música pop u oscuras disonancias que recuerdan a las películas de Lynch.

La precisión, la fuerza emocional y la delicadeza deliberada dan forma decisiva a las miniaturas de la banda, y el delicado equilibrio demuestra un profundo conocimiento de estos dos mundos.

JOE LOVANO - HOMAGE

Joe Lovano y sus conspiradores polacos del trío Marcin Wasilewski tienen un espíritu especialmente aventurero en su segundo trabajo conjunto para ECM. El álbum fue grabado en una sesión de estudio en medio de la residencia del grupo en el Village Vanguard a finales de otoño de 2023, revelando estructuras fluidas a medida que se desarrollan. Una rara sensación de expresividad y afinidad espiritual adorna la sesión.

Con una duración de más de diez minutos cada una, dos composiciones de larga duración y el tema que da título al disco, «Homage», todas ellas originales de Lovano, constituyen la base del álbum y muestran a los músicos en su momento más exploratorio.

Reavivar la chispa en el estudio no fue tarea difícil para el cuarteto, sin embargo las giras juntos a lo largo de los años no han hecho más que reforzar esta conexión, tanto dentro como fuera del escenario. Su apertura y espontaneidad permitieron que se produjera un verdadero diálogo musical.

Joe escribió originalmente «Homage», la canción que da título al disco,no utilizó notas, sólo sentimientos escritos en una secuencia de acontecimientos.

«Golden Horn», una de las dos piezas más largas, es una meditación modal en la que las mareas cambian suavemente entre los intérpretes.

Aún más espontaneidad y libertad adornan el corte de doce minutos «This Side - Catville», en el que el cuarteto se embarca en una explosión desenfrenada a través de compases oscilantes y de nuevo cambios armónicos.

El pase del grupo a «Love In The Garden», una composición del violinista polaco Zbigniew Seifert, embellece la evocadora balada con armonías fluidas, es una versión sorprendente y de buen gusto del original más bien eléctrico de los años 70.

Miniaturas improvisadas completan un programa que demuestra  la química perfecta del grupo. ¡¡ A disfrutarlo!!

MINGUS EN ARGENTINA - THE BUENOS AIRES CONCERT

En vísperas de las grabaciones de "Tres o cuatro tonos de blues" y "Cumbia & Jazz Fusion", Charles Mingus dio dos conciertos con su quinteto en Argentina, que en ese momento estaba bajo el yugo de la junta militar de Jorge Videla.

Grabado unos meses antes de que le diagnosticaran la enfermedad de Charcot (un grupo de trastornos de los nervios periféricos con debilidad muscular y pérdida de sensibilidad en las manos y los pies).

Se trata de un precioso e inédito documento en vivo que da testimonio de la extrema vitalidad de la música de Charles Mingus en 1977.

Es difícil, por no decir imposible, no sentirse conmovido, emocionado, incluso hechizado por esa alegría contagiosa de tocar y a la vez rigurosa y totalmente desinhibida, de estas relecturas de clásicos de Mingus, desde Sound Of Love de Duke y por supuesto Ellington hasta Three Or Four Shades Of Blues pasando por la joya intemporal de Goodybye Pork Pie Hat; hasta esta increíble versión de las famosas Fábulas de Faubus, que susurra con toda su fuerza protestante y libertaria (dada la situación política argentina).

DAVID MURRAY QUARTET - BIRDLY SERENADE

David Murray, la estrella del jazz nacida en Berkeley, fantásticamente prolífico e infinitamente ambicioso, anuncia su nuevo álbum. ¡Tras casi cinco décadas de carrera en el jazz y la música improvisada, el saxofonista, debuta en Impulse! Records con Birdly Serenade, una colección de nuevas composiciones inspiradas en los improvisadores originales: los pájaros.

El álbum supone la primera vez que Murray graba en el famoso estudio Van Gelder y su segunda grabación junto al trío de estrellas formado por la pianista Marta Sánchez, el bajista Luke Stewart y el baterista Russell Carter, tras Francesca, un homenaje a la esposa de Murray que fue nombrado uno de los mejores álbumes de jazz de 2024 por el New York Times.

Muchos de los temas del álbum se trabajaron en la carretera, mientras Murray giraba con su nuevo cuarteto, formado por una generación de músicos más jóvenes, durante los últimos años. La banda ha llegado a tener su propia personalidad, basada tanto en su liderazgo como en sus destrezas como músicos. 

 Ahora que reclama el título de anciano estadista del jazz, Murray no muestra signos de desaceleración, y sigue creando y enseñando mientras construye sobre un legado ya impresionante.

CHARLES MINGUS - IN ARGENTINA: THE BUENOS AIRES CONCERTS

El emocionante y poco conocido quinteto de Charles Mingus de 1977 finalmente recibe lo que se merece en el revelador álbum "In Argentina: The Buenos Aires Concerts", que saldrá a la venta el 12 de abril como un disco de tres LP de edición limitada como un exclusivo del día de las tiendas de discos (Record Store Day) gracias a Resonance Records. 

Grabado en concierto en el Teatro Coliseo y el Teatro Sociedad Hebraica Argentina (SHA) los días 2 y el 3 de junio de 1977, "In Argentina" revela una mirada inédita a la poco documentada banda de trabajo de esa época del gran compositor y bajista. Le acompaña el trompetista Jack Walrath, un veterano de la célebre "Changes band" de mediados de los 70, que incluía al saxofonista tenor George Adams y el pianista Don Pullen; sus talentosos sucesores, el saxofonista tenor Ricky Ford y el pianista Robert Neloms; y el baterista de amplia trayectoria del líder Dannie Richmond. Los conciertos ocurrieron solo seis meses antes de que Mingus fuera diagnosticado con esclerosis lateral amiotrófica (ELA o enfermedad de Lou Gehrig), la cual terminó con su vida el 5 de enero de 1979.

Interpretado vocalmente por Mingus, la enérgica banda ensayó vigorosamente material abarcando desde composiciones clásicas como "Goodby Pork Pie Hat" y "Fables of Faubus" hasta composiciones más contemporáneas para la época como "Duke Ellington's Sound of Love", "Three or Four Shades of Blue", y la composición con aptos toques latinos "Cumbia and Jazz Fusion". Mingus también tocó el piano para un par de breves actuaciones en solitario.

Los músicos que participaron en la gira recuerdan el viaje a Sudamérica afectuosamente, tanto por la respuesta como por el calibre de la música. "Las audiencias en el tour siempre nos adoró", recuerda Walrath. "Creo que, debatiblemente, fue la mejor banda de la época. En Argentina, se volvieron locos. Les encantó. Alcanzamos a todo tipo de personas y fue increíble". "Es fantástico escuchar esta música ahora después de todos estos años", dice Ford. "Ahora, nadie va a poder decir, 'Ah, sí, bueno, lo mejor fue 64 Antibes' o 'lo mejor fue Changes One y Changes Two'. Ahora, la gente va a tener una muestra final sobre la banda de Charles Mingus y como él tenía una constancia muy importante en su expresión musical, incluso al final de su vida."

KURT ROSENWINKEL & JEAN-PAUL BRODBECK - THE BRAHMS PROJECT

El guitarrista legendario del jazz americano Kurt Rosenwinkel y el virtuoso suizo del piano Jean-Paul Brodbeck van a lanzar su nuevo album "The Brahms Project" el 2 de mayo de 2025 gracias a Heartcore Records. Esta colección reimagina diez trabajos seminales de Johannes Brahms a través de un formato de cuarteto de jazz contemporáneo. 

Junto al bajista Lukas Traxel y el baterista Jorge Rossy, el grupo transforma las composiciones de Brahms mientras da reverencia al material original. Este album imita a su publicación anterior "The Chopin Project" e incluye fechas en vivo a lo largo de Europa y Estados Unidos, resaltándose su presentación en Carnegie Hall el 3 de mayo.

PRELUDIOS Y CANCIONES

François Couturier y Dominique Pifarély, reconocidos músicos de la escena creativa en Francia, han lanzado un nuevo álbum titulado "Preludios y canciones". Este proyecto marca su reunión después de casi tres décadas desde su último álbum juntos. Aunque han colaborado en varios proyectos a lo largo de los años, esta grabación representa una reevaluación y un nuevo ajuste de su trabajo como dúo.

“Preludios y canciones” presenta composiciones originales de ambos artistas, así como interpretaciones de clásicos del jazz como "Solitude" de Duke Ellington, "Lament" de J.J. Johnson, "I Loves You Porgy" de George Gershwin y "A Nightingale Sang In Berkeley Square" de Manning Sherwin. Incluso la canción francesa "La chanson des vieux amants" de Jacques Brel se reimagina en este álbum. El dúo considera esta canción de Brel como un "estándar" para los francófonos, aunque no sea tocada frecuentemente por músicos de jazz.

La improvisación ha sido un elemento central en la música de Pifarély y Couturier, y su sensibilidad hacia el jazz, la música clásica y otros géneros se refleja en todas sus interpretaciones. Se deslizan fluidamente entre estos lenguajes musicales sin problemas. Cabe destacar que figuras icónicas como Ellington, Gershwin y J.J. Johnson también desafiaron los límites de un solo género musical.

El álbum se inicia con "Le surcrot" de François Couturier, cuyo título proviene de un poema de André du Bouchet. Esta pieza fue originalmente escrita para un proyecto en colaboración con Pifarély y el cantante Dominique Visse en 2004. Por otro lado, "What Us" de Pifarély incorpora y adapta material de un ajuste del poema "Lichtduress" de Paul Celan, el cual reflexiona sobre lo que nos une.

En "Preludios y canciones", se destaca una sensibilidad poética presente en muchas de las composiciones, aunque no todas las referencias son literarias. Por ejemplo, la canción "Song for Harrison" es un retrato reflexivo del perro de François Couturier, un cocker spaniel encantador. En esta pieza, Harrison parece desmantelar la "Soledad" de Ellington, quizás liberándola de la desesperación original., reconocidos músicos de la escena creativa en Francia, han lanzado un nuevo álbum titulado "Preludios y canciones". Este proyecto marca su reunión después de casi tres décadas desde su último álbum juntos. Aunque han colaborado en varios trabajos a lo largo de los años, esta grabación representa una reevaluación y un nuevo ajuste como dúo.

“Preludios y canciones” presenta composiciones originales de ambos artistas, así como interpretaciones de clásicos del jazz como "Solitude" de Duke Ellington, "Lament" de J.J. Johnson, "I Loves You Porgy" de George Gershwin y "A Nightingale Sang In Berkeley Square" de Manning Sherwin. Incluso la canción francesa "La chanson des vieux amants" de Jacques Brel se reimagina en este álbum. El dúo considera esta canción de Brel como un "estándar" para los francófonos, aunque no sea tocada frecuentemente por músicos de jazz. 

La improvisación ha sido un elemento central de Pifarély y Couturier, y su sensibilidad hacia el jazz, la música clásica y otros géneros se refleja en todas sus interpretaciones.  Cabe destacar que figuras icónicas como Ellington, Gershwin y J.J. Johnson también desafiaron los límites de un solo género musical.

El álbum se inicia con "Le surcrot" de François Couturier, cuyo título proviene de un poema de André du Bouchet. Esta pieza fue originalmente escrita para un proyecto en colaboración con Pifarély y el cantante Dominique Visse en 2004. Por otro lado, "What Us" de Pifarély incorpora y adapta material de un ajuste del poema "Lichtduress" de Paul Celan, el cual reflexiona sobre lo que nos une.

En "Preludios y canciones", se destaca una sensibilidad poética presente en muchas de las composiciones, aunque no todas las referencias son literarias. Por ejemplo, la canción "Song for Harrison" es un retrato reflexivo del perro de François Couturier, un cocker spaniel encantador. En esta pieza, Harrison parece desmantelar la "Soledad" de Ellington, quizás liberándola de la desesperación original.

JON BALKE - SKRIFUM

El noruego Jon Balke propone una nueva dimensión sónica con Skrifum, continuando una línea de investigación iniciada con Warp (2016) y Discourses (2020), álbumes de piano solo que también procesaban el entorno acústico en el que se escuchaba la música. Skrifum, sin embargo, lleva las cosas un paso más allá, como resulta evidente desde el principio. Mientras que la música de piano de Discourses estaba enhebrada con «grabaciones de campo» sutilmente intercaladas, como mensajes subliminales del mundo exterior, Skrifum es más autosuficiente, un viaje más profundo al universo sonoro del propio piano.

La música en solitario más reciente de Balke está hecha con la ayuda de la herramienta de audio electrónico Spektrafon, un software de procesamiento en directo que ayudó a desarrollar junto con el profesor de tecnología Anders Tveit en la Academia Noruega de Música. Con esta interfaz, Balke puede manipular directamente el sonido ambiente del piano en tiempo real, extrayendo frecuencias y manteniéndolas como acordes de armónicos, lluvias de sobretonos chispeantes o inquietantes zumbidos. La reverberación activada y energizada se convierte así en nuevo material para la interacción y el diálogo improvisados, a menudo con resultados bastante bellos.

Skrifum significa «escribir» en islandés y, a pesar de toda la sofisticación tecnológica empleada, hay una cualidad casi caligráfica en las líneas melódicas y los sonidos que Balke moldea cuidadosamente a lo largo del proceso: escribir, dibujar y diseñar la música con la luz cambiante y las sombras alargadas que proyecta el material procesado.

«El sonido del Spektrafon se retroalimenta de formas que exigen espacio», dice Jon Balke. «Así que aprovecho esa oportunidad para tocar sobre todo monofónicamente y centrarme en cada nota y su peso y posición en el paisaje sonoro».

Skrifum fue grabado en noviembre de 2023 en Village Recording en Copenhague, editado en Bavaria Musikstudios en Munich, y producido por Manfred Eicher y Jon Balke.

RECESO -VOLVEMOS EN BREVE !!!!!!!!!