BOBO STENSON TRIO - SPHERES

La actual encarnación del trío de Bobo Stenson, con Anders Jormin al contrabajo y el percusionista Jon Fält, lleva en activo casi dos décadas, a lo largo de las cuales han grabado cuatro álbumes, incluido este nuevo. El primero, Cantando (2008), demostró la fluida capacidad de Bobo para abarcar una amplia gama de influencias e idiomas, integrando a la perfección la nueva configuración en su sonido personal desde el principio. El disco llevó a The Guardian a decir: "Pocos grupos de jazz contemporáneo mantienen una atmósfera tan evocadora como el trío del pianista sueco Stenson, o conjuran tantos estados de ánimo a través de una variedad de material que va desde Ornette Coleman a Alban Berg". Los elogios continuaron con follow-upIndicum (2012), The New York Times señaló que Bobo "es justamente anunciado por sus sutilezas de toque y estado de ánimo", y luego de nuevo con Contra La Indecisión en 2018, que BBC Music Magazine calificó de "hermosa sesión", demostrando "que todavía hay mucho por explorar y revelar dentro de este formato." Más revelaciones y pruebas del distinguido arte del trío están siempre presentes en "Sphere".

"No tenemos una forma de tocar 'prefabricada'", explica Bobo, "las cosas se cristalizan en el momento y nos adaptamos a ello. Y esa es la quintaesencia. Esa es la alegría de tocar juntos, no hacer nunca lo mismo dos veces y estar decididos a ello". De esa alegría confiada y esa apertura a la espontaneidad del momento nace un brebaje especialmente emotivo en "Sphere", en el que el pianista, el bajista y el batería conjuran una atmósfera conmovedora y pensativa a través de una interacción de voz suave con acentos suaves y a la vez ágiles. En el enfoque de la improvisación del trío subyace un elevado sentido de la experiencia y el dominio. Anders coincide con Bobo cuando dice: "Como artista improvisador, tienes que aprender una y otra vez que nunca puedes estar completamente seguro de algo. Tienes que abrazar esa incertidumbre, y tener confianza en ese abrazo".

Al igual que los tres álbumes anteriores, "Sphere" se grabó en el Auditorio Stelio Molo de Lugano, y la peculiar acústica de la sala juega a favor del sonido del trío, intensificando la naturaleza de búsqueda de su comunicación. Al entrar en el estudio con "más canciones de lo habitual", como señala Jon Fält, el trío redujo el material a una investigación concentrada en originales y música inspirada en composiciones de los compositores escandinavos Alfred Janson, Per NørgårdSven-Erik Bäck y Jean Sibelius. Anders: "Una vez que entramos en el estudio tenemos más material del que creemos que acabará en el disco, porque estamos improvisando, así que nunca se sabe. También es una colaboración con Manfred Eicher, que es, por supuesto, un artista muy creativo, así que la forma en que tocamos también se desarrolla junto con Manfred".

El resultado de la prolífica colaboración entre el trío y el productor está marcado por movimientos serenos, un toque ligero y una acción rápida, con parte del repertorio esculpido a partir de composiciones de los siglos XX y XXI, transfiguradas y moldeadas en coloridas exploraciones de ritmo, compás y timbre. You shall plant a tree" del compositor danés Per Nørgård, originalmente escrita por el poeta Piet Hein, tiene cadencias de himno y aparece dos veces, cerrando el círculo del álbum. El trío también rediseña dos piezas del compositor sueco Sven-Erik Bäck, aportando una cualidad ambiental de descubrimiento acústico a "Spring" y convirtiendo "Communion psalm" en una plataforma para un atento juego de rubato, en el que cada intérprete es consciente del espacio que hay entre ellos.

Entre los originales del disco se encuentran "Unquestioned Answer", un conmovedor homenaje al compositor modernista Charles Yves, y "The red flower", que ofrece una rara ventana a la suave aproximación del grupo al swing. A su vez, "Kingdom of Coldness" da lugar a algunas de las líneas más fluidas de Bobo, enmarcadas en una abundante interacción. En cuanto a "Ky and beautiful madame Ky", una pieza que toma prestada del fallecido compositor noruego Alfred Janson, Bobo comenta que "normalmente la tocamos de forma diferente a como la grabamos. Manfred tenía muchas ideas sobre lo que podíamos hacer con la canción y la remodeló con nosotros. Aportó algo muy nuevo a la mezcla. Pero eso es lo que él hace. Saca a relucir las mejores cualidades de los músicos. Siente lo que son capaces de hacer en ese momento, y luego lo capta". Por último, "Valsette op. 40/1" de Jean Sibelius es un ejercicio de deconstrucción, en el que el tema no se revela hasta los últimos compases, todavía disfrazado.

 

JORMIN + WILLEMARK + NAKAGAWA + FÄLT - PASADO EN CLARO QUARTET

Tras la primera grabación de Mette Henriette, aclamada por la crítica y autotitulado, llega Drifting, un álbum impregnado de conversaciones a tres bandas de expresión idiosincrásica y original. Dice Mette: "Drifting captura vívidamente un momento en el tiempo. Puedo oír todo lo que sigue creciendo -en movimiento- en el disco y lo presente que está mi imaginación. Antes de la grabación, tuve mucho tiempo para sentarme y centrarme en esta nueva música. Desde el principio, quise crear un material que pudiera crecer, expandirse y contraerse en diferentes formatos."

Con el regreso de Johan Lindvall al piano, la nueva incorporación Judith Hamann al violonchelo y ella misma al saxofón, las elaboraciones musicales de cámara de Mette demuestran una calidad concentrada y exploratoria, marcada por una interacción sutil pero intensa. Motivos y patrones recurrentes cristalizan y revelan una narrativa concisa e intrincada. El saxofonista-compositor explica que "este álbum está en movimiento. Está en camino hacia alguna parte y tiene su propio ritmo: su agencia creativa es fundamentalmente diferente de lo que he hecho anteriormente". 

La diferencia no sólo se manifiesta en el cambio de instrumentación, sino también en el tejido y el diseño compositivo de esta colección de canciones. A la vez programa organizado con una convincente narrativa instrumental y terreno de juego para el impulso y la improvisación, Drifting conecta con los procesos más profundos de la conciencia musical de Mette. Mette explica los mecanismos que subyacen a sus invenciones musicales y aborda la dicción de su lenguaje: "Para mí, una herramienta muy importante en el proceso de composición es dejar que las ideas maduren hasta el punto de que empiecen a vivir su propia vida. Entonces las cosas salen espontáneamente a la superficie en diferentes piezas y empiezan a interconectarse. Me gusta jugar con las preposiciones en la música. Arrojar luz sobre cosas distintas desde perspectivas diferentes, jugar con el primer plano y el fondo, reposicionar elementos y dar la vuelta a los arreglos. Para mí, así es como cobran vida diferentes oportunidades de improvisación". 

Algunas de esas interconexiones pueden rastrearse entre "Across the Floor" y "Chassé", en los correspondientes pulsos vacilantes y temas melódicos afines. O entre "I villvind" y "Rue du Renard", basadas en sus arpegios de piano y sus ondas dinámicas igualmente urgentes. En otros lugares, el trío presenta su rica paleta de timbres dentro de estructuras de gran alcance, no repetitivas, como en la canción que da título al disco, "Oversoar" o "Indrifting You", en las que abundan las tensiones tonales en constante cambio, los desafiantes flageolets del violonchelo de Hamann, los divergentes marcos acordales del piano y las distintivas y amplias exploraciones del saxofón de Mette.

Grabado en el recientemente trasladado Museo Munch de Oslo, el álbum se completó en los Estudios La Buissonne en estrecha colaboración con Manfred Eicher, que produjo el álbum y, como subraya Mette, cuya "intuitiva y completa comprensión" de su música influyó significativamente en la forma y el sonido de Drifting.

METTE HENRIETTE: TENOR SAXOPHONE, COMPOSITION 

JOHAN LINDVALL: PIANO 

JUDITH HAMANN: VIOLONCELLO

 

INGRID LAUBROCK'S - THE LAST QUIET PLACE

Cuando la saxofonista y compositora Ingrid Laubrock tituló su nuevo y fascinante álbum The Last Quiet Place (El último lugar tranquilo), lo hizo plenamente consciente de que tal vez no exista tal lugar. Laubrock compuso la música del álbum tras leer los libros de Kolbert La sexta extinción y Bajo un cielo blanco, que sostienen que vivimos en medio de una sexta extinción masiva global y que la humanidad no puede evitar alterar el mundo que nos rodea. Esas ideas resonaron en Laubrock en un momento en que buscaba cierta evasión del tumultuoso mundo moderno.

"Kolbert explica que ya hay muy pocas cosas puras en la naturaleza", dice Laubrock. "No hay nada que esté intacto o que realmente funcione como se supone que debe funcionar. Estaba pensando en esos lugares que ya no son prístinos y me di cuenta de que el único lugar tranquilo que puedes buscar está dentro de ti mismo, e incluso encontrar eso parece imposible la mayor parte del tiempo."

The Last Quiet Place, que saldrá a la venta el 31 de marzo de 2023 a través de Pyroclastic Records, reúne a un sexteto estelar que contiene en su interior el potencial de un conjunto de jazz, una banda de avant-rock y un cuarteto de cuerda mutante, combinaciones variadas que Laubrock emplea en sus cautivadoras composiciones. Junto a Laubrock (saxos tenor y soprano) están el violinista Mazz Swift, la violonchelista Tomeka Reid, el guitarrista Brandon Seabrook, el bajista Michael Formanek y el batería Tom Rainey.

Para que no se malinterprete el título, el deseo de Laubrock de encontrar un "lugar tranquilo" no tiene nada que ver con la búsqueda del silencio o la creación de música para la meditación. Las seis piezas de The Last Quiet Place son tan desafiantes, intrigantes y atrevidas como todo lo que ha escrito en el pasado, un catálogo que abarca desde la feroz improvisación libre hasta las densas e intimidantes composiciones para grandes conjuntos. De hecho, la tensión erizada y la angulosidad punzante que pueblan el álbum captan mejor la caótica realidad que la serenidad imaginada.

"Tengo la sensación de que estamos en una situación turbulenta todo el tiempo", afirma Laubrock. "Todos somos adictos al ciclo de noticias y estamos constantemente en línea, recibiendo señales en el cerebro de que debemos estar alerta y preocupados en todo momento, cuando en realidad es mejor no estarlo. Siempre busco mantener una sensación de claridad y concentración".

Aunque admite que la búsqueda de un lugar tranquilo en el mundo exterior resulta inevitablemente ilusoria, se las arregla para encontrar sus propios espacios de refugio a un nivel más micro. Concibió gran parte de la música de A Last Quiet Place en momentos de evasión y contemplación -largas caminatas o paseos en bicicleta- y la compuso en gran parte en una mesa al aire libre de un restaurante local.

El ímpetu de este nuevo conjunto surgió de trabajar con Seabrook en el cuarteto Content Provider del batería Andrew Drury, dice Laubrock. "Sentí que Brandon y yo compartíamos una estética de desbaratar y fragmentar ideas y conectar varios hilos musicales en nuestras improvisaciones. Cuando toco con él, siempre tengo la sensación de que casi nos convertimos en un instrumento que se divide en dos, lo cual es realmente inusual y un aspecto que quería dejar que se filtrara en mi enfoque compositivo."

El contrbajista Formanek, a quien Laubrock admiraba desde hacía tiempo, se había trasladado recientemente a Nueva York, por lo que era el momento ideal para incorporarlo a la banda, y Rainey ha sido durante mucho tiempo uno de los colaboradores más cercanos del saxofonista. En un principio, el grupo giraba como cuarteto, pero las recientes experiencias de Laubrock componiendo para cuerdas avivaron el deseo de ampliar las posibilidades del nuevo conjunto. Swift y Reid son compañeros de banda de la bajista Silvia Bolognesi en el trío Hear In Now, y son músicos versados por igual en la compleja música escrita y en la improvisación aventurera.

"Me gusta tener posibilidades extremas de alternar entre varias combinaciones y explorar una gama de texturas diferentes", explica Laubrock. Esas posibilidades están claras desde el principio, ya que "Anticipation" rota entre diferentes combinaciones de dúo y trío, cambiando constantemente de estado de ánimo y paleta. La pieza es la primera de una suite vagamente basada en la misma fila de tonos, junto con el brillante y propulsivo tema titular y el agitado "Delusions". La estridente y explosiva "Grammy Season" se titula casi como un desafío irónico a la Academia, ya que las mitades en conflicto de la banda cambian al modo cuarteto de cuerda en los momentos finales.

"Afterglow" alterna la elegante escritura de las cuerdas con improvisaciones enérgicas. "Chant II" forma parte de una serie de piezas modulares inspiradas en patrones del habla, grabadas previamente por Laubrock y Rainey en su salida a dúo de 2018 Utter.

Si la humanidad transforma inevitablemente el mundo que nos rodea, tal vez la noción de "tranquilidad" sea el ideal equivocado por el que luchar. Por muy destructivos que seamos como especie, también somos capaces de una creatividad increíble: El último lugar tranquilo es un ejemplo sorprendente, y una brillante escapada del ruido del mundo exterior.

Ingrid Laubrock es una saxofonista y compositora experimental, interesada en explorar las fronteras entre ámbitos musicales y crear mundos sonoros de múltiples capas, densos y a menudo evocadores. Laubrock, prolífica compositora, fue calificada de "auténtica visionaria" por el pianista y director artístico del Kennedy Center Jason Moran, y de "saxofonista y visionaria plenamente comprometida" por el New Yorker. Laubrock ha trabajado con artistas como Anthony Braxton, Muhal Richard Abrams, Dave Douglas, Kenny Wheeler, Jason Moran, Tim Berne, William Parker, Tom Rainey, Mary Halvorson, Kris Davis, Tyshawn Sorey, Craig Taborn, Andy Milne, Luc Ex y muchos otros. Ha sido galardonada con el Premio Herb Alpert Ragdale 2019 en Composición Musical y con la Beca 2021 Berklee Institute of Gender Justice Women Composers Collection, y forma parte del profesorado a tiempo parcial de The New School y la Universidad de Columbia.

DISCOS PIROCLÁSTICOS

La pianista y compositora Kris Davis fundó Pyroclastic Records en 2016. Al apoyar a los artistas en la difusión de su trabajo, Pyroclastic empodera a los artistas emergentes y establecidos para continuar desafiando el etiquetado de género convencional dentro de sus campos. Pyroclastic también busca galvanizar y hacer crecer una comunidad creativa, proporcionando oportunidades, apoyando la diversidad y ampliando la audiencia del arte no comercial. Sus álbumes suelen incluir ilustraciones de destacados artistas visuales: Julian Charriére, Dike Blair, Mimi Chakarova, Jim Campbell y Raymond Pettibon, entre los ejemplos más recientes.

Los proyectos de 2023 Pyroclastic incluyen álbumes de Ingrid Laubrock, Mark Dresser, Sylvie Courvoisier y Cory Smythe, Brandon Seabrook, Kris Davis y Angélica Sánchez.

RECESO

 Nos reencontramos pronto en el programa y en el blog

DAVE LIEBMAN - LIVE AT SMALLS

Un emocionante coctel de free jazz, de 75 minutos encuentra al ilimitado saxofonista soprano en compañía de cuatro maestros de la música moderna: el trompetista Peter Evans, el pianista Leo Genovese, el contrabajista John Hébert y el baterísta Tyshawn Sorey. Como parte de la serie "Smalls LIVE Living Masters Series", este set grabado en el famoso club nocturno del West Village muestra el atrevido virtuosismo de una de las mentes más vanguardistas de la música contemporánea, capturado ante un atento público en vivo.

Con la publicación de Live at Smalls, el NEA Jazz Master inicia una nueva etapa centrada en la improvisación libre. Desde que se grabó este álbum en directo en enero de 2022, Liebman ha hecho un esfuerzo concertado por tocar en un entorno de jazz libre, sin las reglas y los resguardos que suele ofrecer la interpretación de melodías y música compuesta. "Llevo grabando desde que tenía 16 años", reflexiona Liebman. "He tocado de todo y, en particular, gran parte del lenguaje del jazz en más de 500 discos. Me gustaría dedicar esta próxima etapa de mi vida artística a tocar free".

Todo cierra el círculo. Liebman ha tocado libre con regularidad a lo largo de su prolífica carrera, aunque algunos periodos se han centrado más en ello que otros. El ejemplo más flagrante sería durante la escena del loft, ese periodo dorado de finales de los 60 que desde entonces ha adquirido un cierto brillo mítico en la actualidad. Entre 1968 y 1969, Liebman tuvo un famoso loft en el centro de la ciudad, en el que también vivían Dave Holland y Chick Corea. Fue durante este periodo formativo cuando tocaban exclusivamente gratis. "Si tocábamos dos canciones a la vez era increíble", dice Liebman entre risas, y añade que con frecuencia tocaban durante cuatro o cinco horas seguidas sin pausa, y nunca llamaban a melodías, claves o tempos. "La épica grabación de John Coltrane, "Ascension", fue un modelo para nosotros y todavía hoy tiene el peso de la música de John".

Live at Smalls recupera ese espíritu. Cuando se confirmo el concierto, Liebman llamó a cuatro músicos con los que había tocado en diferentes ocasiones y en contextos variados, pero nunca juntos como conjunto. La perspectiva de trabajar con un nuevo grupo de músicos era emocionante y sirvió de catalizador para explorar nuevas ideas en el escenario. "Sabía que podían hacerlo. A la mayoría de los músicos les encanta tocar así, aunque les cueste empezar", dice. "Lo asombroso es que, de alguna manera, cuando los buenos músicos tocan así, saben exactamente cuándo parar y cuándo seguir. Ellos pusieron manos a la obra y  tocaron esta música magníficamente". 

El trompetista Peter Evans es ampliamente conocido en los círculos de la música experimental y creativa por su singular enfoque de la interpretación y la improvisación moderna. Maestro de su instrumento, es un complemento perfecto para Liebman, ya que ambos forman la dinámica primera línea. El pianista Leo Genovese, cuyos eclécticos  créditos discográficos abarcan desde Wayne Shorter a Mars Volta, aporta su toque distintivo al éxito, que Liebman describe como "muy empático con quienquiera que esté tocando". Completan la sección rítmica el respetado contrabajista John Hébert, al que se puede escuchar en el anterior disco de Liebman, "Trust and Honesty" y lleva (Newvelle), y el potente batería Tyshawn Sorey. "Cuando estás improvisando sin un boceto, consigues escuchar a alguien tocar de una forma más profunda que si tuviera la música adelante, comentó Liebman. "Tyshawn maneja todo esto con un estilo muy constructivo y compositivo".

Live es ciertamente poco ortodoxo para ser un lanzamiento comercial. No hay melodías propiamente dichas y la división en tres partes es arbitraria. Se trata de un conjunto que durante 75 minutos, donde el oyente disfrutara mejor directamente la escucha como una experiencia visceral. Aunque este tipo de música suele considerarse exigente o para una minoría para el oyente ocasional, Liebman reafirma que no tiene por qué serlo. "No hay reglas, lo que también significa que la experiencia del oyente puede ser extremadamente liberadora". El trabajo resultante es una exploración sónica expansiva, que consolida la posición de Liebman como una de las voces más creativas de la música moderna. 

Dave Liebman - Saxophones

Peter Evans - Trumpet

Leo Genovese - Piano

John Hébert - Bass

Tyshawn Sorey - Drums

Dave Liebman: Live at Smalls saldrá a la venta en formato digital y CD el 3 de febrero de 2023 a través de Cellar Music Group. 

JOE LOCKE - MAKRAM

El gran vibrafonista Joe Locke, ya tiene en la gatera su próximo álbum que saldrá  el 17 de febrero de 2023. Con una selección de nuevas composiciones y el regreso de su célebre cuarteto (el pianista Jim Ridl, el contrabajista Lorin Cohen y el baterista Samvel Sarkisyan). "Makram" es la última incorporación a la extensa discografía de Locke, un álbum que incorpora influencias del soul, el swing y la world-music, sintetizadas en el inimitable estilo de Locke.

Joe  siempre ha sido conocido por su inmensa versatilidad estilística y su capacidad para conectar. Su variado enfoque se ha perfeccionado gracias a sus actuaciones a lo largo de los años con músicos tan notables como Grover Washington Jr, Raul Midón, Kenny Barron, Eddie Henderson, Cecil Taylor, y un alargado etcétera.

Después de décadas como uno de los vibrafonistas más impactantes del jazz, con innumerables premios, álbumes aclamados por la crítica y una notable diversidad de asociaciones musicales en su haber, sigue ampliando su ámbito artístico. Su nuevo disco, "Makram", brilla con el espíritu, el ingenio, la musicalidad y la curiosidad de un artista que abraza con alegría el parentesco como base para hacer música en sus propios términos. El cuarteto de Locke con Ridl, Cohen y Sarkisyan es una fraternidad musical única, un grupo perfectamente adaptado a la calidad de las composiciones que hacen que esta grabación sea tan especial.

"El álbum, que lleva el nombre del talentoso contrabajista libanés Makram Aboul Hosn, se abre con un arreglo de "Love for Sale", de Cole Porter, una base boyante, tensa y oscilante para los nítidos solos de Locke, Ridl y Sarkisyan. Soulful and melancholic, "Raise Heaven" es un homenaje lírico al difunto Roy Hargrove, que refleja la reverencia con la que el trompetista abordaba las baladas, al tiempo que hace un guiño a su amor por el R&B, como demuestra su trabajo con RH Factor. La canción está animada por los delicados arreglos de metales del trombonista y coproductor del álbum, Doug Beavers.

Pivotando hacia un blues menor con una adictiva melodía de Oriente Medio en compás de 5/4, la canción que da título al álbum, "Makram", se desliza con gracia al tiempo que mantiene una enérgica energía rockera. Sarkisyan guía la canción con maestría a través de los solos de Ridl y Locke, acentuados maravillosamente por Samir Nasr Eddine al oud y Bahaa Daou al riq, una versión marroquí más pequeña de la pandereta. Delicada, sombría y representativa de la creciente vulnerabilidad política de nuestra nación, "Elegy for Us All" habla de la profunda tristeza de Locke por las crecientes influencias oscuras que ve amenazando la democracia en Estados Unidos. 

La arrolladora melodía de Locke describe bien el dolor que se siente al observar los continuos intentos de hacer retroceder décadas de logros conseguidos desde la época de los derechos civiles en el país.

Dentro de la galaxia del jazz contemporáneo, los discos suelen ir acompañados de expectativas de que los artistas presenten su música de forma que los oyentes puedan apreciarla o entenderla fácilmente. La órbita de Makram gira en torno a una sensibilidad ligeramente diferente, en la que un magnífico collage de música habla de la meticulosa preparación, el arte de talla mundial y la química personal que Joe Locke está desarrollando en este momento de su carrera. 

Desafiante, compleja, familiar pero con un toque contemporáneo e internacional, esta grabación incorpora un cuarteto dinámico, arreglos sin esfuerzo aderezados con la mezcla justa de instrumentación, compases curiosos, sentimientos honorables y parentesco. Para resumir;  música que ejemplifica la íntima conexión de Joe Locke con su banda, su público y, lo que es más importante, consigo mismo.

LASZLO GARDONY - CLOSE CONNECTION

Tras dos audaces grabaciones en solitario en las que reimaginó standars de jazz y exploró la espontánea composición (Serious Play de 2017, La Marseillaise de 2019), el pianista y compositor de origen húngaro Laszlo Gardony se reúne aquí con su tándem rítmico favorito formado por el contrabajista John Lockwood y el baterista Yoron Israel.

"Close Connection", es su undécimo álbum para Sunnyside Records. En este trío altamente interactivo, el pianista de Boston reaviva su química con Lockwood e Israel desde sus anteriores encuentros; en : "Ever Before Ever After" (2003), "Natural Instinct" (2006), "Dig Deep" (2008), "Signature Time" (2011) y Life in Real Time, de 2015.Dice el protagonista: "Fue absolutamente cómoda la sesión para "Close Connection".

"Llevamos tocando juntos más de 20 años, y después de todo ese tiempo es fácil comunicar estas ideas en mi cabeza para la banda. La música siempre trata de algo que sientes e imaginas, no de algo que la comunicación verbal pueda  expresar".

En Close Connection, Gardony aborda sus propias raíces, en concreto los elementos de la música folk de Europa Central (una cualidad que comparte con Bennett). Europa Central (cualidad que comparte con Béla Bartók, cuyo gran aprecio por las melodías folclóricas de Hungría, Rumanía, Bulgaria y Eslovaquia influyó en su obra).

Esta cualidad se aprecia en el primer tema del álbum,"Irrepressible", que rebosa disonancias y escalas centroeuropeas distintivas, y también en el melancólico final, "Irrepressible"; y también en el melancólico final, "Cold Earth", una pieza improvisada colectivamente basada en escalas de música folclórica húngara.

"La mayor parte de esa influencia me llegó a través de la música de Bartók", explica Gardony. "Me rodeó durante toda mi infancia". Otro aspecto que sale a relucir en este proyecto arraigado es el temprano encaprichamiento de Gardony con la música prog-rock mientras crecía en Budapest. Pero en lugar de recurrir a sintetizadores e instrumentos eléctricos, intentó capturar la energía de aquella época. Intentó capturar la energía de esa música de los 70 en un entorno puramente acústico. 

Lo llama New Prog Jazz ya que; "Es es jazz acústico original con la mentalidad valiente, los ritmos contundentes y el estilo progresivo de los grupos de prog-rock que me gustaban de joven,  como King Crimson, Emerson, Lake & Palmer, Deep Purple, Soft Machine y grupos de prog-rock más oscuros como Atomic Rooster y Can. Ese tipo de energía me inspiró me inspiró en una etapa temprana de mi vida, así que busco recrear esa energía en las armonías y melodías que escribo.

Gardony y su equipo gestáltico también exhiben una notable calidad de toma y daca en el vals de jazz polirrítmico de ligero balanceo,  "Sweet Thoughts", la vigorizante "Cedar Tree Dance", subrayada por un groove con sabor a Nueva Orleans y la africana "Savanna Sunrise", en la que Israel mantiene una rítmica de trance en kalimba, mientras yuxtapone un pulso de 6/8 en la guitarra mientras yuxtapone un pulso de 6/8 en la batería, con Lockwood y el líder repite un tema sencillo y pegadizo con la melódica.

"Básicamente, son cuatro capas diferentes de ritmo", explica el compositor. "Y de alguna manera todo ello crea la unidad, casi como una reunión". Seis improvisaciones colectivas del trío -incluida la conmovedora exploración del rubato "All That Remains", la espaciosa y taciturna "Walking in Silence", el himno de influencia sudafricana "Everybody Needs a home", la trepidante "Night Run" (salpicada de breves citas de himnos del bebop y el jazz como "Salt Peanuts", de Dizzy Gillespie," "I Remember April" y "Rhythm-a-Ning" de Thelonious Monk) y la ya mencionada "Cold Earth".

Grabada en el estudio WGBH de Boston, la última grabación de Gardony abarca una amplia gama de sus influencias. Como él mismo dice: "Tanto los elementos bartókianos como estos elementos prog-rock más progresivos viven en mí en esta perfecta armonía junto con todo el gran jazz moderno acústico y vanguardista que me encanta".

CLOSE CONNECTION (Sunnyside) 2022 

Laszlo Gardony (piano) John Lockwood (bass) Yoron Israel (drums)