ADAM RUDOLPH + TYSHAWN SOREY - ARCHAISMS I

Tyshawn Sorey y Adam Rudolph son compositores / percusionistas / bateristas que comparten una amplia sensibilidad estética que reconoce la tradición de las músicas afroamericanas y europeas, al tiempo que abrazan experimentación, superando los límites y la búsqueda de nuevas expresiones musicales.

La génesis de la unión de estos dos parecía muy natural. Sorey  y Rudolph comenzaron a actuar como dúo de percusión de percusión en 2018. Sorey afirma que "parecíamos tan en sincronía el uno con el otro, en parte, tal vez, porque ambos somos compositores además de percusionistas". 

ARCHAISMS 1 es el documento grabado de ese concierto. Sorey y Rudolph aportaron sus lenguajes rítmicos y sonoros únicos y evolucionados a través de un diálogo inspirado y animado.

La música fluye como una pieza completa con varios movimientos o secciones. Esta música existe en sus propios términos, reflejando la maravillosa alquimia de estos artistas, que crearon espontáneamente diálogos, orquestaciones y ambientes sonoros. 

Según Sorey: "Nos comprometimos a abrir nuestros oídos y corazones. Los resultados fueron mágicos". Rudolph coincide: "Hay que llegar a una a una situación creativa como ésta con los oídos y el corazón abierto, y una imaginación desbordante. La preparación son también años de práctica, composición e interpretación para que podamos ser libres de tocar cualquier cosa que imaginemos.

PAT THOMAS AND ISM - MAUA

El genio de la música británica Pat Thomas, entrega una nueva verdadera joya, esta vez con su proyecto ISM, un trío de piano avant clásico que también cuenta con Joel Grip al contrabajo y Antonin Gerbal a la batería.

Esta grabación fue tomada en el club berlinés "Au Topsi Pohl", donde ISM tocó cuatro noches seguidas, del 18 al 21 de mayo de 2022. Para los conciertos se llevó al pequeño club un piano de cola Bösendorfer,

 El trío apenas cabía en el escenario, pero el sonido acústico, tanto más omnipresente y preciso, fue abrazado por una interpretación muy trabajada y arriesgada que evocaba nociones de sueños, forma y vibraciones humanas. 

Esta es una de esas ocasiones especiales en las que las habilidades se encuentran con la poesía. Durante la última noche de las cuatro que duró la serie de conciertos en el diminuto club alemán, la música se convirtió en una combinación mágica de habilidades de improvisación muy desarrolladas envueltas en una atmósfera particularmente inspiradora y aventurera, regalando al trío la oportunidad de crear el álbum "Maua", que significa "flores" en swahili. 

Una verdadera declaración en jazz experimental que rinde homenaje a la historia de esta música, pero muy actual y proyectada hacia el futuro de la forma artística. Pat Thomas, es uno de los principales artistas del catálogo de "577 Records", demostrando una vez más su capacidad intelectual y artística para brillar en todos los contextos, desde el jazz avant clásico, hasta la electrónica experimental. "Maua" estará disponible en una edición muy limitada en disco y digitalmente el 16 de febrero de 2024.          

FRANCISCO MELA + ZOH AMBA

La creatividad en general y la música experimental en particular pueden servir de conducto hacia el alma interior de sus creadores, una especie de camino espiritual que va en dos direcciones y permite una comprensión más profunda también de nosotros mismos. Es una luz que proyecta la humanidad de los intérpretes y que refleja simultáneamente al creador y la humanidad que hay en todos nosotros. 

La vulnerabilidad de los artistas y lo que buscan a través de la música son la causa y la apertura de ese camino hacia una comprensión más profunda es el efecto.

El canto de Francisco Mela en la canción tradicional "El Cisne Blanco" podría servir de puerta de entrada al mundo de la música de vanguardia. La flauta de Zoh Amba es tan dulce y reconfortante como su saxofón puede ser potente y alucinante. 

Se trata de dos artistas de orígenes completamente diferentes que nos muestran lo que significa la unidad en el sonido, demostrando que la creatividad puede fomentar la paz y el entendimiento. Para oídos desprejuiciados.

           Zoh Amba: Tenor saxophone, flute + Francisco Mela: Drums, voice

CHES SMITH - LAUGH ASH

Baterista, percusionista y compositor Ches Smith ha construido su carrera viajando más allá de los géneros, aventurándose en nuevas arenas musicales desde las que apenas se vislumbran los viejos mundos de estilo e influencia. 

Sus proyectos más recientes incluyen el laureado trabajo de 2021 "Path of Seven Colors", de su conjunto "We All Break", que fusiona la música vudú haitiana con enfoques progresivos de de composición e improvisación, lo que le valió a Smith el primer puesto en la lista de los mejores álbumes de jazz del año en el diario de "The Guardian" y el séptimo puesto en la encuesta de la crítica de 2021 "Arts Fuse"; e "Interpret It Well", un disco de exploración que reúne al maestro de la guitarra Bill Frisell y al trío de Smith con el pianista Craig Taborn y el violista Mat Maneri, que entrelaza el sonido de cuatro brillantes voces individuales .

El nuevo álbum de Smith, "Laugh Ash", es tal vez el más sorprendente y notable hasta la fecha, un conjunto de música impresionantemente original cuyas piedras de toque son innumerables, pero en última instancia carecen de sentido frente a una expresión inventiva y sorprendentemente desconocida.

El álbum, que saldrá a la venta el 2 de febrero de 2024 a través de "Pyroclastic Records", hace un uso estremecedor de la desorientación y la yuxtaposición: melodías de cámara de gran belleza coexisten con ritmos sintéticos, explosivos estallidos de improvisación con esquivas formas de canción, ambientes austeros con atronadora complejidad. Ecléctico, sin duda, pero de un modo paradójico que resulta desafiantemente cohesivo sin perder nunca de vista que nada de ello debería serlo.

PALLE MIKKELBORG + JAKOB BRO + MARILYN MAZUR - STRANDS: LIVE AT THE DANISH RADIO CONCERT HALL

En su crítica del concierto para la revista de música nórdica "GAFFA", Ivan Rod escribió: "Una horita en compañía de Mikkelborg, Mazur y Bro y el mundo había cambiado. Los marcos familiares se habían desplazado a través de evidentes momentos de belleza y calma persistente".

"Cuando salimos al escenario nos sentimos como en casa", dice el guitarrista Jakob Bro de esta grabación en directo de Copenhague, de gran amplitud textural y carga emocional, en la que se reúnen tres de los protagonistas más destacados de la improvisación en Dinamarca, músicos líderes de tres generaciones de jazz danés. 

El concierto, celebrado en febrero de 2023, fue especialmente conmovedor, ya que supuso el regreso a la actuación del trompetista Palle Mikkelborg, que ofrece aquí su característica interpretación reflexiva, siempre al servicio del contexto del grupo.

El repertorio -principalmente de Bro, pero que también incluye la pieza de Mikkelborg "Youth", así como "Returnings", coescrita por Palle y Jakob- se aborda con espíritu espontáneo y exploratorio. 

El material se transforma y reinventa suavemente a medida que el sutil lenguaje de percusión de Marilyn Mazur, formado por gongs florecientes, metales arqueados y tambores retumbantes, se mezcla con las ondulantes lavas de sonido de Bro.  

Las cualidades atmosféricas de la música, así como sus momentos eruptivos, se ven realzados por la resonante acústica de la Sala de Conciertos de la Radio Danesa. 

 

JULIEN TASSIN 4TET - GREAT EXPECTATIONS

A veces tenemos grandes esperanzas y grandes expectativas, pero nos sorprenden los giros imprevistos de la vida. Esos momentos nos recuerdan el papel crucial que desempeñan la resistencia y la (auto)fe en nuestras vidas. Eso es precisamente lo que pretende explorar el último álbum de Julien Tassin, "Great Expectations": sus propias experiencias con la esperanza, la alegría y las desilusiones. 

El año pasado, el trompetista Ron Miles iba a ser el invitado especial de Julien para una actuación en Bozar, Bruselas, donde habría completado el trío junto a Dré Pallemaerts y Nicolas Thys. Por desgracia, Miles falleció inesperadamente. A pesar de esta tremenda pérdida, Tassin siguió escribiendo música para el proyecto. Entonces invitó al trompetista estadounidense Jason Palmer (Roy Hanes, Herbie Hancock, Jimmy Smith, Wynton Marsalis, Kurt Rosenwinkel, Ravi Coltrane, Mark Turner) a unirse al trío. Esto condujo finalmente a la grabación del nuevo álbum.

Al igual que en la música clásica, la mayoría de las piezas están compuestas en varios movimientos, cada uno de los cuales refleja un estado de ánimo y una atmósfera distintos. Los sorprendentes giros de la música están en consonancia con el tema general, en el que cada canción cuenta una historia que transita sin esfuerzo entre varios ritmos, manteniendo al mismo tiempo un matiz cinematográfico. 

Sin embargo, hay un amplio espacio para la improvisación y la interacción, que siempre ha sido el punto fuerte de la banda en el estudio y en directo. La fascinación de Tassin por el blues es evidente en todo el álbum. El resultado es una estimulante combinación de blues, jazz y rock. 

El álbum salió a la venta el 10 de noviembre a través de W.E.R.F. Records & IGLOO Records. En vivo, "Great Expectations"será interpretado por Julien Tassin en guitarra, Nicolas Thys al bajo, Dré Pallemaerts a la batería y el eritreo-estadounidense Hermon Mehari a la trompeta. Esperen un sonido fresco y vibrante que muestra la inagotable creatividad del cuarteto.

Julien Tassin (BE) – Guitar

Nicolas Thys (BE) – Bass

Dré Pallemaerts (BE)  – Drums

Jason Palmer (US) – Trumpet

 

JOHN BUTCHER - THE VERY FABRIC

El Brønshøj Vandtårn es un depósito de agua de hormigón construido hace casi cien años en los suburbios de Copenhague. Mide 20 m de ancho y 34 m de alto; es más pequeña que otras similares. Thomas Buhl-Wiggers, dueño del sello, tuvo la genial idea y  la amabilidad de invitar al saxofonista a tocar allí en el verano de 2022 y dispuso que Jesper Hviid pasara el día dentro, grabando estas piezas.

Los espacios en los que ha trabajado antes incluyen un gasómetro gigante, una montaña japonesa hueca, un depósito subterráneo, un mausoleo victoriano y un enorme tanque de petróleo de la Segunda Guerra Mundial. 

Al protagonista le fascinan como sonaban los diferentes entornos  que eran  entornos y cada uno de ellos inspiró enfoques diferentes a la hora de buscar la música para el espacio en cuestión, y esta reciente experiencia en la extraordinaria torre de agua de Brønshøj no fue una excepción.

Figura destacada de la escena contemporánea de la música improvisada, ha publicado varios trabajos en los sellos Ftarri en los que actúa con otros músicos, como Rhodri Davies, Akio Suzuki, Eddie Prevost y John Russell. Pero "The Very Fabric" es el primer álbum que Butcher publica en solitario en el mismo sello.

Circunstancias fortuitas, trabajo duro, imaginación, talento, confianza y un poco de suerte ciega conlleva a un extraordinario resultado. Como todo arte que sobrevive y prospera, a marcado su mirada y estilo free-noise  desde Ornette a Mats Guftanson. 

La toma de sonido es excelente teniendo en cuenta el contexto en que se hizo. Logró un fino equilibrio de jazz muy moderno. Una propuesta que se escucha con placer de principio a fin, de un espíritu muy libre en sus convicciones musicales.

Chapeau!!!!!

 

MARCO SANGUINETTI - DIEZ

“Diez” es el octavo disco de Marco Sanguinetti y el que completa la tríada de proyectos numerados, junto a los aclamados “Ocho” (2013) y “Nueve” (2017), en los que mejor se percibe la búsqueda del pianista/compositor por una identidad musical arraigada en la mixtura cultural de la ciudad de Buenos Aires contemporánea.

El quinteto consolidado para este proyecto está integrado por: Belén Echeveste en cello, Migma en bandeja de vinilos, Ezequiel Dutil en contrabajo, Tomás Babjaczuk en batería, y Marco Sanguinetti en piano, composición, arreglos y producción general. Los 10 temas que conforman el disco se desenvuelven sobre melodías claras que surgen de entre densas atmósferas sonoras construidas por el quinteto. Los registros de campo (paisajes de las calles de San Telmo, un secarropas, voces y vehículos, entre otros) están presentes en varios tramos del disco.

Como en los proyectos anteriores, aquí Sanguinetti repite el equipo conformado por: Laura Varsky en el diseño (esta vez desarrollando una edición especial disco+libro con la participación de 100 ilustradores), Mariano Manza Esain en la grabación-edición-mezcla, el estudio Doctor F para la grabación, y la doble masterización (para vinilo y plataformas digitales) a cargo de Andrés Mayo.

Disponible en plataformas: viernes 10 de noviembre a las 0.00hs.

A la venta en formato vinilo: https://clubdeldisco.mitiendanube.com/

CARLA BLEY - IN MEMORIAN

 

Carla Bley, una compositora, arreglista y pianista irreprimiblemente original responsable de más de 60 años de astutas provocaciones en el jazz y sus alrededores, murió el martes en su casa de Willow, una aldea que forma parte de la ciudad de Woodstock, Nueva York. Tenía 87 años.

Su compañero de toda la vida y la música, el bajista Steve Swallow, dijo que la causa fueron complicaciones de un cáncer cerebral. 

El influyente trabajo de Bley incluía delicadas miniaturas de cámara y fanfarrias estruendosas, con mucho terreno variado en el medio. Al principio de su carrera la tildaron de vanguardista, pero ese término se aplicaba más a su actitud astutamente subversiva que al carácter formal de su música, que siempre mantuvo un lugar para la armonía tonal y el ritmo estándar.

Dentro de ese marco dado, Bley encontró mucho espacio para confundir expectativas y albergar contradicciones. En la biografía de 2011 “Carla Bley”, Amy C. Beal describió su música como “vernácula pero sofisticada, atractiva pero críptica, alegre y triste, tonta y seria al mismo tiempo”.

Ciertamente, pocos compositores de la generación de Bley fueron tan prolíficos o polimórficos en su producción y al mismo tiempo proyectaron un punto de vista identificable. 

Escribió canciones elegantes y a la deriva que se convirtieron en estándares del jazz, como “Ida Lupino” y “Lawns”; anhelantes piezas cinematográficas de big band, como “Fleur Carnivore”; reordenamientos iconoclastas de himnos nacionales y música clásica; y proyectos difíciles de manejar y no categorizables como su ópera de jazz-rock “Escalator Over the Hill”.

El curriculum de la pianista como líder incluía una big band compuesta por algunos de los músicos más destacados de Nueva York; un sexteto fusionesco, en cuyas filas se encontraban Larry Willis al piano acústico y eléctrico y Hiram Bullock a la guitarra; y un trío de cámara formado por Mr. Swallow y el saxofonista Andy Sheppard. 

Fue la directora y arreglista original de la Liberation Music Orchestra , el conjunto de mentalidad revolucionaria formado por el contrbajista Charlie Haden en 1969, y continuó dirigiéndolo en homenaje después de la muerte del Sr. Haden en 2014.

Una figura y una propuesta que perdurara en todos aquellos que se adentren en nuevas escuchas. RIP 

NOSAX "NO DÅHÏSS".

Con su nuevo álbum, Julien Stella y Bastien Weeger exploran una vez más nuevos horizontes musicales. En una época en la que creemos saberlo todo, NoSax NoClar nos recuerda que el viaje sigue siendo un misterio que hay que apreciar. Sus composiciones tranquilizan, conmueven, cuestionan e inspiran entre el jazz, la música tradicional y el folclore imaginario se esconde una música poética sin fronteras. 

Se dejan llevar por las influencias balcánicas, celtas y bereberes, a las que añaden un brillante trabajo tímbrico, rítmico y de improvisación, todo ello conservando su estilo ya identificable. 

En Cox, el dúo intercambia notas sobre un groove de dos clarinetes bajos: una novedad. Y en Sööfi y No Dåhïss, se produce un sonido similar al kaval quitando la boquilla de uno de los clarinetes. La nueva generación de la música de jazz está trabajando, y lo hace con belleza e inventiva.

SINIKKA LANGELAND - WIND AND SUN

Estar en una habitación con Sinikka Langeland es como ser encantado en un bosque del norte bajo un cielo nocturno. Su presencia y su voz ya son mágicas de por sí, pero cuando toca el kantele casi puedes sentir cómo la propia naturaleza se estremece de alegría.

Pocos artistas han encarnado la idea del espíritu del lugar de forma tan completa como Sinikka Langeland, cuya música, actuaciones, investigaciones y grabaciones han dado un nuevo perfil a la cultura de Finnskogen, el "Bosque de los Finlandeses", en la frontera de Noruega con Suecia. 

Medio finlandesa, Langeland (nacida en Grue en 1961) toca el instrumento nacional finlandés, el kantele, y se inspira en antiguas tradiciones de música folclórica, incluidos cantos rúnicos y encantamientos, para crear obras vibrantemente nuevas. Sus canciones dan voz a la interdependencia de la humanidad, el mundo natural de plantas y animales y el mundo de los espíritus. 

La música de Sinikka, profundamente arraigada, se ha ramificado a menudo para conectar y comunicarse con exponentes clave de otras artes: improvisadores del mundo del jazz, músicos clásicos, poetas, artistas visuales. 

A veces, como sugirió el crítico Audun Vinger sobre sus recientes actuaciones en Vossajazz, Sinikka parece "ultramoderna, como una Alice Coltrane del bosque finlandés". Otras veces, estamos en la Edad Media, en la iglesia, en el club de jazz...". El arco expresivo de la música se extiende de lo arcaico a lo creativamente prospectivo.

Trygve y el trompetista Mathias Eick han tocado juntos en contextos muy diferentes, desde el quinteto Northbound de Iro Haarla hasta el conjunto Batagraf de Jon Balke, pasando por la banda de Manu Katché. Eick y el batería Thomas Strønen han colaborado en la Trondheim Jazz Orchestra, mientras que el bajista Mats Eilertsen y Eick han sido miembros de los grupos de Jacob Young. 

Además, Strønen sigue tocando en el trío de Eilertsen con el pianista Harmen Fraanje, y Eilertsen es miembro desde hace tiempo del conjunto de espíritu libre The Source, en el que también participa Trygve Seim. 

En síntesis, se trata de intérpretes sensibles, que comparten una avanzada comprensión de la improvisación, elevando individual y colectivamente las atmósferas de las canciones de Sinikka, y dando cuerpo a las implicaciones musicales puestas en marcha por el kantele y los versos de Fosse. 

Sinikka: "Todos los intérpretes han sido realmente muy fieles a la simplicidad en la música, siguiendo mi escritura y las expresiones de los poemas y luego llevando las cosas más allá en sus propios solos improvisados increíbles."

Sinikka Lanngeland Vocal, Kantele, Jewe’s harp

Mathias Eick Trumpet 

Trygve Seim Tenor an soprano sax

Tomas Stronen Drums

 

JOSH COLE - KIND MIND

Josh Cole's Kind Mind es otro imaginativo grupo surgido de la vibrante y curiosa escena jazzística de Toronto. El trío está formado por Cole (del Brodie West Quintet, el October Trio y la banda de Sandro Perri) al contrabajo y la electrónica, la aclamada saxofonista y clarinetista Karen Ng y el diestro Michael Davidson al vibráfono y la marimba. 

Su música es un fino híbrido de las cálidas firmas compositivas de su líder y la perspicacia improvisadora del conjunto, salpicado de delicados tratamientos electrónicos y grabaciones ambientales.  

A lo largo de esta nueva producción - su debut en vinilo- el grupo camina continuamente entre la música de cámara y el jazz, construyendo formas suaves y compactas con generosas cantidades de espacio, elegantes figuras melódicas y detalles texturales que atrapan el oído. 

Esta interacción entre estos (y otros) elementos produce un amplio espectro de resultados diferentes, dando al disco una maravillosa calidad episódica. La primera canción, "The Subway", se balancea lentamente, presentando cada voz entrelazada sin dejar de ser completamente distinta, pero en la siguiente pista ya están en otra parte.

 "Talking Makes It Worse" emplea un lecho de bucles cubiertos de polvo sobre el que el trío conversa en animadas abstracciones. En la breve cuarta pieza, "A 10 Minute Walk From Here", el grupo se sumerge por completo en una grabación de campo. 

Los temas posteriores son igual de elocuentes y sucintos, mezclando hábilmente colores acústicos y electrónicos para formular un sonido evocador que es todo suyo.

Karen Ng - alto saxophone, clarinet, synth

Michael Davidson - marimba, vibraphone, pedals

Josh Cole- double bass, synth, sampler/field recordings, pedals

SANNE RAMBAGS + VINCENT COURTOIS + JULIAN SARTORIUS

Vincent Courtois ha publicado tres álbumes con músicos de primera línea en BMC Records: en 2019, The Demons of Tosca con Sebastien Brun y Robin Fincker, a principios de 2023, Carmen Rhapsody con Aki Takase, y en el verano de 2023, Nothing else con Daniel Erdmann y Robin Fincker. 

Para formar Twigs, eligió a una estrella emergente y a una experimentada. La cantante holandesa Sanne Rambags ha liderado varias de sus propias bandas -como Under the Surface y Mudita-, con gran éxito de crítica en todo el mundo, mientras que el batería y artista mediático suizo es uno de los intérpretes más solicitados de Europa desde hace una década, con dos docenas de álbumes (por ejemplo, como miembro del Colin Vallon Trio, y con Matthew Herbert). 

Su música es jazz de cámara improvisado y centrado en la canción: Rambags despliega la fuerza de su folk chamánico, Courtois muestra su orientación musical clásica y contemporánea, y Sartorius vive su vena experimental, contribuyendo todos a una magia musical que resonará en la mente del oyente durante mucho tiempo.

Sanne Rambags – vocals
 Vincent Courtois – cello 
Julian Sartorius – drums

 

WOLFGANG MUTHSPIEL + SCOTT COLLEY + BRIAN BLADE - DANCE OF THE ELDERS

Wolfgang Muthspiel y su trío de trabajo con Scott Colley al contrabajo y Brian Blade a la batería alcanzan una nueva cima creativa en "Dance of the Elders". El álbum es la continuación del elogiado "Angular Blues", que The Times calificó de "álbum discretamente impresionante" que pone de relieve "el fluido estilo melódico de Muthspiel". 

Aquí Wolfgang continúa su exitosa trayectoria, con su firma compositiva única por un lado y unos intercambios particularmente vibrantes con sus colegas del trío por otro. La escritura del guitarrista y su acercamiento al jazz están fuertemente inducidos por el folk, pero igualmente inspirados por la música clásica - ambos aspectos se presentan claramente a lo largo del álbum. 

Las inyecciones de percusión flotante de Brian y el ágil contrapunto de Scott al bajo complementan la interpretación acústica y eléctrica del guitarrista en una fluida interacción sobre intrincados polirritmos y aventureros paisajes armónicos. 

"Sea cual sea la técnica o el instrumento, el profundo amor de Muthspiel por el jazz y su experto dominio del mismo brillan tanto en los originales como en los standars (...), al igual que su química con Blade y Colley", escribió la revista "Jazztimes" en 2021, a lo que Wolfgang Muthspiel respondió: "Hemos desarrollado una enorme confianza mutua". 

Su familiaridad musical con sus compañeros Colley y Blade no ha hecho más que aumentar desde entonces: "Dance of the Elders" se grabó tras una extensa gira por Europa, Estados Unidos y Japón, en febrero de 2022. 

Y la opinión del guitarrista respecto a sus compañeros de banda no ha cambiado: "Aprendo constantemente de Brian y Scott. Siempre es emocionante llevarles música nueva y ver cómo la enfocan, porque nunca es lo que yo esperaría". El recuerdo de su sonido mientras compongo es una inspiración para la música que se me acaba ocurriendo".

WOLFGANG MUTHSPIEL: GUITARS 

SCOTT COLLEY: BASS 

BRIAN BLADE: DRUMS

IRREVERSIBLE ENTANGLEMENTS - FREE LOVE

¡Enredos Irreversibles! hace su debut en Impulse! y abre la puerta a un nuevo proyecto titulado: "Protect Your Light", que verá la luz el 8 de septiembre. Además, comparten el primer sencillo del álbum, "Free Love". La banda celebrará el lanzamiento de "Protect Your Light" con una actuación en el festival Basilica SoundScape Presents de Hudson el 9 de septiembre. "¡Estamos encantados de dar la bienvenida a Irreversible Entanglements a la familia Impulse! 

De vez en cuando, el mundo es bendecido con una banda que ayuda a definir una era. Su sonido, su propósito y su energía hablan directamente del momento cultural. Sus miembros individuales reflejan las identidades, perspectivas y aspiraciones de la comunidad; y colectivamente, el grupo forma una supernova, una señal de cómo podemos llegar al futuro; su música, de hecho, ya detalla aspectos de ese futuro. Normalmente, es la historia la que fija los nombres de estas bandas en los libros, pero de vez en cuando podemos vislumbrar su majestuosidad desplegándose en tiempo real.  

En 2023, esa banda es Irreversible Entanglements, el quinteto de free-jazz con mentalidad punk experimental. Y Protect Your Light es el tipo de declaración artística y social que encaja en el espíritu de la época y lo modifica. A lo largo de las ocho pistas del álbum, la poeta y vocalista Camae Ayewa (a menudo conocida como Moor Mother), el bajista Luke Stewart, el trompetista Aquiles Navarro, el saxofonista Keir Neuringer y el baterista Tcheser Holmes se unen para ofrecer una declaración incondicional de intenciones y ritmo. Las improvisaciones de IE se moldean en el fuego del momento, mientras que sus canciones nacen de la experiencia, donde la música y la vida son lo mismo. No hay nadie ni remotamente como ellos en el planeta, ni ningún álbum reciente como este.

Grabado principalmente durante tres días en enero de 2023 en los históricos Rudy Van Gelder Studios en Englewood Cliffs, Nueva York, Protect Your Light es el trabajo más exitoso de la banda hasta la fecha, superando incluso los tres álbumes clásicos que grabaron para Chicago International Anthem. 

PYL presenta contribuciones de miembros destacados de la comunidad de IE: la pianista Janice A. Lowe, el violonchelista Lester St. Louis y el vocalista Sovei, quienes ayudan a iluminar la destreza musical de la banda y expandir la amplitud de su hermosa conciencia. 

Las ocho piezas fueron compuestas tanto de forma individual como colectiva, con algunas temáticas completamente nuevas y otras arraigadas en las animadas y completamente improvisadas actuaciones en directo. de IE; con Ayewa agregando palabras que elevan lo que ella llama las prácticas "en comunión" de la banda. 

Es por eso que Enredos Irreversibles hace que el mundo se sienta bendecido nuevamente. Lo que define a esta banda, la belleza de Protect Your Light, y su representación del momento, es el amor por la gente, por la tradición musical negra, por los demás, y por tocarla como ellos la dicen. Alcanza ese amor a tiempo: no fuerces a la historia para que te guíe.

KRIS DAVIS’ DIATOM RIBBONS - LIVE AT THE VILLAGE VANGUARD

La pianista y compositora Kris Davis presentó su aclamado álbum de 2019 "Diatom Ribbons" al hablar sobre lo micro y lo macro, utilizando las "microalgas titulares" como una analogía evocadora para su enfoque compositivo. La comparación podría extenderse, en cierto modo, para describir el legendario Village Vanguard, aunque en el tiempo, en lugar del espacio (los confines notoriamente íntimos del sótano del club no permiten una gran vista macro). 

En este nuevo y atrevido álbum doble, la larga historia de uno de los lugares más venerados del jazz coexiste con la inmediatez de la invención contemporánea de maneras emocionantes e inesperadas.

Con Live at the Village Vanguard, el segundo álbum de Davis con su banda Diatom Ribbons, Davis agrega su nombre a la asombrosa lista de leyendas que han grabado en el Vanguard, aunque la música toma formas que ni siquiera visionarios como John Coltrane, Sonny Rollins o Bill Evans podría haber imaginado. 

El álbum, que se lanzará el 1 de septiembre de 2023 a través del sello discográfico de Davis, Pyroclastic Records, reúne a Davis con sus principales colaboradores de ese álbum -la baterista Terri Lyne Carrington, la DJ y música electrónica Val Jeanty y el bajista Trevor Dunn- y añade un nueva voz a la mezcla en la persona del guitarrista Julian Lage.

Live at the Village Vanguard sigue el espíritu caleidoscópico de su célebre predecesor, que fue aclamado como uno de los cinco mejores álbumes de 2019 por las revistas DownBeat y JazzTimes, y encabezó tanto la NPR Critics Poll como The New York Times. 

La música es un collage inspirado de influencias eclécticas, inspiradas en la música y las filosofías de Wayne Shorter, Olivier Messiaen, Sun Ra, Geri Allen, Karlheinz Stockhausen, Charlie Parker, Eric Dolphy, Ronald Shannon Jackson, Paul Bley y Conlon Nancarrow, entre muchos otros.

“Mis influencias son muy variadas”, dice la actriz, “y siempre trato de digerirlas y filtrarlas a través de mi propio lenguaje y concepto. Con esta música quería ser más abierta sobre algunas de las influencias que me han dado forma y continúan. para moldearme".

El álbum abre con "Alice in the Congo" de Ronald Shannon Jackson, que originalmente había arreglado para un concierto a dúo con su compañero pianista Craig Taborn, junto con su composición "Endless Columns", que abre el segundo disco. 

El quinteto también reinventa "The Dancer" de Geri Allen y "Dolores" de Wayne Shorter, esta última en dos interpretaciones sorprendentemente diferentes que muestran la versatilidad exploratoria del conjunto. "Nine Hats" de Davis es una pieza original atmosférica que extrae elementos deconstruidos de "Hat and Beard" y "Study No. 9 for Player Piano" de Nancarrow como materia prima. El resto impecable. No lo dejen pasar, es pura emoción contemporánea, aquí y ahora.

Kris Davis - Piano, piano preparado, sintetizador Arturia Microfreak

Terri Lyne Carrington - Batería

Val Jeanty - Bandejas + Electrónica

Julian Lage - Guitarra eléctrica

Trevor Dunn - Bajo eléctrico y contrabajo

HERY PAZ - JARDINEROS

Con jardineros, Hery Paz convoca a dos espíritus afines de su diáspora: el maestro percusionista Román Díaz (también en la voz) y el veterano baterista Francisco Mela para buscar más allá de las formas y los códigos de las estructuras musicales cubanas, reimaginando materiales sincréticos, rítmicos y poéticos en una práctica personal de improvisación e instrumental. 

Lejos del ritualismo, el misticismo y las limitaciones tradicionales, "JARDINEROS" es una declaración poética a la libertad, un paisajismo de nuevos terrenos para diálogos sin concesiones entre improvisadores cubanos. 

La musicóloga cubana Lea Cárdenas se explaya sobre JARDINEROS: "Acercarse a este disco pretendiendo escuchar lo que tradicionalmente entendemos por música cubana sería un error. El carácter revolucionario de los formatos instrumentales utilizados, la novedad en la escritura de Paz para graficar el contenido musical a través de una notación no convencional, la libertad creativa que ofrece a cada uno de los músicos que le acompañan en este viaje, abren nuevos caminos estilísticos."

Paz comenta el origen de la música: "mucho antes de dilucidar cualquier idea musical para este proyecto hubo un poema muy conciso que escribí con el mismo nombre...en un ritual de lenguas - saborean la tierra entre labios y saliva, invocando la nostalgia alucinante nostalgia del sol de mediodía. 

                  JARDINEROS

...esas palabras evocan sentimientos de nostalgia de mi vida en casa en lo que sólo puedo describir como abstracciones sensoriales. No son recuerdos, sino sensaciones táctiles que echan raíces en algún lugar entre mi imaginación y la realidad. 

Mi espalda sobre un suelo de cemento frío, el agua con sabor a latón de un pozo, el olor a quemado de una carbonera o el letargo paralizante del calor del mediodía... Esta música es mi humilde intento de retratar esos sentimientos y acontecimientos en todo su misterio poético."

"Sus solos están impregnados de propósito, un sentido de paciencia y una voluntad de aventurarse en lo desconocido... Las líneas melódicas de Paz están hechas con arte, su lirismo no se ajusta a nada de lo que anticipas escuchar, teniendo la capacidad de sorprender."

REFRACT - BLANKFOR.MS + JASON MORAN + MARCUS GILMOR

Lo digital se une a lo analógico en Refract, el extraordinario nuevo álbum en trío del músico electrónico y especialista en bucles de cinta BlankFor.ms, el pianista Jason Moran, becario MacArthur, y el innovador batería Marcus Gilmore. Refract, que saldrá a la venta el 1 de septiembre de 2023 a través de Red Hook Records, es una desinhibida maravilla sónica que combina electrónica, piano y batería en tiempo real. Mediante la grabación espontánea de loops tomados sobre la marcha y la reinfusión de los planos sónicos con diversos efectos, los resultados obtenidos en Refract son sonidos y energías raramente escuchados antes.

Tyler Gilmore, alias BlankFor.ms, es un artista único y muy respetado, conocido por su música emotiva y rica en texturas, creada a partir de su rara colección de cintas degradadas, sintetizadores analógicos y un viejo piano espineta. En cierto modo, toda su vida artística -hasta ahora- ha desembocado en este momento. "A estas alturas, he vivido varias vidas musicales", reflexiona Tyler. Comenzó su carrera como compositor de grandes conjuntos de jazz, asistiendo al Conservatorio de Nueva Inglaterra y estudiando con Moran, al tiempo que se interesaba por la música electrónica. "Siempre me había gustado la música electrónica y trataba de imitar las texturas eléctricas en las orquestaciones. 

Con el tiempo decidí simplemente ir a la fuente y trabajar con herramientas electrónicas, primero improvisando con gente utilizando delays, armonizadores, reverbs y feedback basados en DAW. Pero fue realmente el descubrimiento de la cinta de casete como medio creativo lo que espoleó mis creaciones electrónicas hasta convertirlas en algo más." Esta estética eléctrica analógica cautivó el interés del productor Sun Chung, quien, al escuchar el trabajo de Tyler, le propuso la idea de un álbum que lo emparejara con improvisadores, una idea que Tyler calificó de "emocionante" y "aterradora" a la vez.

Refract es el último lanzamiento de la aventurera Red Hook Records, fundada en 2020 por Sun Chung tras una década en ECM. "Me encanta combinar mundos sónicos y géneros - especialmente mezclar electrónica y acústica". Refract sigue los pasos de Two Centuries, una atrevida colaboración entre Wadada Leo Smith, Qasim Naqvi y Andrew Cyrille, publicada el año pasado, que también combinaba instrumentos electrónicos y acústicos de forma igualmente magnífica.

LA PRESENTACIÓN OFICIAL DE REFRACT TENDRÁ LUGAR EN PUBLIC RECORDS DE BROOKLYN EL 6 DE OCTUBRE.

BlankFor.ms: electrónica

Jason Moran: piano

Marcus Gilmore: batería

ELINA DUNI - A TIME TO REMEMBER

A Time To Remember es una continuación de la sinergia especial que habitaba en el aclamado Lost Ships de Elina Duni y la encuentra reagrupándose con el cuarteto de ese álbum, formado por el guitarrista Rob Luft, Matthieu Michel en el fliscorno y Fred Thomas en la percusión y el piano. A lo largo de los últimos años, la compenetración del grupo se ha hecho más familiar, dando lugar a una mayor interacción y a un espíritu de colaboración.

Elina: "Creo que este álbum es un reflejo de nuestra pasión compartida por la narración musical, que va más allá del género y el lenguaje. Después de varios años de gira juntos, esta formación poco convencional se siente ahora cómoda y habita su propio y singular mundo sonoro. Es el álbum más cinematográfico que he hecho hasta la fecha, ya que cada canción sugiere una película diferente. Se inspira en nuestro variado repertorio multilingüe de canciones populares tradicionales".

Como sugiere el título, la noción de "tiempo" -en un sentido fugaz- recorre el programa como un tema, conectando músicas de diferentes partes del mundo -tradicionales, canciones populares y composiciones originales- en interpretaciones de profundo lirismo pero también de folclore ágil. El repertorio abarca canciones tradicionales albanesas y kosovares, canciones americanas como el clásico de Broadway "I'll Be Seeing You" y la balada musical de Stephen Sondheim "Send In The Clowns", así como originales de Rob y Elina.

Elina Duni: Voz

Rob Luft: Guitarra

Matthieu Michel: Fliscorno

MAX GERL

De la mano de JMI Recordings se da a conocer el lanzamiento del álbum autotitulado del contrabajista Max Gerl. Un disco solitario audaz y aventurero que presenta al visionario contrabajista/bajista tanto en el contrabajo acústico como en el eléctrico. Esta aventurera colección de 11 pistas, se grabó directamente en cinta de 2 pistas, y estará disponible en formato LP y digital el 28 de julio de 2023. 

Producido por el legendario bajista Stanley Clarke junto al productor Steven Mandel (The Roots, Elvis Costello), el primer trabajo en solitario de Max Gerl es una obra musical ambiciosa que lleva el instrumento al límite. 

"Mis objetivos eran actuar musicalmente, componer para el contrabajo y demostrar la amplitud de la diversidad sónica disponible para este instrumento", dice Gerl sobre sus intenciones detrás de su segundo álbum. El fundador de JMI Recordings, Jake Cohn, conoció a Gerl en 2019, cuando participó en una sesión de grabación para el fogoso baterista Mike "Blaque Dynamite" Mitchell. 

Cohn quedó tan pegado del joven músico que le extendió una invitación para grabar su propio proyecto para el sello. La sesión se materializó finalmente, con un resultado fascinante. Para  buscadores de rarezas sin dudas.

JOE MELNICOVE - YOU IS YOU

¿Cómo suena ser un artista en actividad?  El, flautista Joe Melnicove, acompañado por su mentor, el saxofonista George Garzone, el baterísta Billy Hart y el contrabajista Ben Street, intentan transmitirlo. 

"You is You" se inspira en un espíritu de autoaceptación y autoconocimiento radicales, a partir de una única melodía que grabó en su casa de Rosh Pinna, en Israel. Grabadas en Nueva York, las canciones tienen claras alusiones a la experiencia de ser músicos.

Temas como "Monday Night" y "No Applause" invocan la experiencia de una actuación, y un guiño al público que aplaude (o no) torpemente en un concierto de jazz.

"A.F(Airflow)" recuerda la práctica de Hart de tocar tonos largos para enriquecer el sonido de los instrumentos de viento, contrarrestando cada nota de flauta con saxofón y bajo, actuando como un eco de ese primer tono largo. "Compilation" se inspira en el acercamiento de Mingus al blues; no una forma, un sentimiento. 

A medida que la melodía regresa tras los solos, la banda toca al unísono terminando en un breakdown a lo Mingus. "Sky Shines On August Sunday" es una balada escrita por Liana Catalano-Garzone, dedicada al difunto hijo de George, Anthony. Jerry Bergonzi, viejo amigo y colaborador de Garzone, se une al piano, junto con Melnicove a la flauta contralto. Esta fue la primera y única toma de esta canción. 

Juntos, los cuatro músicos enriquecen los sonidos de los demás, iluminando la tensión y la experiencia de trabajar como artista. Su álbum, "You is You", estará disponible para descarga y en formato físico en agosto de 2023.

JOHN COLTRANE + ERIC DOLPHY - EVENINGS AT THE VILLAGE GATE

En el verano de 1961, John Coltrane actuó como cabeza de cartel en el célebre Village Gate. Con un elenco de músicos que incluía a McCoy Tyner, Reggie Workman, Elvin Jones y la fogosa interpretación de Eric Dolphy, Evenings at the Village Gate capta el espíritu creativo y transformador que surgió de la unión de Coltrane y Dolphy, y de la evolución del quinteto de corta vida.

Veladas en el Village Gate: ¡John Coltrane With Eric Dolphy saldrá a la venta en todo el mundo el 14 de julio a través de Impulse!

Recientemente descubiertas en la biblioteca pública de Nueva York para las Artes Escénicas, las grabaciones de este álbum - grabadas por el ingeniero Rich Alderson como parte de una prueba del nuevo sistema de sonido del club - parecían perdidas, luego encontradas y después desaparecidas de nuevo en los vastos archivos de sonido de la Biblioteca para las Artes Escénicas.  La tortuosa ruta de las cintas a lo largo de varias décadas parece reflejar el viaje musical de Coltrane en agosto de 1961.

Grabado durante la residencia de un mes de Coltrane en Village Gate con su quinteto (a menudo con un grupo de músicos rotatorio), el álbum consta de ochenta minutos de música nunca antes escuchada. Ofrece una visión de una poderosa asociación musical que terminó demasiado pronto ya que Dolphy falleció tristemente tres años después y esta grabación es el único registro en directo de sus legendarias actuaciones en el Village Gate. 

Además de material muy conocido de Coltrane ("My Favorite Things", "Impressions" y "Greensleeves"), hay un impresionante detalle para el clarinete bajo de Dolphy en "When Lights Are Low", y la única grabación no de estudio conocida de la composición de Coltrane "Africa", que incluye al contra bajista Art Davis.

Village Gate muestra la conmovedora y breve relación entre John Coltrane y Eric Dolphy.Coltrane conoció a Dolphy en Los Ángeles y, cuando Dolphy se trasladó a Nueva York en 1959, reanudaron su amistad. Reconocieron en el otro muchas de las mismas cualidades analíticas y motrices. 

Ambos alcanzaron la mayoría de edad en el apogeo del bebop, ambos estaban profundamente interesados en la armonía y la expresión emotiva y ambos empleaban efectos vocales y una amplia gama emocional en su forma de tocar. La combinación de sus sonidos característicos -la voz brillante y aguda de Dolphy frente al fraseo más oscuro y arrastrado de Coltrane - es un rasgo único y evocador de su histórica actuación en el Village Gate.

Evenings At The Village Gate: John Coltrane With Eric Dolphy

Tracklist:

1) My Favorite Things (15:45)

2) When Lights Are Low (15:10)

3) Impressions (10:00)

4) Greensleeves (16:15)

5) Africa (22:41)

PAUL FLAHERTY + JIM MATUS + LARRY DERDEYN - WEDNESDAY WELL

El legendario maestro de la música Daniel Carter fue una de las primeras personas que Federico Ughi, cofundador de 577 Records, conoció poco después de llegar a Nueva York desde Italia en 2000, tras una breve estancia en Londres.  

Fue un encuentro de mentes afines y poco después ambos iniciaron una serie de conciertos en el 577 de la Quinta Avenida de Brooklyn, el apartamento donde Federico vivía en aquel momento. 

La naturaleza espontánea de los conciertos, junto con el increíble calibre de la música underground del centro de la ciudad que eran capaces de presentar, les inspiró para llevar la naturaleza única de lo que estaban haciendo a un público más amplio y fundaron el sello 577 Records para llevar adelante esa misión. 

577 Records puso en marcha el Forward Festival en 2015 con motivo del trascendental 70 cumpleaños de Daniel Carter y el programa de residencias Sounds of Freedom, en el que se concede a músicos en activo la oportunidad de desarrollar su propio sonido, habilidades y concepto de improvisación. El 100% de los beneficios de la venta de la mayoría de estos álbumes se destina a los músicos.

"Guiados por la misión de capturar lo efímero, mantener el jazz relevante y fomentar una comunidad colaborativa de artistas, la música que edita 577 es atemporal, magistral y mística."

Esta música, da nuevas posibilidades, y se llena de espiritualidad e introspección, una alternativa que no necesitaba volumen ni gritar a pleno pulmón para posicionarse, y unida a un profundo sentido del pulso y el blues.

Paul Flaherty: Tenor sax, alto sax

Larry Derdeyn: Keyboards

Jim Matus: Electric guitar, baritone guitar

JOE LOVANO TRIO TAPESTRY - OUR DAILY BREAD

Tercer álbum del Trio Tapestry de Joe Lovano, quien amplía su enfoque espacioso y lírico, con una escucha profunda y un enfoque intenso. "Our Daily Bread está alimentado por el espíritu rítmico de la expresión que proyecta el misterioso mundo de la música que nos espera", dice el maestro saxofonista Lovano en su nota de presentación, refiriéndose a sus piezas elegantemente fluidas y a sus baladas implorantes. En el transcurso de su larga vida en el jazz, Joe Lovano ha abordado toda la gama de la música, tocando en la tradición y más allá de ella. Trio Tapestry, con Marilyn Crispell y Carmen Castaldi, es un vehículo para algunos de sus trabajos más personales. Como Joe ha subrayado: "Esta no es una banda que parta del ritmo. El impulso está en la melodía y la secuencia armónica. Y el ritmo evoluciona dentro de cada pieza de una manera muy libre".

"La intensidad no proviene de la ferocidad, sino de la profundidad del sentimiento", escribió la BBC Music Magazine sobre el debut del grupo. "Los temas y armonías de Lovano proporcionan un rico potencial que el trío realiza maravillosamente, explorando la textura y el estado de ánimo tan fructíferamente como desarrolla la melodía y la armonía"."

Al igual que en los dos álbumes anteriores con Marilyn Crispell y Carmen Castaldi -Trio Tapestry y Garden of Expresssion, grabados en 2018 y 2020 respectivamente-, Lovano escribió las piezas para Our Daily Bread específicamente para este trío, cuyo carácter se vuelve cada vez más claro. Como dice Joe: "Yo aporto el material, pero hay un peso igual de contribución, creando música dentro de la música..." El marco de referencia de Trio Tapestry es amplio: la pieza que abre el álbum, "All Twelve", sitúa la interacción en un contexto de 12 tonos. La pieza que da título al álbum, "Our Daily Bread", y "Grace Notes", anhelantes en su expresión, parecen beber del pozo espiritual que alimentó a Coltrane. 

Marilyn Crispell vuelve a demostrar ser la pianista óptima para esta música, orquestándola a medida que se desarrolla con una sensibilidad en sintonía tanto con la música de cámara contemporánea como con las múltiples posibilidades de improvisación en la era post-libre. Wolfgang Sandner escribió en una ocasión sobre Crispell: "Puede detenerse en la belleza de una sola nota y desarrollar infinidad de melodías a partir de un solo acorde". Y ya en la década de 1970, Cecil Taylor predijo que Marilyn "encabezaría un nuevo tipo de lirismo en el jazz", un proceso que ella sigue redefiniendo. 

La enigmática baterista Carmen Castaldi, una percusionista excepcionalmente sutil, embellece las piezas de Lovano con su propio toque poético en los platillos y, como el propio Joe, extrae periódicamente resonancias florecientes de los gongs. La relación de Castaldi con Joe Lovano se remonta a su adolescencia en Cleveland. Además de sus contribuciones a Trio Tapestry y Garden of Expression, Carmen puede escucharse en el álbum Viva Caruso de Joe de 2002 (Blue Note). 

Joe Lovano, junto con el guitarrista danés Jakob Bro, ha celebrado el legado musical y la influencia de Motian en el álbum "Once Around The Room". Otras grabaciones recientes de ECM con Lovano han incluido nuevas colaboraciones, con el trío polaco Marcin Wasilewski en Arctic Riff, y con el trompetista italiano Enrico Rava en Roma.

 Joe Lovano: Sax  

Marilyn Crispell -  Piano    

Drummer -  Carmen Castaldi