MINGUS THREE: DELUXE EDITION

Rhino / Parlophone celebran el mes del jazz y honran el legado del icono con una nueva edición de lujo de su álbum de 1957, Mingus Three, con ocho sesiones inéditas recientemente descubiertas.

"Espero que llegue el día en que podamos trascender las etiquetas como el jazz y reconocer a Charles Mingus como el gran compositor estadounidense que es". - Fundación Guggenheim

"Por su pura originalidad melódica, rítmica y estructural, sus composiciones pueden igualar todo lo escrito en la música occidental del siglo XX". - The New Yorker.

"Mingus era algo más, tío. Un genio puro, me encantaba". - Miles Davis

LOS ÁNGELES - Rhino / Parlophone celebra el Mes de la Apreciación del Jazz con una de las figuras más influyentes de la música estadounidense del siglo XX, Charles Mingus, que habría cumplido 100 años hoy, 22 de abril. Este año, el legado de Mingus está en el punto de mira con el lanzamiento de la edición de lujo de su álbum, Mingus Three, por su centenario como bajista virtuoso, pianista consumado, director de banda y compositor. 

Rhino/Parlophone rinde homenaje a Mingus con una versión actualizada de su grabación en trío de 1957 con el pianista Hampton Hawes y el baterista Dannie Richmond. Los siete temas originales se han ampliado para el próximo lanzamiento, con ocho grabaciones de sesión inéditas descubiertas por casualidad recientemente en las bóvedas de Parlophone en Londres. Los temas extra incluyen diferentes tomas para todos los temas del álbum excepto uno ("Laura"), además de dos originales de blues. 

La música se presenta en una réplica de la funda original del disco emitida por "Jubilee Records" y un folleto con fotos de la época. El conjunto también incluye nuevas notas de presentación escritas por el pianista y arreglista de jazz Sy Johnson, que colaboró con Mingus en la década de 1970 y ayudó a arreglar su álbum de 1972, "Let My Children Hear Music". 

Escribe: "La sesión de los Mingus Three se reservó para el 9 de julio de 1957. Mingus y Hawes llevaron sus historias al estudio: Mingus, con un largo y poderoso historial de activismo, indignación y ataque político anclado en la creación musical seria, y la fanfarria de Hawes, con premios de jazz y un gran éxito, ¡y sabía tocar! La cita acabaría convirtiéndose en un diálogo entre Mingus y Hawes con la puntuación de Richmond". 

Mingus grabó la sesión en un día con Hawes, un amigo de la infancia que había estado en bandas con Charlie Parker y Dexter Gordon, y el baterista Dannie Richmond, cuya asociación con el bajista duró más de dos décadas. Mingus Three incluía cuatro estándares ("Yesterdays", "I Can't Get Started", "Summertime" y "Laura"), dos originales de Mingus ("Back Home Blues" y "Dizzy Moods"), y una jam en grupo "Hamp's New Blues". 

El material extra proporciona una nueva visión de los principales intérpretes y ofrece versiones alternativas -y no menores- de los temas del álbum, incluyendo tomas de swing de "Summertime" y "Hamp's New Blues". 

La música de Mingus sigue llegando a nuevas audiencias a través de artistas como la Mingus Big Band (dirigida por su viuda Sue Mingus), Kamasi Washington, Chrissie Hynde (cuyo último álbum incluye una versión de Mingus), Candace Springs, Elvis Costello, Gang Starr (que lo samplea) y Joni Mitchell (que escribió las letras de su música). Su legado musical sigue vigente y seguirá desempeñando un papel esencial en la historia de la música durante muchas generaciones.

 

WADADA LEO SMITH - THE EMERALD DUETS

Como parte de la celebración del 80º aniversario del compositor y trompetista Wadada Leo Smith, TUM Records publica The Emerald Duets, una caja de cinco CD que incluye las colaboraciones de Smith con cuatro destacados bateristas de nuestro tiempo, Pheeroan akLaff, Andrew Cyrille, Han Bennink y Jack DeJohnette.

"The Emerald Duets" presenta a cuatro maestros de la batería que, cada uno a su manera, han contribuido a la forma en que la batería moderna se ha desarrollado en las últimas seis décadas y se percibe ahora. 

Cyrille, Bennink y DeJohnette se abrieron paso en la élite de los bateristas modernos ya en la década de los 60, mientras que akLaff se convirtió en un nombre conocido después de ser presentado por algunos de los líderes de los grupos más emocionantes de la música creativa en los años 70 y 80. DeJohnette y akLaff, en particular, han actuado y grabado mucho con Smith en las últimas décadas, pero Bennink y Cyrille también han actuado con él en diferentes conexiones antes de que se hicieran estas grabaciones. 

Pheeroan akLaff, Andrew Cyrille y Han Bennink aparecen cada uno en un disco y Jack DeJohnette aparece en dos discos, incluso en la composición de cinco partes de Smith "Paradise: The Gardens and Fountains", que llena el quinto disco de esta caja en su totalidad. 

Las sesiones con akLaff, Cyrille y DeJohnette se grabaron en la ciudad de Nueva York en 2019 o 2020 y presentan en su mayoría composiciones de Wadada Leo Smith, incluyendo tres versiones muy diferentes de "The Patriot Act, Unconstitutional and a Force that Destroys Democracy" de Smith, su poderosa declaración sobre la necesidad de proteger la libertad y la democracia. Los duetos con Bennink se grabaron en Ámsterdam en 2014 e incluyen una combinación de composiciones de Smith y temas creados colectivamente. 

La caja de cinco CD representa un logro supremo entre la ya legendaria serie de grabaciones a dúo de Wadada Leo Smith con algunos de los más grandes bateristas de la historia de la música creativa, que ha visto colaboraciones con gigantes creativos como : Ed Blackwell, Jack DeJohnette, Milford Graves, Louis Moholo-Moholo, Adam Rudolph y Günter Sommer, entre otros. 

"En esta grabación, los bateristas DeJohnette, Cyrille, Bennink y akLaff y sus baterías se convierten en un equipo unido como uno solo, formando ideas musicales poco comunes", dice Wadada Leo Smith. 

"Su filosofía de tocar la batería eleva los elementos melódicos y rítmicos de sus instrumentos. Crean sonidos atronadores y texturas melódicas bellamente articuladas, construyendo una gama resonante permeable, apilando complejas ondas sónicas estratificadas de arriba a abajo, onda a onda, según el tipo de platillos y tambores de sus kits de conjunto." 

"Smith escucha de verdad a los bateristas. Está en profunda sintonía con lo que es único en cada uno de ellos, y se relaciona con todos de forma muy diferente", escribe Vijay Iyer en sus notas internas. 

"Los músicos de este nivel muestran una cualidad cristalina: luminosidad auténtica y duramente ganada con aplomo, compostura, convicción y, en la frase de Smith, 'máxima sinceridad'. Cada uno de estos cinco seres ha entrado en esa fase de la vida creativa conocida por algunos como "estilo tardío", en la que todo lo que hacen es mágico. Estos cinco discos son maravillosos monumentos al arte de vivir".  

CALEB WHEELER CURTIS - HEATMAP

En términos sencillos, un mapa de calor es una forma de mostrar dónde se desarrolla la acción. Si se representaran los niveles de comunicación, interacción y química en "Heatmap", el nuevo y brillante álbum del saxofonista y compositor Caleb Wheeler Curtis, la imagen brillaría con un rojo intenso. Pero si se tiene en cuenta la gama de dinámicas, el intervalo entre la improvisación explosiva y las atmósferas dispersas, se obtendría un espectro completo de colores vibrantes. Lo cual no debería sorprender, dadas las voces individuales y las historias compartidas de un cuarteto que reúne a Curtis con el pianista Orrin Evans, el bajista Eric Revis y el baterista Gerald Cleaver.

Heatmap, verá la luz el 15 de julio de 2022 a través del sello Imani Records de Evans, y es otro audaz paso adelante para Curtis, que ha publicado dos álbumes anteriores como líder en Imani: Brothers (2018) y Ain't No Storm (2021). 

También es otro ejemplo de la forma en que se nutre de la colaboración mientras conserva ferozmente su visión individual. Ese aspecto se ha puesto de manifiesto en proyectos colectivos como el trío "Ember", que grabó el año pasado "No One Is Any One" con Evans como invitado especial; y el grupo "Walking Distance", cuyo álbum de 2018 "Freebird" contó con el pianista Jason Moran y fue aclamado como uno de los mejores discos de jazz del año por el New York Times, entre otros elogios.

Curtis compuso la música de Heatmap en medio del esplendor natural de la prestigiosa MacDowell Colony, donde disfrutó de una residencia artística de cuatro semanas en 2021. Ya sea por el entorno inspirador, la soledad o simplemente por sus propios instintos, Curtis surgió con un conjunto de música que deja un amplio espacio para que los notables improvisadores del álbum exploren e inventen.

"Parte de eso fue simplemente reconocer que me gusta la música con espacio", dice Curtis. "Es fácil dejarse llevar por la idea de lanzarlo todo contra la pared, lo que -en teoría- suena más grande y seguro. Pero yo quería apreciar el sonido de la música en el aire. Se puede oír el detalle de la interpretación, y escuchar realmente a los músicos como personas. Y estoy trabajando con tres músicos singulares cuya forma de tocar tiene un peso real".

Lo dicho aquí, representa la última incursión de Curtis en lo que él llama en broma "el universo ampliado de Orrin Evans". La conexión comenzó a través de la "Captain Black Big Band" del pianista de Filadelfia, con Curtis apareciendo en los dos álbumes de la banda nominados al Grammy, Presence y The Intangible Between. También participa en el lanzamiento de Evans de 2016 #knowingishalfthebattle junto a Kurt Rosenwinkel y Kevin Eubanks, entre otros.

Esa conexión llevó a Curtis hasta Eric Revis. El renombrado contrabajista comparte una historia con Evans, incluyendo el trío colectivo "Tarbaby" con el baterista Nasheet Waits. 

Revis compartió tareas de contrabajo con Luques Curtis en Caleb's Brothers y expresó su interés en trabajar más ampliamente con el saxofonista. Revis y Gerald Cleaver han colaborado en el propio trío del bajista, así como en el del pianista Aruán Ortiz, aunque el baterista no se ha cruzado a menudo con Evans, por lo que se trata de una nueva y emocionante conexión alimentada por la red subyacente de conexiones.

Toda la gama de matices se muestra desde el principio en el tema que da título al álbum, que comienza con el seductor y misterioso piano solista de Evans, pronto acentuado por los platillos parlanchines de Cleaver; la melodía aumenta en intensidad y combustión a medida que el cuarteto se involucra en una improvisación colectiva con muchas capas, que culmina con la melodía muscular y de ángulos agudos de Curtis.

Cada pieza insinúa su carácter esencial en su título, una sensación o impresión que está en el centro de las ideas mínimas pero vívidas que el compositor utiliza para encender la banda. El movimiento y la acción dan forma a muchos de los cortes que se presentan.

"Heatmap trata de la búsqueda de una esencia", concluye Curtis. "La construcción de la música puede ser interesante, los conceptos pueden ser de profunda convicción, la arquitectura puede ser importante - pero en última instancia, el sonido y sus diversas cualidades de timbre, textura y dinámica son los que dan a esta música su intimidad y vitalidad. La acción está aquí, en la creación de la música". Super recomendable.

Caleb Wheeler Curtis - Sax

Orris Evans: Piano 

Bass: Eric Revis - Drummer + Gerald Cleaver

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HARISH RAGHAVAN - IN TENSE

El tema de apertura, "Ama", es etéreo y tranquilo, pero a la vez impulsivo, con un virtuoso solo de contrabajo sobre el hipnótico y palpitante ritmo de la sección media, que sirve de hermosa apertura al cohesivo álbum. La energía cambia de marcha con "Circus Music", que fue escrita para indicar lo duro que puede ser el mundo y como respuesta directa a los tiempos turbulentos y a la necesidad de aprender a adaptarse. La música pinta una imagen de caminar por la cuerda floja de un circo en busca de un aterrizaje seguro.

La canción que da título al disco, "In Tense", se mueve lentamente pero con un propósito. "Quería que diera la sensación de que estaba ocurriendo algo inmenso, pero que al mismo tiempo no ocurriera nada", explica Harish. Con un contrabajo pesado en todo momento, el tema se basa en una tensión exquisita que recuerda a la confusa sensación de encierro de estar a salvo en casa, pero con gran intensidad.

"Eight-Thirteen" también trata de lo desconocido. El nombre de la pista proviene del momento en el que nació el hijo de Harish, exactamente un minuto antes. Hay una parte de la composición que se ralentiza tentadoramente por un momento, invocando visiones de mirar por encima de un precipicio y capturando el momento preciso antes de que todo cambie.

"S2020" se inspira en el hecho de que ya vivimos en el futuro. "Nací en 1982, así que 2020 es algo grande", afirma Harish, "como si estuviéramos en 2020. Es el futuro, se supone que todo será mejor". Este sentimiento se manifiesta a través de los intercambios embriagadores y de otro mundo en la pista distópica.

El cierre del álbum, 'Prayer', es una oda a los tiempos que corren, con un emocionante intercambio entre Morgan y Charles. "La escribí como una oración para antes de ir a la batalla", dice Harish, "hay una parte en la que se vuelve un poco libre y algo melosa, luego es como si estuvieras en guerra por un momento". 

Harish Raghavan es un compositor reflexivo y un músico enigmático, su último trabajo "In Tense" es una obra imponente y envolvente que encanta de principio a fin. Harish dice: "El álbum se llama "In Tense" y para mí eso significa intentar estar presente y en el momento". Este disco ofrece esa claridad mental a través de sus cautivadoras composiciones y su hipnotizante intensidad.

Harish Raghavan - Double Bass

Eric Harland - Batería

Charles Altura - Guitarra

Joel Ross - Vibráfono/Marimba

Morgan Guerin - Saxofón Tenor +  Clarinete Bajo

ODED TZUR - ISABELA

En su continuación de "Here Be Dragons", el saxofonista neoyorquino Oded Tzur y sus colaboradores aplican su sutil dialecto en un espacio más intenso, explorando los matices y colores de la raga que el saxofonista ha creado por sí mismo en una secuencia de meditaciones tranquilas y exclamaciones poderosas. A lo largo de "Isabela" prevalece un elevado sentido de la urgencia, ya que Oded vuelve con su cuarteto inalterado para tejer una idea musical subyacente a través de una serie de elaborados y apasionados diseños. Desde su primera aparición para ECM, la interacción del grupo se ha hecho más íntima en el camino y la profunda confianza entre el líder y sus acompañantes es una fuerza impulsora y vinculante detrás del alcance conceptual de la música.

Oded ha forjado un enfoque particularmente idiosincrático para componer en su camino musical, mezclando raga y jazz de una manera en la que el saxofonista no toma prestado ni imita modismos musicales de otros lugares, sino que aplica un concepto musical-filosófico integral a nivel universal. Según Oded, una raga va más allá de un conjunto de parámetros ligados a los compases o las notas: "Una forma de definir un raga es verlo como una personalidad abstracta hecha de sonido. Algún músico se referiría incluso a ella como una presencia a la que hay que dar vida. Ahí es donde ya no es una escala, sino algo mucho más que una secuencia de notas. En ese sentido, el blues es exactamente como una raga. Tiene una escala, pero no es simplemente una escala. Es una personalidad abstracta que es tan distinta que puedes escuchar una frase de ella y ya decir: 'eso es blues' - Como una persona que reconoces de lejos". 

Una vez más, se unen a Oded en su viaje musical el pianista Nitai Hershkovits, el contrbajista Petros Klampanis y el baterista Johnathan Blake, que infunden a las invenciones del líder una musicalidad sin esfuerzo y una vívida imaginación. Cada uno de ellos es un pilar en la escena del jazz contemporáneo y con vínculos que van más allá del formato tradicional del género, los colaboradores del saxofonista tienen "libertad para desarrollar la música como quieran", dentro de las estructuras y posibilidades que ofrecen las composiciones. El grupo descubre constantemente nuevas formas de comunicarse entre sí y de ampliar su vocabulario musical en el proceso: "Es como si estuviéramos en un río con árboles alrededor de las orillas, por lo que no podemos distinguir realmente hacia dónde nos dirigimos, pero podemos estar seguros de que nos llevará a un buen lugar". Ese lugar está marcado por las delicadas pinceladas de Nitai al piano, el feroz y seguro trabajo de percusión de Johnathan y los más que fiables cimientos de Petros en la parte profunda.

Downbeat describió la forma de tocar de Oded como "silenciosamente fantástica y llena de fintas narrativas", al tiempo que ha perfilado su tono como "ligero y dulce, con una ligereza susurrada", y la técnica microtonal de flexión de notas del saxofonista, inspirada en los instrumentos clásicos indios y que roza lo "apenas audible", está de nuevo en el corazón de su voz y de las melodías que sobresalen en Isabela.

La raga que impregna el álbum de principio a fin se introduce en el acto de apertura, "Invocation", que funciona como un chalan en la música clásica india, el esqueleto de una raga que esboza la estructura de la raga de la forma más breve posible, como lo hace una sinopsis de una obra de teatro. Oded y su cuarteto desarrollan la materia musical concentrada de "Invocation" y la transforman en nuevas formas en amplios estudios de temperamento, pasando de la introspección pensativa en un momento a la improvisación extrovertida y libre en el siguiente. 

"Me llevó un tiempo desarrollar el valor para explorar también el otro extremo, ver qué ocurre cuando sigues la explosión en el otro extremo del espectro dinámico. Para este álbum me sentí finalmente cómodo para explorar la totalidad del rango dinámico, el silencio pero también las erupciones, los colores brillantes".

Ni el silencio ni los colores brillantes que sumergen el álbum en múltiples matices podrían surgir sin las distintivas contribuciones de los compañeros de viaje de Oded, y la interpretación del grupo se ve realzada por la acústica cristalina del Auditorio Stelio Molo RSI de Lugano, donde se grabó el álbum en septiembre de 2021. 

 

TOMASZ DĄBROWSKI - THE INDIVIDUAL BEINGS

Armado con la vieja trompeta de su amigo y mentor, el trompetista Tomasz Dąbrowski reúne a un ecléctico elenco de músicos para rendir homenaje al fallecido Tomasz Stanko con su lanzamiento, "The Individual Beings".

"No me siento solo. Soy un ser individual", dijo la leyenda del jazz polaco Stanko. 

Dąbrowski hace suya esta cita en una reflexión musical sobre lo que le enseñó su tiempo con Stanko. 

"Todos somos seres individuales, y nuestra individualidad es lo más fuerte que tenemos para ofrecer al mundo: hay que protegerla y desarrollarla", dijo.

El resultado es una celebración profundamente personal, pero poderosa, anidada en un vasto paisaje sonoro. 

A veces recuerda al Quinteto de Miles Davis de la época de Wayne Shorter, otras es minimalista y tenso, y el uso ocasional de la electrónica contribuye a la vibración exploratoria y progresista de la música.

En su autoproclamada "búsqueda de la simplicidad", el trompetista y director de orquesta está acompañado por otros seis músicos, elegidos específicamente para este proyecto por su representación y manifestación de una de las cosas más importantes para Dąbrowski: "la personalidad, tanto dentro como fuera del escenario".

Aparte del saxofonista Fredrik Lundin (Dinamarca) y el baterista Knut Finsrud (Noruega), los miembros del grupo son polacos o radicados en Polonia y llegaron a la vida del director de la banda en algún momento de los últimos años.

Tal vez sea una prueba de la conexión del joven Tomasz con su héroe convertido en colega el hecho de que interpretara esta música con la trompeta con la que Stanko hizo algunos de sus mejores trabajos en los años 90, cedida por su familia.

Desde que se trasladó a Copenhague (Dinamarca) en 2008, Dąbrowski ha hecho gala de una curiosidad incesante, ampliando y expandiendo sus raíces jazzísticas y emergiendo como uno de los trompetistas más emocionantes y completos de Europa.

The Individual Beings es el siguiente y fascinante capítulo de la historia de una estrella emergente en tiempo real y un homenaje maduro y reflexivo a una gran leyenda ya fallecida.

Tomasz Dabrowski - Trumpet, Compositions

Fredrik Lundin - Saxophone

Knut Finsrud - Drums

 Irek Wojtczak - Tenor/soprano sax, electronics 

Grzegorz Tarwid | Grand Piano, Keys

 Max Mucha | Double Bass

Jan Emil Mlynarski | Electric & Acoustic Drums

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SHABAKA - AFRIKAN CULTURE

El genial saxofonista, filósofo, director de orquesta y músico Shabaka Hutchings, ahora conocido profesionalmente como "Shabaka" en todos sus esfuerzos musicales , anuncia su primer trabajo en solitario cobijado ni más ni menos que por "Impulse Records, y que verá la luz el 20 de mayo. 

Compuesto íntegramente por Shabaka, el EP de ocho pistas, esta por ahora en formato digital. Aquí, el moreno se muestra con varios instrumentos de viento y se centra un una estética meditativa.  El primer corte "Black Meditation" es una declaración de como viene la mano. Introspectivo, tenue, contemplativo lo que sin dudas es una declaracion de principios, que entronca con postreros destellos de su genio.   

"Afrikan Culture", dice el protagonista se hizo en torno a la meditación y lo que significa para mí aquietar mi propia mente y aceptar la música que sale a la superficie". "Presenta varios tipos de flautas Shakuhachi y una nueva técnica de creación con la que he estado experimentando en la superposición de muchas flautas para crear un bosque de sonido donde las melodías y los ritmos flotan en el espacio y emergen en destellos".

Producido por Shabaka y su frecuente colaborador Dilip Harris, Afrikan Culture te lleva a un viaje sónicamente curativo. Inmerso en un mar de sonidos, diversos instrumentos, como el Shakuhachi que mencionábamos, la Kora un instrumento de cuerda muy utilizado en África occidental, la Mbira un "piano de pulgares africano) y una caja de música, que envuelven al oyente en un sonido relajante que perdura mucho después de la última nota tocada. Original búsqueda espiritual de este proyecto místico plasmado en música. 

OUT MAY 20 ON IMPULSE! RECORDS