domingo, 25 de diciembre de 2022

DAVE LIEBMAN - LIVE AT SMALLS

Un emocionante coctel de free jazz, de 75 minutos encuentra al ilimitado saxofonista soprano en compañía de cuatro maestros de la música moderna: el trompetista Peter Evans, el pianista Leo Genovese, el contrabajista John Hébert y el baterísta Tyshawn Sorey. Como parte de la serie "Smalls LIVE Living Masters Series", este set grabado en el famoso club nocturno del West Village muestra el atrevido virtuosismo de una de las mentes más vanguardistas de la música contemporánea, capturado ante un atento público en vivo.

Con la publicación de Live at Smalls, el NEA Jazz Master inicia una nueva etapa centrada en la improvisación libre. Desde que se grabó este álbum en directo en enero de 2022, Liebman ha hecho un esfuerzo concertado por tocar en un entorno de jazz libre, sin las reglas y los resguardos que suele ofrecer la interpretación de melodías y música compuesta. "Llevo grabando desde que tenía 16 años", reflexiona Liebman. "He tocado de todo y, en particular, gran parte del lenguaje del jazz en más de 500 discos. Me gustaría dedicar esta próxima etapa de mi vida artística a tocar free".

Todo cierra el círculo. Liebman ha tocado libre con regularidad a lo largo de su prolífica carrera, aunque algunos periodos se han centrado más en ello que otros. El ejemplo más flagrante sería durante la escena del loft, ese periodo dorado de finales de los 60 que desde entonces ha adquirido un cierto brillo mítico en la actualidad. Entre 1968 y 1969, Liebman tuvo un famoso loft en el centro de la ciudad, en el que también vivían Dave Holland y Chick Corea. Fue durante este periodo formativo cuando tocaban exclusivamente gratis. "Si tocábamos dos canciones a la vez era increíble", dice Liebman entre risas, y añade que con frecuencia tocaban durante cuatro o cinco horas seguidas sin pausa, y nunca llamaban a melodías, claves o tempos. "La épica grabación de John Coltrane, "Ascension", fue un modelo para nosotros y todavía hoy tiene el peso de la música de John".

Live at Smalls recupera ese espíritu. Cuando se confirmo el concierto, Liebman llamó a cuatro músicos con los que había tocado en diferentes ocasiones y en contextos variados, pero nunca juntos como conjunto. La perspectiva de trabajar con un nuevo grupo de músicos era emocionante y sirvió de catalizador para explorar nuevas ideas en el escenario. "Sabía que podían hacerlo. A la mayoría de los músicos les encanta tocar así, aunque les cueste empezar", dice. "Lo asombroso es que, de alguna manera, cuando los buenos músicos tocan así, saben exactamente cuándo parar y cuándo seguir. Ellos pusieron manos a la obra y  tocaron esta música magníficamente". 

El trompetista Peter Evans es ampliamente conocido en los círculos de la música experimental y creativa por su singular enfoque de la interpretación y la improvisación moderna. Maestro de su instrumento, es un complemento perfecto para Liebman, ya que ambos forman la dinámica primera línea. El pianista Leo Genovese, cuyos eclécticos  créditos discográficos abarcan desde Wayne Shorter a Mars Volta, aporta su toque distintivo al éxito, que Liebman describe como "muy empático con quienquiera que esté tocando". Completan la sección rítmica el respetado contrabajista John Hébert, al que se puede escuchar en el anterior disco de Liebman, "Trust and Honesty" y lleva (Newvelle), y el potente batería Tyshawn Sorey. "Cuando estás improvisando sin un boceto, consigues escuchar a alguien tocar de una forma más profunda que si tuviera la música adelante, comentó Liebman. "Tyshawn maneja todo esto con un estilo muy constructivo y compositivo".

Live es ciertamente poco ortodoxo para ser un lanzamiento comercial. No hay melodías propiamente dichas y la división en tres partes es arbitraria. Se trata de un conjunto que durante 75 minutos, donde el oyente disfrutara mejor directamente la escucha como una experiencia visceral. Aunque este tipo de música suele considerarse exigente o para una minoría para el oyente ocasional, Liebman reafirma que no tiene por qué serlo. "No hay reglas, lo que también significa que la experiencia del oyente puede ser extremadamente liberadora". El trabajo resultante es una exploración sónica expansiva, que consolida la posición de Liebman como una de las voces más creativas de la música moderna. 

Dave Liebman - Saxophones

Peter Evans - Trumpet

Leo Genovese - Piano

John Hébert - Bass

Tyshawn Sorey - Drums

Dave Liebman: Live at Smalls saldrá a la venta en formato digital y CD el 3 de febrero de 2023 a través de Cellar Music Group. 

domingo, 18 de diciembre de 2022

JOE LOCKE - MAKRAM

El gran vibrafonista Joe Locke, ya tiene en la gatera su próximo álbum que saldrá  el 17 de febrero de 2023. Con una selección de nuevas composiciones y el regreso de su célebre cuarteto (el pianista Jim Ridl, el contrabajista Lorin Cohen y el baterista Samvel Sarkisyan). "Makram" es la última incorporación a la extensa discografía de Locke, un álbum que incorpora influencias del soul, el swing y la world-music, sintetizadas en el inimitable estilo de Locke.

Joe  siempre ha sido conocido por su inmensa versatilidad estilística y su capacidad para conectar. Su variado enfoque se ha perfeccionado gracias a sus actuaciones a lo largo de los años con músicos tan notables como Grover Washington Jr, Raul Midón, Kenny Barron, Eddie Henderson, Cecil Taylor, y un alargado etcétera.

Después de décadas como uno de los vibrafonistas más impactantes del jazz, con innumerables premios, álbumes aclamados por la crítica y una notable diversidad de asociaciones musicales en su haber, sigue ampliando su ámbito artístico. Su nuevo disco, "Makram", brilla con el espíritu, el ingenio, la musicalidad y la curiosidad de un artista que abraza con alegría el parentesco como base para hacer música en sus propios términos. El cuarteto de Locke con Ridl, Cohen y Sarkisyan es una fraternidad musical única, un grupo perfectamente adaptado a la calidad de las composiciones que hacen que esta grabación sea tan especial.

"El álbum, que lleva el nombre del talentoso contrabajista libanés Makram Aboul Hosn, se abre con un arreglo de "Love for Sale", de Cole Porter, una base boyante, tensa y oscilante para los nítidos solos de Locke, Ridl y Sarkisyan. Soulful and melancholic, "Raise Heaven" es un homenaje lírico al difunto Roy Hargrove, que refleja la reverencia con la que el trompetista abordaba las baladas, al tiempo que hace un guiño a su amor por el R&B, como demuestra su trabajo con RH Factor. La canción está animada por los delicados arreglos de metales del trombonista y coproductor del álbum, Doug Beavers.

Pivotando hacia un blues menor con una adictiva melodía de Oriente Medio en compás de 5/4, la canción que da título al álbum, "Makram", se desliza con gracia al tiempo que mantiene una enérgica energía rockera. Sarkisyan guía la canción con maestría a través de los solos de Ridl y Locke, acentuados maravillosamente por Samir Nasr Eddine al oud y Bahaa Daou al riq, una versión marroquí más pequeña de la pandereta. Delicada, sombría y representativa de la creciente vulnerabilidad política de nuestra nación, "Elegy for Us All" habla de la profunda tristeza de Locke por las crecientes influencias oscuras que ve amenazando la democracia en Estados Unidos. 

La arrolladora melodía de Locke describe bien el dolor que se siente al observar los continuos intentos de hacer retroceder décadas de logros conseguidos desde la época de los derechos civiles en el país.

Dentro de la galaxia del jazz contemporáneo, los discos suelen ir acompañados de expectativas de que los artistas presenten su música de forma que los oyentes puedan apreciarla o entenderla fácilmente. La órbita de Makram gira en torno a una sensibilidad ligeramente diferente, en la que un magnífico collage de música habla de la meticulosa preparación, el arte de talla mundial y la química personal que Joe Locke está desarrollando en este momento de su carrera. 

Desafiante, compleja, familiar pero con un toque contemporáneo e internacional, esta grabación incorpora un cuarteto dinámico, arreglos sin esfuerzo aderezados con la mezcla justa de instrumentación, compases curiosos, sentimientos honorables y parentesco. Para resumir;  música que ejemplifica la íntima conexión de Joe Locke con su banda, su público y, lo que es más importante, consigo mismo.

domingo, 11 de diciembre de 2022

LASZLO GARDONY - CLOSE CONNECTION

Tras dos audaces grabaciones en solitario en las que reimaginó standars de jazz y exploró la espontánea composición (Serious Play de 2017, La Marseillaise de 2019), el pianista y compositor de origen húngaro Laszlo Gardony se reúne aquí con su tándem rítmico favorito formado por el contrabajista John Lockwood y el baterista Yoron Israel.

"Close Connection", es su undécimo álbum para Sunnyside Records. En este trío altamente interactivo, el pianista de Boston reaviva su química con Lockwood e Israel desde sus anteriores encuentros; en : "Ever Before Ever After" (2003), "Natural Instinct" (2006), "Dig Deep" (2008), "Signature Time" (2011) y Life in Real Time, de 2015.Dice el protagonista: "Fue absolutamente cómoda la sesión para "Close Connection".

"Llevamos tocando juntos más de 20 años, y después de todo ese tiempo es fácil comunicar estas ideas en mi cabeza para la banda. La música siempre trata de algo que sientes e imaginas, no de algo que la comunicación verbal pueda  expresar".

En Close Connection, Gardony aborda sus propias raíces, en concreto los elementos de la música folk de Europa Central (una cualidad que comparte con Bennett). Europa Central (cualidad que comparte con Béla Bartók, cuyo gran aprecio por las melodías folclóricas de Hungría, Rumanía, Bulgaria y Eslovaquia influyó en su obra).

Esta cualidad se aprecia en el primer tema del álbum,"Irrepressible", que rebosa disonancias y escalas centroeuropeas distintivas, y también en el melancólico final, "Irrepressible"; y también en el melancólico final, "Cold Earth", una pieza improvisada colectivamente basada en escalas de música folclórica húngara.

"La mayor parte de esa influencia me llegó a través de la música de Bartók", explica Gardony. "Me rodeó durante toda mi infancia". Otro aspecto que sale a relucir en este proyecto arraigado es el temprano encaprichamiento de Gardony con la música prog-rock mientras crecía en Budapest. Pero en lugar de recurrir a sintetizadores e instrumentos eléctricos, intentó capturar la energía de aquella época. Intentó capturar la energía de esa música de los 70 en un entorno puramente acústico. 

Lo llama New Prog Jazz ya que; "Es es jazz acústico original con la mentalidad valiente, los ritmos contundentes y el estilo progresivo de los grupos de prog-rock que me gustaban de joven,  como King Crimson, Emerson, Lake & Palmer, Deep Purple, Soft Machine y grupos de prog-rock más oscuros como Atomic Rooster y Can. Ese tipo de energía me inspiró me inspiró en una etapa temprana de mi vida, así que busco recrear esa energía en las armonías y melodías que escribo.

Gardony y su equipo gestáltico también exhiben una notable calidad de toma y daca en el vals de jazz polirrítmico de ligero balanceo,  "Sweet Thoughts", la vigorizante "Cedar Tree Dance", subrayada por un groove con sabor a Nueva Orleans y la africana "Savanna Sunrise", en la que Israel mantiene una rítmica de trance en kalimba, mientras yuxtapone un pulso de 6/8 en la guitarra mientras yuxtapone un pulso de 6/8 en la batería, con Lockwood y el líder repite un tema sencillo y pegadizo con la melódica.

"Básicamente, son cuatro capas diferentes de ritmo", explica el compositor. "Y de alguna manera todo ello crea la unidad, casi como una reunión". Seis improvisaciones colectivas del trío -incluida la conmovedora exploración del rubato "All That Remains", la espaciosa y taciturna "Walking in Silence", el himno de influencia sudafricana "Everybody Needs a home", la trepidante "Night Run" (salpicada de breves citas de himnos del bebop y el jazz como "Salt Peanuts", de Dizzy Gillespie," "I Remember April" y "Rhythm-a-Ning" de Thelonious Monk) y la ya mencionada "Cold Earth".

Grabada en el estudio WGBH de Boston, la última grabación de Gardony abarca una amplia gama de sus influencias. Como él mismo dice: "Tanto los elementos bartókianos como estos elementos prog-rock más progresivos viven en mí en esta perfecta armonía junto con todo el gran jazz moderno acústico y vanguardista que me encanta".

CLOSE CONNECTION (Sunnyside) 2022 

Laszlo Gardony (piano) John Lockwood (bass) Yoron Israel (drums)



domingo, 4 de diciembre de 2022

YOANN LOUSTALOT TRIO - YETI


La uniformidad es uno de los rasgos dominantes de este nuevo trabajo del gran trompetista Yoann Loustalot, dueño de una técnica considerable y una sensibilidad expresiva poco común. El concepto sonoro se basa en ideas modales de cocción lenta, con un sesgo netamente europeo; que prodiga líneas etéreas desde su trompeta apaciguada. 

En varios pasajes me remite a ecos de Jan Garbarek, el de “Ritos” como referencia plausible entre otras de similar talante. El trío maneja muy bien la intensidad contenida, explorando estructuras, sin caer en  lo soporífero del asunto, es decir: el trabajo tímbrico, el percusivo y el melódico brotan sin urgencia. 

Yoann toca suavemente, como duende huidizo y sabe bien cuando esconderse y darle paso a  sus compañeros que moldean las  intervenciones. 

Los temas permiten descubrir a un trío muy sugestivo, que viene trabajando hace tiempo y husmear en trabajos anteriores de estos grandes músicos franceses. 

Un landscape de gran calidad que consigue un clima de intimidad muy logrado y que pide considerar la fisonomía compositiva arropada en emociones contenidas. Una tormenta de arena sensible que se arremolina a kilómetros de distancia. 

Yoann Loustalot: Trumpet, Flugelhorn, Effects, Compositions

Giani Caserotto: Guitar, Effects, Compositions

Stefano Lucchini : Drums

Recording: Jonathan Marcoz




 

domingo, 20 de noviembre de 2022

WOLFGANG LACKERSCHMID + CHET BAKER


Wolfgang Lackerschmid y Chet Baker se unen en "Welcome Back", una perla de archivo recién descubierta de dos maestros del jazz. 

Via Dot Time Records sello que se dedica a rescatar archivos perdidos o poco conocido por el aficionado abordo la empresa de dar a conocer "Welcome Back", el tercer documento de la vibrante colaboración musical entre el vibrafonista Wolfgang Lackerschmid y la leyenda de la trompeta Chet Baker. Esta colección de nueve temas incluye todas composiciones originales y muestra la notable sinergia entre estos dos titanes del jazz. El elenco de apoyo incluye a Nicola Stylo en la flauta y la guitarra en un tema, los contrabajistas Gunter Lenz y Rocky Knauer, el guitarrista Peri Dos Santos y el baterista Edir Dos Santos.

Grabado en agosto de 1987, este registro muestra vastos paisajes musicales, desde baladas conmovedoras hasta robustos ritmos latinos, siguiendo el paso de sus anteriores lanzamientos de Dot Time, Quintet Sessions 1979 y Ballads for Two.

En Welcome Back, Baker está en plena forma. Se muestra especialmente sensible, y pocas veces se ha observado a Baker en un estado de ánimo tan relajado. El ambiente del estudio, con una chimenea abierta, seguramente contribuyó a este entorno; de hecho, los oyentes pueden escuchar el crepitar de la leña en algunas pistas. Las composiciones son líricas y se combinan bien con su conocida y discreta interpretación, aunque no hay intervenciones vocales. 

Nueve nueve composiciones son la hoja de ruta perfecta para la trompeta de Baker y el formidable enfoque de los solos de Lackerschmid. Lackerschmikd y Baker están en sintonía aquí, emocional y musicalmente, formando una pareja emparejada en el cielo.

Cada una de las nueve selecciones proporciona un marco impresionante para que estos dos maestros muestren su trabajo. En las grabaciones de trío y cuarteto, Lackerschmid renuncia por completo a los matices rítmicos de la batería, y en su lugar da a los oyentes la oportunidad de escuchar profundamente la combinación de los vibráfonos de Lackerschmid y la trompa de Chet. "Un buen baterista es difícil de encontrar y muy caro de emplear", y "no necesito un baterista porque tengo el ritmo en mi cabeza", respondió Chet cuando se le preguntó durante las entrevistas por qué rara vez utiliza un baterista. 

Otra personalidad importante en estas grabaciones es el flautista italiano Nicola Stilo, que acompañó a Chet durante años. Conociéndose bien de numerosas actuaciones conjuntas, tienen una armonía perfecta y, al igual que Chet, toca sus melodías flotantes con elegancia, sin dominar nunca, como un digno acompañante.

Cada uno de los músicos restantes brilla aquí como representantes sobresalientes de sus instrumentos, sin los cuales a la actuación le habría faltado el condimento final. Dos contrabajistas, Lenz y Knauer, aparecen en "Gloria's Answer" y "Volta Trais", respectivamente, y los amigos brasileños Peri y Edir dos Santos se unen a la guitarra y la batería.

Un punto culminante es "Why Shouldn't You Cry", interpretada por el trío, incluido Guenter Lenz. Este tema se utilizó anteriormente como canto fúnebre en el "Ballet de Blancanieves" de Lackerschmid, que se estrenó en noviembre de 1988 en el teatro de la ciudad de Augsburgo. Este título se grabó originalmente con Chet en enero de 1979, para el álbum "Ballads For Two", más tarde el 29 de junio de 1979 en el concierto en vivo en Kongsberg, Noruega, y el 5 de diciembre de 1980 durante el Festival de Jazz de Innsbruck, de nuevo en versión dúo.

El romántico y sentimental "Waltz For Berlin" está dedicado a la palpitante ciudad. Cuando uno escucha la melancólica trompeta de Baker, esta vez acompañado por Stilo (pero a la guitarra), tiene la impresión de que también Baker dio rienda suelta a los recuerdos sentimentales de sus propios tiempos en Berlín... quizás inspirado por los "días frescos" de 1947/48 en la banda del Ejército con emocionantes paseos en barco por el Wannsee, o las noches de 1964 en el Blue Note. Aunque los oyentes nunca lo sabrán con certeza, Welcome Back les invita a fantasear, y a sacar sus propias conclusiones provocadas por esta excepcional musicalidad. 

Mientras Wolfgang Lackerschmid sigue caminando entre nosotros y tocando y componiendo activamente, Chet Baker murió trágicamente en Amsterdam el 13 de mayo de 1988. Estas actuaciones grabadas sirven como un maravilloso, aunque no melancólico, recuerdo de un músico extraordinario, que era único a su manera. Dot Time Records se enorgullece de cimentar aún más el legado de estos dos grandes músicos con su serie Legends.Está en Spotify;una verdadera perla!!!!!! 


domingo, 13 de noviembre de 2022

KRISTÓF BACSÓ + DANIELE CAMARDA - IMAGINARY FACES


Nacidas en el aislamiento de la epidemia, las piezas de Bacsó captan las impresiones de rostros cubiertos por máscaras o sólo visibles en su imaginación. La secuencia dramática de las canciones también revela una historia: cómo nuestras vidas se ven alteradas por un acontecimiento inesperado e imprevisible, cómo reaccionamos ante él -a veces con ironía burlona, a veces con miedo y agresividad-, cuánto anhelamos la esperanza, y cómo encontramos el camino de vuelta a nosotros mismos, en parte aprendiendo a ver el mundo de una manera más compleja, en parte deteniéndonos por un momento para enfrentarnos a nosotros mismos y a nuestras raíces. 

Las tres primeras canciones representan el punto de partida, las cuatro centrales representan los acontecimientos impactantes y las tres últimas representan el asentamiento de la nueva normalidad y el control. Abstracta y rica en capas, directa y atractiva, la música de Triad no es un fenómeno trascendente ajeno al mundo, sino una forma de comunicación que alimenta una estrecha relación con la realidad, reflexionando sobre el momento social, histórico y personal.

Kristóf Bacsó, uno de los principales saxofonistas de la generación intermedia de músicos de jazz húngaros, ha publicado seis álbumes como compositor y líder de banda en el sello BMC Records, y desempeña un papel destacado en la primera big band contemporánea de Hungría, la Modern Art Orchestra. 

Su interpretación también se puede escuchar en muchos otros CD, como "Different Garden" de Gábor Winand y Gábor Gadó. Una influencia decisiva en su carrera fueron las conexiones artísticas que hizo en Berklee: tocó en el Opus Jazz Club con Francesco Guaiana, y dio impactantes conciertos con David Dorůžka y Albert Sanz. Bacsó también tocó y grabó el álbum Pannon Blue con Lionel Loueke para BMC Records. Ahora, como siguiente paso de esta trayectoria artística, ha complementado su trío con Daniele Camarda, que toca el inusual bajo de siete cuerdas.

Kristóf Bacsó - Tenor Saxophone, Effects.

Áron Tálas - Fender Rhodes, Piano, Keyboards.

Márton Juhász - Drums.

Daniele Camarda - Electric Bass, Effects.



domingo, 6 de noviembre de 2022

SANTI DEBRIANO & ARKESTRA BEMBE


Santi Debriano, nacido en Panamá y afincado en Nueva York, huye de la simplicidad. El bajista-compositor, que emigró a Estados Unidos desde Panamá a la edad de cuatro años y posteriormente obtuvo un título de postgrado en etnomusicología por la Universidad de Wesleyan, se ha esforzado por trasladar la tradición afrocaribeña a su obra compositiva. Su última marca, Ashanti, tiene como núcleo el lenguaje y el ritual del África Occidental. Junto con su Arkestra Bembé, Debriano aprovechó el poder del bembé de la tribu yoruba -una celebración que incluye comida, bebida, música y danza- y fabricó su propia tradición de jam session, inspirada en la pandemia, de una intimidad similar. Incontables semanas de bembés dieron como resultado Ashanti, el octavo lanzamiento del bajista como líder y el primero a través de Jojo Records, que saldrá a la venta el 18 de noviembre de 2022.

Durante el cierre de la pandemia, Debriano creó un santuario para los músicos de jazz del área de Nueva York que carecían de un espacio de práctica común. En el sótano de su casa de Staten Island, organizaba bembés semanales, creando un salvavidas musical, un medio de supervivencia, para los artistas hasta que fuera seguro aventurarse de nuevo en el estudio. "Al principio, los bembés semanales eran sueltos y poco estructurados", explica Debriano. "Pero a medida que iban creciendo, me animaba a empezar a ampliar mis arreglos y a experimentar con ellos". 

Estas sesiones ofrecieron al director de la banda la oportunidad de crear composiciones para un elenco más numeroso, al tiempo que presenciaba fantásticas interacciones entre los instrumentistas. Con el paso de las semanas, la imaginación compositiva de Debriano se fue ampliando al mismo tiempo que lo que sería su Arkestra Bembé. Este elenco estelar tiene a Debriano como ancla en el bajo con Robby Ameen en la batería, TK Blue en el saxo alto, Andrea Brachfeld en la flauta, Tommy Morimoto en el saxo tenor, Ray Scro en el saxo barítono, Emile Turner en la trompeta, Adrian Alvárado en la guitarra y Mamiko Watanabe en el piano.

Forjada por desarrollos de acordes desafiantes y variaciones repentinas de tempo, una composición típica de Debriano es matizada e incluso difícil. A través de la participación rutinaria en el taller de estos bembés, los miembros de la banda encontraron una oportunidad íntima para entregarse a los notables escritos de Debriano.

El disco se abre románticamente con "Angel Heart", una dedicatoria a la esposa de Debriano. Con un pulso romántico, la composición es también una clase magistral de interacción intuitiva de las cuerdas, en la que se escucha al brasileño Adrian Alvarádo con sus adagios de guitarra flamenca, mientras Debriano introduce el fraseo africano y caribeño en el bajo. "En el núcleo de 'Angel Heart' hay una melodía que ha estado en mi cabeza durante quizá dos o tres años. La había reescrito y vuelto a escribir. Ahora me doy cuenta de que lo que estaba esperando era un guitarrista como Adrian", dice Debriano.

El tema que da título al disco, "Ashanti", es el más espiritualmente africano en sus intenciones de todos los temas del disco. Casualmente, esta melodía salió del subconsciente de Debriano, "casi completamente intacta", como él mismo describe, y su nombre procede de una conversación que mantuvo con un hombre en la nación de África Occidental, Togo, que le dijo a Debriano que se llamaba como la tribu Ashanti. Impregnado de la ascendencia de su homónimo, "Ashanti" arranca con los estruendos de Robby Ameen e incluye un extenso solo de bajo del líder de la banda.

No es de extrañar que un disco montado bajo la premisa de la supervivencia juegue con tanta imaginación. Los temas consecutivos "Imaginary Guinea" e "Imagined Nation" son místicos y exploratorios por naturaleza, el primero ofrece una oración en trance y espeluznante en compás de 6/8; su melodía está extraída de una creencia folclórica vudú haitiana según la cual cuando un haitiano muere, su alma sigue un río a través del océano Atlántico hasta Guinea, donde residirá permanentemente. Ray Scro se distingue en "Imaginary Guinea" con un solo de saxo bariano resonante y contundente.

Las imágenes del agua siguen fluyendo a lo largo del disco; el arreglo cambiante de "Till Then", del difunto y gran marimbista Bobby Hutcherson, se hizo realidad cuando Debriano pidió a la pianista Mamiko Watanabe que creara una apertura descendente, "como el agua cayendo por una cascada". El resultado es un testimonio de su arte. A continuación, "Spunky" se convierte en una mezcla directa de funk y swing con brillantes contribuciones de la sección de vientos, incluido el sabor de Nueva Orleans del trompetista Emile Turner, nacido en Luisiana. 

"Arkestra Bembé Boogaloo" introduce un ritmo latino alegre y palpitante sostenido por Ameen en la batería sobregrabada en el guiro cubano, sentando las bases de una contagiosa composición afrocaribeña. "Basilar" mantiene este espíritu latinoamericano, con los solos de Tommy Morimoto al saxo tenor y de la inimitable Andrea Brachfeld a la flauta, antes de que un desfile de ritmo culmine a manos de Ameen a la batería. 

Una virtuosa colaboración entre Debriano y el saxofonista Ray Scro da como resultado "Mr. Monk and Mr. Mingus". Escrita por Scro y arreglada por Debriano, la pareja rinde homenaje al uso que ambos gigantes del jazz hacen de la modulación métrica y a su afinidad por la quinta en bemol. Ambos músicos tenían un elevado sentido filosófico de lo que quería decir Mingus cuando afirmó célebremente que "la música tiene que tener El disco se cierra con un arreglo de dos minutos y medio de Charles Mingus, "Portrait", que fue escrito para su esposa, Sue, recientemente fallecida. Debriano rinde homenaje a ambos en este reflexivo solo. 

En el fondo, Ashanti es el producto de un compromiso, un estandarte de simpatía y entendimiento entre músicos nacido de una encrucijada. Con una fijación compartida por esta música, esta práctica de resistencia se convirtió en algo sagrado para los miembros de la Arkestra Bembé, que fusionan sin esfuerzo sus orígenes culturales y creativos en una llanura de comprensión espiritual. "Gracias al espacio físico compartido mientras elaborábamos los detalles de esto durante un largo periodo, creo que hemos podido lograr algo especial que nos ha llevado a todos a un lugar más profundo".



domingo, 30 de octubre de 2022

GONZALO DEL VAL - TORNAVIAJE



Nacido en Miranda de Ebro, inicia su formación musical a la temprana edad de siete años en el Conservatorio Municipal de su ciudad, trasladándose a Madrid donde cursa estudios de batería, composición y arreglos. Becado en el Conservatorio superior de música del Liceo de Barcelona, y obtiene el título Superior de Batería -Jazz” y edita su primer trabajo “Seis cuentos musicales” como proyecto fin de carrera. 

En 2009 es galardonado con la beca“Jóvenes Excelentes” para estudiar en escuela Manhattan School of music de Nueva York. Su dilatada carrera le ha llevado a grabar más de cuarenta discos, participando en multitud de proyectos y colaborando con un gran número de artistas de talla internacional. 

Viene compaginando además su actividad dentro del ámbito de la docencia con la edición de seis discos como líder, coronando su trayectoria con la elección como mejor disco de 2020 con su anterior trabajo “Cancionero”, consagrándose en la actualidad como uno de los músicos más valorados, inquietos y solicitados dentro del panorama del Jazz.

En 2016 se traslada a Dublín donde desarrolla su carrera musical a lo largo de tres años, colaborando con algunos de los músicos más importantes de la escena, fruto de esta experiencia nace “Tornaviaje”. Un disco en el que Gonzalo del Val no solo retoma su faceta de compositor sino que además, se aleja del formato acostumbrado de trio para adaptar y diseñar perfectamente cada una de las composiciones a un formato de cuarteto, considerando tanto el lenguaje como el aporte estilístico de cada uno de los integrantes de la banda. 

Un espectacular cuarteto integrado por Romain Pilon, uno de los guitarristas más destacados e influyentes de la escena francesa y colaborador entre otros de Brian Blade o Greg Hutchinson El reconocido y galardonado trompetista Raynald Colom cuya carrera transcurre al lado de nombres como Nicholas Payton, Greg Osby y Chano Domínguez entre otros y el joven y virtuoso contrabajista Manel Fortiá, toda una referencia y una de las figuras más prometedoras de su generación.

Una formación que transita de manera ágil y elegante a través de todas las composiciones escritas por Gonzalo del Val desde la trepidante “Es Bot” y la evocadora “Agrio de limón” para transitar por “Galeón” y “Los tres mulatos de esmeraldas” donde se ponen de manifiesto las diferentes influencias musicales de los integrantes de la banda. 

El trabajo discurre, en equilibrio perfecto bajo la dirección de Gonzalo del Val en clave de Jazz contemporáneo y ciertas reminiscencias al jazz de los 70´s, plagado de colores en “Azur” y Simple” haciendo ostensible el virtuosismo del cuarteto en “Big Nick” y poniendo punto y final a este trabajo la delicada “Gota d´agua”, con evidente influencia brasileña y única composición con aporte vocal de la espléndida Carme Canela.

“Tornaviaje” es el relato que habla sobre el retorno tras haber explorado otros horizontes vitales. Gonzalo del Val es ese artista que desplegó velas en busca del viento y de la corriente favorables y que volvió para contarlo. Ese que marchó para sondear los límites de la creatividad, cartografiando lo desconocido y que vuelve asumiendo el reto de abandonarse al cambio, a la transformación.














 

martes, 25 de octubre de 2022

JAKOB BRO + JOE LOVANO - ONCE AROUND THE ROOM - A TRIBUTE TO PAUL MOTIAN

Un homenaje profundamente sentido y totalmente original a una inspiración común y a un querido colega - el difunto y gran baterista-compositor Paul Motian- "Once Around the Room" es también el primer álbum codirigido por el guitarrista danés Jakob Bro y el saxofonista estadounidense Joe Lovano. 

Bro concibió una banda especial para el proyecto, convocando lo que Lovano llama "una mini orquesta" para la sesión de estudio de Copenhague, que tuvo lugar 10 años después de la fecha de la muerte de Motian en 2011, a los 80 años. 

El texturizado septeto cuenta con tres bajistas (Larry Grenadier y Thomas Morgan cada uno en el contrabajo, además de Anders Christensen en el contrabajo) y dos bateristas (Joey Baron y Jorge Rossy), todos músicos que han trabajado juntos en varias combinaciones, así como grabado para el sello en los últimos años.

Junto con dos originales influenciados por Motian de Bro y Lovano, Once Around the Room incluye una improvisación en grupo y una interpretación especialmente dinámica de una composición vintage de Motian: "Drum Music". 

Los anteriores trabajos de ECM de ambos colíderes han sido ampliamente elogiados, con The New Yorker declarando que "Lovano puede convertir una frase musical en un poema", y DownBeat señalando que "la guitarra de Bro es luminosa... su música es a la vez hipnótica y dramática".




 

domingo, 9 de octubre de 2022

TIMO VOLLBRECHT - GIVERS & TAKERS

"Fly Magic" es el nombre del grupo del saxofonista + compositor + director de orquesta y estudioso de Timo Vollbrecht. Una unidad que explota el género con un audaz sentido de la creatividad y la intención. Tras dos aclamados discos y actuaciones en más de 30 países, su tercer álbum, "Givers & Takers", marca un nuevo capítulo: Conjuga la delicadeza acústica con paisajes sonoros electrónicos de otro mundo de amplitud orquestal. Grabado en el estudio durante una gira de 12 fechas, capta la química única que los cuatro músicos desarrollaron en la carretera mientras utilizaban el escenario como laboratorio.

Originario de Alemania y afincado en Nueva York, Timo Vollbrecht es una célebre fuerza creativa en la escena musical de Brooklyn que fusiona el jazz con el post-rock, la electrónica y la composición instrumental.

Descrito como un "director de banda luminoso" por el NYC Jazz Record, ha actuado en escenarios emblemáticos como el Village Vanguard. También es el nuevo Director de Estudios de Jazz de la Universidad de Brown. Junto con Keisuke Matsuno (guitarra), Elias Stemeseder (piano y sintetizadores) y Dayeon Seok (batería), formó una banda sin bajista. En su lugar, Stemeseder -que acaba de dirigir su residencia en el emblemático local Stone de John Zorn- toca el sintetizador-bajo mientras su otra mano maneja otras teclas. 

Desde el punto de vista temático, Givers & Takers hace referencia al sentido de comunidad que subyace en Timo a través de la música: "La música es, ante todo, una práctica social", afirma, "se trata de la conexión humana y de la experiencia vivida de personas que se sienten juntas y se inspiran mutuamente". Estos aspectos sociales circundantes, tradicionalmente considerados "extramusicales", no son en realidad extramusicales en absoluto: forman parte esencial del tejido más interno de la música". El álbum surge de este lugar de interactividad humana. 

Presenta a cuatro amigos musicalmente sinérgicos de diversos orígenes que entran en un diálogo de improvisación marcado por la confianza mutua. Dar y recibir es una parte natural de este proceso. El hecho de que Givers & Takers sea también el nombre de su bar favorito en Brooklyn subraya la importancia que Timo y sus compañeros de banda asignan a la reunión cotidiana. "Es emblemático para lo que significa para nosotros formar parte de una escena".

De ahí que las piezas de Timo para este álbum celebren los grandes y pequeños gestos de la vida cotidiana. La primera pieza, Pau, lleva el nombre de su primogénito y muestra la tierna interacción de la banda con la improvisación. En cambio, Happy Happy destila gran energía y "es mi intención escribir una melodía feliz", explica Timo, "yuxtapuesta con elementos destructivos para lograr un final épico". Brighton Blues hace referencia a Brighton Beach, en Brooklyn. 

Este blues moderno pone de manifiesto el enfoque de los artistas hacia las ideas frescas en conexión con su identidad informada por la tradición. Art is Live es una suite que toma prestado su nombre de una serie de conciertos creada por unos amigos para mantener viva la comunidad artística durante los cierres pandémicos. Tres movimientos expresan la experiencia en medio de un futuro incierto durante ese tiempo: I. Solidaridad, II. Soledad, y III. Agencia, siendo este último un guiño al movimiento Black Lives Matter y a la música como fuerza de cambio.

Con Givers & Takers, Timo Vollbrecht presenta su visión de una banda realmente original, que evita la categorización fácil y que mezcla sonidos acústicos y electrónicos envueltos en intrincadas formas de canción.



 

domingo, 2 de octubre de 2022

ARILD ANDERSEN GROUP - AFFIRMATION


En noviembre de 2021, el contrabajista Arild Andersen llevó su nuevo cuarteto integrado por el saxofonista Marius Neset, el pianista Helge Lien y el baterista Håkon Mjåset Johansen al Rainbow Studio de Oslo. Las pandémicas restricciones de viaje de Noruega excluyeron en esta ocasión la participación del boss; Manfred Eicher, por lo que los músicos se quedaron solos, aparentemente para documentar algunas de las piezas de Arild. 

El segundo día de grabación, Andersen propuso una improvisación colectiva: "Sin nada planeado, grabamos una primera parte de unos 23 minutos, y una segunda parte de unos 14 minutos". Estos arcos musicales extendidos se convirtieron en el nuevo enfoque del álbum. "Affirmation Part I" y "Affirmation Part II" se presentan, sin editar, en su totalidad. El álbum se completa con la composición de Andersen "Short Story".

"Aunque el cuarteto ha dado bastantes conciertos, y hemos tocado mucho juntos, nunca habíamos hecho un set completo de sólo improvisación. La idea de escuchar antes de tocar está muy presente aquí, al igual que la forma en que cada uno aporta ideas en las que la interacción es el centro. Llamé al álbum Affirmation, donde tienes que confiar en ti mismo y confiar igualmente en los demás".

La música de libre improvisación, por supuesto, forma parte desde hace tiempo del método de trabajo de Andersen, desde las colaboraciones con Jan Garbarek y Edward Vesala en el proyecto Triptykon, o la enérgica interacción en el trío de Sam Rivers a principios de los años 70. Ahora, su nuevo grupo también acepta el reto a su manera, encontrando y moldeando sutilmente las formas en el momento. Para comodidad del oyente, los puntos de índice indican dónde la música toma una nueva dirección. Pero la mejor manera de escuchar Affirmation es seguirla desde el principio.

El contrabajo de Andersen pone en marcha las ideas desde el primer momento de "Affirmation Part I", ideas que pronto se ven embellecidas por el ondulante piano de Lien y las suaves salpicaduras de color de los platillos de Mjåset Johansen. Cuando Neset entra, inicialmente para meditar sobre un motivo iterativo, Andersen lo envuelve en un abrazo casi orquestal, primero con bajos de arco y luego brevemente con sus sonidos generados por pedales, mezclando timbres acústicos y electrónicos. La música sigue desarrollándose. 

El cuarteto tiene muchas opciones a su disposición. Los músicos saben cómo utilizar el espacio, cómo contenerse y mantener la tensión, pero cada uno de ellos tiene también una fuerte sensibilidad rítmica. 

Los cuatro conducen el conjunto, de hecho, e igualmente los cuatro son solistas; juntos, alcanzan algunos picos poderosos. "Affirmation Part II" parte de la batería de Mjåset Johansen, y pronto se convierte en una animada conversación a tres bandas con Andersen y Lien antes de la entrada de Neset, que intensifica la sensación de energía, que se mantiene hasta la sección final de la música improvisada, que se desenvuelve en una atmósfera elegíaca. La "Short Story" de Andersen, una pieza fuertemente melódica, concluye el álbum. Desde mi humide lugar digo que es uno de los músicos más carismáticos del jazz de los últimos tiempos.Y a no dudarlo.








domingo, 25 de septiembre de 2022

PAT METHENY EN ARGENTINA


El guitarrista estadounidense Pat Metheny, considerado uno de los más eximios exponentes de su instrumento de todos los tiempos y ganador de veinte Premios Grammy, regresa después de más de veinte años a nuestro país para presentarse el sábado 8 y el domingo 9 de octubre en el Teatro Gran Rex en dos conciertos que sin dudas harán historia.

Estos shows son los que el músico se vio obligado a reprogramar a causa de la pandemia y que iban a tener lugar el viernes 13 y el sábado 14 de marzo de 2020. Las entradas ya adquiridas serán válidas para cada fecha correspondiente, sin necesidad de revalidación alguna.

Metheny, quien acaba de lanzar su nuevo disco “Side-Eye NYC” y fue invitado recientemente a formar parte del Downbeat Hall of Fame (siendo el miembro más joven y compartiendo rango con guitarristas de la talla de Wes Montgomery y Django Reinhardt), estará acompañado por tres sesionistas de altísimo nivel: el baterista Antonio Sanchez, la bajista Linda May Han Oh y el pianista Gwilym Sincock, con quienes se encuentra compartiendo la gira “An evening with Pat Metheny”, en la que realizan un inolvidable recorrido por toda la obra del gran guitarrista.

Dice Pat Metheny sobre el baterista Antonio Sanchez, con quien viene compartiendo escenarios hace veinte años: “Antonio es siempre increíble. Es uno de los más grandes bateristas de todos los tiempos y el hecho de que hayamos podido compartir tanta música juntos a través de estos años es algo realmente especial para ambos. Y estoy además muy orgulloso de su reciente éxito por la musicalización en el film “Birdman”. Sanchez fue nominado al Golden Globe y al Grammy, entre otro montón de premios alrededor del mundo, por su trabajo en la música de la película de Alejandro González Iñárritu. Pat Metheny continúa diciendo: “Tocar junto a Antonio es algo distinto a todo lo que experimenté en mi vida con otros músicos.

"Él tiene la capacidad de escuchar y de estar adentro de la música con una intensidad que es única. Esa concentración, en combinación con sus habilidades de otro mundo, lo coloca en su propia categoría”.

La contrabajista australiano-malaya Linda May Han Oh ha estado muy activa en la escena neoyorquina de los últimos años, tocando con varios de los mejores músicos de allí. Metheny dice: “Me encanta conocer a los nuevos músicos de la ciudad y salgo seguido a chequear qué están haciendo."

La primera vez que escuché a Linda, la puse arriba de mi lista de candidatos. Ella tiene todo lo que busco: gran tempo, grandes notas y un montón de imaginación. Pero la cosa más importante que yo siempre busco en cualquier músico es una cualidad elusiva y difícil de definir que encierra una cierta habilidad comunicativa para conectar no sólo con los otros músicos sino con la audiencia también. Linda la posee. Es tan fácil tocar con ella.- 

Una vez me dijo que, siendo joven, había quedado muy impresionada por mi disco “Question and Answer” y algunos otros, lo que fue muy gratificante para mí. Estoy muy feliz de tener la oportunidad de tocar con Linda”.

Completando el ensamble figura el pianista británico Gwilym Simcock, uno de los mejores nuevos pianistas surgidos últimamente del Reino Unido. Metheny: “Escuché por primera vez a Gwilym cuando alguien me dio su disco debut en una estación de radio en Londres, contándome cuánto lo habían iluminado mis primeros discos, lo cual fue muy halagador para mí.

Apenas escuché su cd, me convertí en su fan; Gwilym es simplemente uno de los mejores pianistas que he escuchado en mucho, mucho tiempo. Después de varios años tratando de coincidir, en 2014 pudimos encontrarnos después de un show. La idea era tocar juntos un par de horas, pero estuvimos tocando sin parar toda la tarde. Fue absolutamente increíble conectar tan rápidamente.

Pocas veces he tenido esa clase de comunicación y facilidad de tocar con otro músico así, a ese nivel. Estoy tan feliz de poder tocar con Gwilym porque siento que hay un enorme potencial para desarrollar una forma especial de tocar juntos.”


Pat se presentará el sábado 8 y el domingo 9 de octubre en el Teatro Gran Rex, Av. Corrientes 857, CABA.

Entradas en boletería y Ticketek
Grupo Soporte : Manú Sija








domingo, 18 de septiembre de 2022

ENRICO RAVA + FRED HERSCH - THE SONG IS YOU

 

The Song Is You documenta el inspirado encuentro de dos maestros de la improvisación. El trompetista y fliscornista italiano Enrico Rava y el pianista estadounidense Fred Hersch comparten su amor por la historia de la música y juntos exploran estándares como "The Song Is You" de Jerome Kern, "Mysterioso" y "'Round Midnight" de Thelonious Monk, "Retrato em Branco e Preto" de Jobim y "I'm Getting Sentimental Over You" de George Bassman. También tocan sus propios temas, "Child's Song" de Fred y "The Trial" de Enrico, y crean música libremente juntos. Es una actuación sutil y de gran alcance: cuando el jazz alcanza este nivel de entendimiento e interacción, una actuación se convierte menos en el material -por muy distinguido que sea- que en lo que el intérprete le aporta. Rava y Hersch aportan una amplia experiencia y un sentido muy afinado de la improvisación de jazz como arte de contar historias.

Enrico Rava ha grabado para ECM desde los años 70, empezando por The Pilgrim And The Stars, considerado ahora como un clásico del jazz moderno. The Song Is You es el primero de Fred Hersch para el sello, tras los álbumes como líder con Nonesuch, Palmetto, Sunnyside y otros. A lo largo de su dilatada carrera como intérprete, Hersch ha vuelto muy a menudo a la instrumentación en dúo. En sus memorias Good Things Happen Slowly reflexiona sobre su preferencia por este formato: "El dúo se adaptaba a mi capacidad de utilizar todo el teclado para hacer varias cosas a la vez. También me permitía orquestar la música en lugar de limitarme a tocar acordes en bloque con la mano izquierda. (...) Me he dejado llevar por mi afición al contrapunto espontáneo, es decir, dos o más líneas melódicas independientes que se desarrollan simultáneamente. Puedo pasar de un volumen alto a un pianissimo al instante. Es una colaboración y también una intimidad. Hay que ser compatible pero también lo suficientemente diferente para que cada músico ofrezca algo único". (La discografía de Enrico también incluye algunos dúos notables, como The Third Man con Stefano Bollani).

La grabación de The Song Is You en noviembre de 2021 se produjo tras un puñado de fechas en Italia a principios de ese año. Pero desde la primera de ellas era evidente que estaba ocurriendo algo especial. Fred Hersch: "Una de las cosas que me gustó mucho desde el principio fue que Enrico no siente que tenga que estar haciendo un solo. No está tan claramente definido. Hacemos cosas juntos", dijo Fred al entrevistador Nicola Ferrauto. "Me deja entrar y empujarle un poco. Otras veces le doy mucho espacio. Los mejores dúos son aquellos en los que no hay que hablar demasiado. Sólo hay que jugar. Y tengo la sensación de que esta va a ser una asociación larga. Es realmente muy simpático, y Enrico es un gran maestro".

Nacido en Trieste en 1939 y criado en Turín, Enrico Rava se acercó pronto al jazz, inspirado por Miles Davis y Chet Baker, entre otros. Activo en el entorno internacional del free jazz de los años 60, contribuyó a grabaciones históricamente importantes como The Forest and the Zoo de Steve Lacy, Escalator Over The Hill de Carla Bley y European Echoes de Manfred Schoof. Sin embargo, desde el principio estaba claro que el concepto de libertad musical de Rava siempre abarcaría el lirismo como uno de sus componentes clave y esto ha sido una constante en todas sus aventuras artísticas. Reconocido como el representante más importante del jazz italiano, Enrico Rava ha recibido numerosos premios, entre ellos el Jazzpar, el mayor premio europeo para músicos de jazz. En 2011 Rava publicó el libro Incontri con musicisti straordinari, con reflexiones sobre cincuenta años de creación musical.

Los recientes lanzamientos de ECM con Enrico Rava han incluido dos álbumes en directo: Roma, una colaboración con Joe Lovano, y Editione Speziale; en ambos álbumes también aparece el pianista Giovanni Guidi, uno de los muchos músicos más jóvenes que consideran a Enrico un mentor.

Fred Hersch nació en Cincinatti en 1955 y estudió en el Conservatorio de Nueva Inglaterra con profesores como Jaki Byard y Joe Maneri. En 1977 se trasladó a Nueva York, donde pronto encontró trabajo con Art Farmer, Joe Henderson, Stan Getz y otros. Su primera grabación como líder, Horizons de 1984, presentó su trío con Marc Johnson y Joey Baron, y estableció a Hersch como una voz independiente y original en el piano. Su afinidad por los dúos le ha llevado a colaborar con Anat Cohen, Bill Frisell, Julian Lage, Chris Potter, Avishai Cohen y Miguel Zenon. Su actuación como solista es ampliamente reconocida: en 2006 se convirtió en el primer artista en tocar una semana como pianista solista en el Village Vanguard de Nueva York.

Hersch también ha sido aclamado por sus composiciones, entre las que se incluyen Leaves of Grass (Hojas de hierba), sus composiciones de 2003 de la poesía de Walt Whitman, el proyecto multimedia My Coma Dreams (Mis sueños de coma) de 2010 y sus Variations on a Folksong (Variaciones sobre una canción popular), que fue estrenada por Igor Levit en el Carnegie Hall en enero de 2022. Las memorias de Fred Hersch Good Things Happen Slowly fueron elegidas Libro del Año por la Asociación de Periodistas de Jazz, uno de los muchos premios que ha recibido el pianista. 

The Song Is You fue grabado en el Auditorio Stelio Molo RSI en noviembre de 2021, y producido por Manfred Eicher.



domingo, 11 de septiembre de 2022

THE BAD PLUS - THE BAD PLUS


"La evolución es necesaria para la vida y la creatividad. Hemos evolucionado, pero seguimos siendo The Bad Plus", dicen Dave King y Reid Anderson, baterista y bajista fundador, de la innovadora banda conocida entonces y ahora como The Bad Plus".

Veintiún años después de su histórico debut como trío de piano, bajo y batería, el siempre aventurero grupo se ha reinventado como un quinteto dinámico. Reinventado como un cuarteto con la incorporación del guitarrista Ben Monder y el saxofonista Chris Speed. Esta nueva iteración de "The Bad Plus" hace de su vital debut homónimo editado por Edition Records como siempre, desafiando las convenciones al empujar su inimitable enfoque del jazz en nuevas direcciones que rompen los límites. 

Aunque los componentes hayan cambiado, lo que permanece es el lenguaje musical único del grupo  y su innegable impulso e intención. Reid Anderson dice: "Si después de más de 20 años podes sacar un disco que tiene la energía de un álbum de debut, para mí eso es decir algo. 

Es lo que tiene reinventarse .Creemos que estamos haciendo la misma declaración que hicimos con el piano hace veintiún años", dice King, "sólo que con una instrumentación completamente diferente" y Reid Anderson continúa: "Para mí, la música de este disco se siente tan fresca como cualquier cosa que hayamos hecho". 

Por supuesto, que The Bad Plus han estado en esta encrucijada antes, cambiando su alineación original en 2017 con el pianista Orrin Evans ocupando el asiento por el miembro fundador Ethan Iverson. Dos aclamados álbumes - incluyendo el inspirado debut de 2019 " Activate". Siguió Infinity, pero en 2021 se tomó la decisión de reinventar el conjunto una vez más.

"Nos alejamos a propósito de conseguir otro pianista", dice King. "En su lugar, tomamos este otro camino. Encontramos un nuevo sonido y una gama más gama expansiva".

Este es un álbum definitorio para The Bad Plus en muchos sentidos; en su trayectoria de 21 años, en el sonido y en el cambio de personal. Pero el hilo conductor sigue siendo el mismo. Pero el hilo conductor se mantiene. Reid continúa: "Dave y yo crecimos tocando en bandas y amando las bandas. Queríamos formar un grupo y hacer todos los sacrificios necesarios para estar en él. Estamos aquí para hacer la mejor música que podamos colectivamente y no al servicio del ego personal de nadie.

Pero para hablar de lo que es The Bad Plus, su núcleo, su escritura, la canción y la perspectiva de lo que una canción puede ser como una declaración personal. Eso es por lo que luchamos; una identidad personal y el respeto por la imaginación y la canción.

En lugar de limitarse a buscar un nuevo pianista, Anderson y King dieron un duro giro a la izquierda y reclutaron a un par de músicos notablemente dotados como Ben Monder, un guitarrista visionario conocido por su trabajo como líder y como acompañante de David Bowie (Black Star), Theo Bleckmann Guillermo Klein, sólo algunos  y el saxofonista Chris Speed, un galardonado líder/co-líder de innumerables conjuntos modernos y compañero de correrías musicales. 

"No se trata de jóvenes que nos hayamos encontrado en una escuela de música", dice King. A pesar de los extraordinarios antecedentes de los nuevos miembros, el proceso de desarrollo de este nuevo 'Bad Plus' requirió mucho trabajo y perseverancia. Una serie de intensos ensayos comenzó en el verano de 2021. 

El cuarteto estudió a fondo composiciones nuevas y antiguas de Reid y Dave y emergió con un sonido de grupo singular. El resultado es un enfoque energéticamente emocionante que conserva toda la aventura de la banda, mientras que al mismo tiempo los pone en un nuevo camino de exploración musical de género agonista. Trabajando con el ingeniero Brett Bullion, la banda ha maximizado las posibilidades sónicas y dinámicas de la nueva formación.

Mostrando virtuosismo y musicalidad de Speed y Monder mantienen su su marca registrada de invención implacable y excelencia. Desde la explosividad vanguardista y vertiginosa ("Sun Wall") hasta la majestuosa psicodelia ("In The Bright Future") a la meditación soñadora ("The Dandy"), el nuevo LP arde con la misma actitud punk que ha definido a TBP desde hace más de dos décadas.

La invención y la evolución siempre han sido la clave de la ética creativa de The Bad Plus. Un grupo de jazz que nunca ha sido una banda de jazz, y ha impulsado el género hacia un nuevo plano que podría no haberse descubierto sin ellos. Habiendo recontextualizado su propia química, TBP no sólo afirma la continua relevancia y longevidad de la banda, sino que brilla en sus propios términos como un debut extraordinariamente poderoso de una fuerza creativa totalmente nueva.

"Nos sentimos como si hubiéramos hecho un truco de magia", dice Dave King, "cambiando la formación de un trío a un cuarteto con guitarra y saxofón que sigue sonando coherente como The Bad Plus. Tener dos compositores principales era nuestra mejor carta de presentación. Nuestro lenguaje se mantiene, y esa es la magia.

Reid Anderson - Bass

Dave King - Drums

Ben Monder - Guitar

Chris Speed - Tenor Saxophone + Clarinet




domingo, 4 de septiembre de 2022

DAVID CHEVALLIER - CURIOSITY


David Chevallier es uno de esos músicos a los que les gusta cambiar de dirección, que no dudan en abandonar su zona de confort para explorar nuevos horizontes. Compañero de viaje durante mucho tiempo de jazzistas como Laurent Dehors o Patrice Caratini, ha fundado su propia compañía musical, "SonArt", que explora las posibilidades de encuentro entre universos musicales distantes, y se interesa especialmente por los puntos de encuentro entre la música barroca y el jazz contemporáneo. 

Así, lógicamente, adoptó la tiorba y la guitarra barroca, que utilizó tanto para tocar canciones de Björk con instrumentos antiguos como para para tocar el continuo en conjuntos barrocos. Sin embargo, David Chevallier no abandonó el jazz y la improvisación, ni la guitarra eléctrica, como se puede como se puede ver en sus "Standards & Avatars" y "Back to Brubeck", o en su dúo Zèbres con Valentin Ceccaldi.

Prolífico compositor y experimentado improvisador, cultiva su propio estilo y traza un camino particular. Cuenta que cuando tenía 12 años, en 1981, un guitarrista me prestó la caja "Guitar Music from ECM", lo que me permitió conocer la música de Ralph Towner, John Abercrombie, Pat Metheny, Egberto Gismonti, Terje Rypdal, Bill Connors y Mick Goodrick.

Ese box set cambió mi vida, ya que moldeó mis gustos musicales durante mucho tiempo y mi guitarra, que en ese entonces estaba en ciernes.Unos años más tarde, François Jeanneau, director de la ONJ 1986, encargó una pieza a mi padre. Lo acompañé a su estreno y conocí al solista invitado: el trompetista "Kenny Wheeler,"  un nombre muy importante de la casa germana.

Fue un nuevo choque, y una nueva referencia, que nunca he negado desde entonces. Mucho más tarde, tuve la suerte de tocar en varios proyectos con el maravilloso pianista John Taylor, que era un gran amigo de Kenny, y tuve la clara sensación de moverme en un territorio territorio familiar, casi como si estuviera volviendo a casa. 

Desde entonces, he vivido muchas aventuras musicales, a menudo mezclando el jazz con otras músicas, como el barroco, el pop, la música contemporánea e incluso con la electrónica.

Con curiosidad, he querido redescubrir la sensación que tuve al lado de John, el regreso a nuestras raíces a la que cada uno de nosotros puede aspirar en algún momento de su vida. Elegí hacer este viaje junto a mis fieles amigos Sebastien Boisseau y Christophe Lavergne, con quienes quienes he formado un trío activo desde 2013.

También quise cambiar el sonido del grupo añadiendo un instrumento de viento y elegí al trompetista belga Laurent Blondiau porque tenía la síntesis exacta de lo que buscaba, combinando lirismo y gran libertad en la práctica de la improvisación. 

David Chevallier: Guitars
Laurent Blondiau: Trumpet
Sébastien Boisseau : Double Bass
Christophe Laverg: Drums