domingo, 21 de noviembre de 2021

LA LLAMA QUE ENCIENDE LA LLAMA

 


La combinación de la inquieta energía pianística de Taylor y su espíritu artístico verdaderamente virtuoso cimentaron rápidamente su estatus indiscutible de verdadero pionero del movimiento del free jazz. Sin embargo, una sucesión de célebres lanzamientos de Blue Note significó que, a principios de la década de 1970, Taylor estaba entrando en un período de seguridad financiera sin precedentes. En 1973, Taylor, de 44 años, se había autoimpuesto un exilio discográfico durante cinco años, optando en su lugar por dedicarse al mundo académico. En ese tiempo, Taylor trabajó como profesor visitante en el Antioch College y en la Universidad de Wisconsin-Madison, además de dedicar tiempo a la composición.

A excepción de "Indent", un disco para piano solo grabado en Antioch a principios del 73, se trataba de un paréntesis total en la grabación -sorprendente quizás, dado el respeto que habían suscitado los recientes lanzamientos de Unit Structures y Conquistador-, por lo que la idea de un nuevo disco en directo grabado en Nueva York era una perspectiva tentadora. 

Y así fue. A principios de 1973, Fred Seibert, un estudiante de Columbia que trabajaba en la emisora de radio WKCR, de mentalidad aventurera, había sido contactado por una misteriosa figura de David Laura, que tenía una propuesta para el aspirante a productor discográfico Seibert. Iba a llevar a la Unidad Cecil Taylor al The Town Hall, y quería que Seibert la grabara.

"Estábamos conmemorando lo que se anunciaba como un regreso triunfal", dice Seibert en su nota de productor. El concierto de Unit fue un éxito masivo: reunió a Taylor con sus socios de siempre, Jimmy Lyons y Andrew Cyrille, junto con el recién llegado Norris Jones, más conocido como "Sirone" al contrabajo. Seibert grabó todo el concierto y, tras mezclarlo con la ayuda del legendario ingeniero Tony May, dio a conocer la grabación del segundo set de la banda, Spring of Two Blue-J's salió al mundo en 1974.

Desde el punto de vista de la crítica, Spring of Two Blue-J's fue un éxito. El crítico del Village Voice Gary Giddins nombró el álbum "Disco del año", y años más tarde comentó que "anunciaba el restablecimiento permanente de Taylor en el mundo de la música, el fin de su marginación y la evidencia de una madurez". Fue el disco del año para Giddins. Pero Blue J-s sólo representa un tercio del concierto que tuvo lugar esa noche. Debido a las limitaciones del formato LP, y al impacto que tendría en la realización de la visión del grupo, se tomó la decisión de no publicar el primer set continuo de 88 minutos.


Autumn/Parade" tiene muchos de los rasgos distintivos de las composiciones y actuaciones de Taylor de la época: espontaneidad sobrecargada, resistencia improvisadora, transgresión de los límites en su descarado compromiso de seguir adelante y un intercambio sin trabas de la expresión artística de cuatro socios iguales. Es una experiencia musical cruda y visceral para cualquiera que la escuche hoy, lo que habla de la frescura implacable del enfoque de Taylor.

Los aspectos más destacados de la nueva grabación son: El rebote del piano de Taylor a la hora de la apertura, que allana el camino para que algo imitativo vuele por un segundo; el revoloteo solista de Lyons, oscilaciones que abarcan todo el instrumento, y la media hora final de 'Autumn/Parade', dominada por el piano, que alcanza la cima de un pico musical colosal, antes de llegar a una conclusión muy reñida. Pero lo que surge en el transcurso de toda la grabación del concierto de regreso es una prueba más de que Taylor está rompiendo las últimas barreras de las convenciones del jazz en busca de la libertad artística. La nueva grabación completa es un completo y detallado ensayo de uno de los grandes en pleno vuelo.

The Complete, Legendary, Live Return Concert de Cecil Taylor estará disponible como lanzamiento digital el 11 de febrero de 2021 a través de Oblivion Records. Acompañando al lanzamiento digital hay un libreto de 23 páginas con un ensayo de Alan Goodman. Este lanzamiento marca un renacimiento para el sello Oblivion - el último lanzamiento anunciado del sello fue en 1975. A pesar de los años, la intensidad sigue presente.- 

Label: Oblivion Records (OD-8) 

Tracklisting: 

Autumn/Parade (88:00) (quartet)
Spring of Two Blue-J’s Part 1 (16:15) (solo)
Spring of Two Blue-J’s Part 2 (21:58) (quartet) 

Featuring: 
Cecil Taylor - compositions, piano 
Jimmy Lyons - alto saxophone
Andrew Cyrille - percussion 
Sirone - bass - 







domingo, 14 de noviembre de 2021

AYUMI TANAKA TRIO - RELEASES SUBAQUEOUS

Subaqueous Silence, el debut como líder de la pianista japonesa Ayumi Tanaka para ECM - tras dos trabajos aclamados por la crítica con Thomas Strønen- esta nueva aventura sonora es una declaración sorprendentemente original, que transmite una atmósfera musical propia, con sus intensidades y silencios, su sentido del misterio y la tensión dramática. Ningún otro trío de piano contemporáneo suena así.

Tanaka conoció al contrabajista Christian Meaas Svendsen y al baterista Per Oddvar Johansen poco después de llegar a Oslo, hace una década, y desde entonces han desarrollado juntos su lenguaje musical, explorando las implicaciones de las composiciones de Ayumi, que se inspiran en fuentes orientales y occidentales, en los sonidos de la naturaleza y en otras cosas. 

El profundo interés por el trabajo de los improvisadores noruegos llevó a Tanaka a Escandinavia. "La primera vez que escuché jazz noruego sentí que la expresión de los músicos era muy personal", recuerda, "la calidad de los tonos hacía que el aire se sintiera vivo. Así que vine a Noruega para entender cómo evolucionaba esta música única". 

Nacida en Wakayama (Japón), Ayumi comenzó sus estudios musicales a los tres años, tocando inicialmente el órgano electrónico. Recuerda haber improvisado, casi desde el principio, en paralelo a sus estudios. "Tocaba de todo, desde música de películas hasta obras de Bartók y Ravel. A solas, me encontraba improvisando, a veces sobre historias que imaginaba, a veces para liberar mis emociones. O simplemente tocaba con el sonido de un pájaro, el viento, el agua...". 

En la Academia Noruega de Música, Tanaka estudió jazz con Misha Alperin, Anders Jormin y Helge Lien, entre otros. Pronto hizo importantes contribuciones al mundo de la improvisación de Noruega: tocando en un conjunto de tres pianos con Christian Wallumrød y Johan Lindvall, asumiendo el papel de pianista en Time Is A Blind Guide de Kit Downes, y cofundando un trío de improvisación de forma abierta con Thomas Strønen y Marthe Lea.

Junto a toda esta actividad, ha habido una creciente conciencia de sus propias raíces culturales; hay un rigor ascético en su forma de tocar, así como un sentido del espacio que sugiere afinidades con la tradición musical japonesa. "Me siento en la antigua música clásica japonesa", reconoce, "aunque estoy muy influenciada por los músicos noruegos. Mi difunto maestro Misha Alperin siempre me decía 'Encuentra tu propia voz', que es algo que sigo buscando".

Las piezas descarnadas y poéticas que escribe para el trío marcan una dirección musical para la libre interpretación creativa. "Pretendo que el grupo sea más bien un conjunto de cámara. Compartimos un flujo de energía, incluso en los silencios, como se refleja en el título del álbum". El silencio es a menudo una fuerza dinamizadora en la música, que ayuda a determinar la forma del contenido y abre nuevas vías de enfoque.

Per Oddvar Johansen, desde hace mucho tiempo uno de los bateristas más ingeniosos y versátiles de Noruega, es una presencia familiar para los seguidores de la música del sello germano través de sus contribuciones en los álbumes de; Trgyve Seim, The Source, Christian Wallumrød y Mette Henriette. Es un maestro a la hora de tocar en contextos muy abiertos, poniendo en movimiento los pulsos con un platillo suavemente salpicado o con delicadas escobillas en una caja, generando música poderosa a partir de gestos discretos.

Christian Meaas Svendsen, que debuta en el sello, utiliza tanto la contención zen como la exploración textural ferozmente física en sus improvisaciones, atento a las necesidades cambiantes del momento. Su intenso y expresivo arco-bajo en "Black Rain" es uno de los aspectos más destacados del trabajo.

Subaqueous Silence es el segundo álbum del trío (el primero, Memento, se publicó en 2016) y se grabó en el Nasjonal Jazzscene Victoria de Oslo en junio de 2019.

Ayumi Tanaka: Piano
Christian Meaas Svendsen: Double Bass
Per Oddvar Johansen: Drums.

lunes, 8 de noviembre de 2021

ANTOINE VIARD - TUMULUS

"Tumulus" es un solo de saxofón amplificado. Se trata también de una arquitectura subterránea, construida para lo invisible, la memoria y el devenir. Esta idea se desarrolla en la música de "tumulus". 

El viejo sonido del saxofón es tratado, triturado y estrujado para convertirse en un instrumento eléctrico cuyas sonoridades nos remiten a un universo inexplorado. 

"Tumulus" maneja una madeja de sonidos crudos, con evoluciones lentas que parecen ser materia física, como un arte plástico sonoro.

El corpus de esta música no excluye la abstracción y cierta ruptura de formas poco ortodoxas vinculadas al noise. Lester Bowie acuñó una frase muy clara y premonitoria  que esclarece este tipo de vanguardia, que es la continuadora de las formas anteriores. "La mejor forma de preservar la tradición está en la innovación".

TUMULUS

lunes, 1 de noviembre de 2021

ENRICO RAVA - EDIZIONE SPECIALE


Enrico Rava, figura clave del jazz europeo desde hace mucho tiempo, ha sido el mentor de sucesivas generaciones de músicos italianos. Su especial Edizione, grabado en directo en el Festival de Middelheim en Amberes, reúne a un equipo de jóvenes improvisadores que tocan su música con fuego, acompañando su fuente de ideas melódicas, al tiempo que aprovechan el espacio libre que abren las extensas formas musicales.

Ocupa un lugar destacado entre los trompetistas/compositores contemporáneos de las últimas cinco décadas. Ha sido alabado por su increíble facilidad para incorporar la tradición del jazz y las libertades de la vanguardia en su música tan personal. Este nuevo trabajo para ECM, grabado en directo hace dos años en el Jazz Middelheim de Amberes con un sexteto italiano de músicos de gran talento, muestra su extraordinaria versatilidad a través de una música que avanza con personalidad y estilo.

El repertorio del grupo incluye material de las primeras grabaciones del trompetista y flautista Enrico Rava Quartet (1978) y Wild Dance (2015), además de una interpretación de "Once Upon a Summertime" - la versión inglesa de "La valse des lilas" de Michel Legrand-, así como la universalmente conocida canción cubana "Quizas, Quizas, Quizas".

Esta nueva inmersión del trompetista comulga en el entusiasmo por la exploración desde un enérgico tratamiento estético del material con madurez y fuerza interior.

Enrico Rava: trompeta y flugelhorn

Francesco Bearzatti: saxofón tenor

Francesco Diodati: guitarra

Giovanni Guidi: piano

Gabriele Evangelista: contrabajo

Enrico Morello: batería


domingo, 24 de octubre de 2021

MARCIN WASILEWSKI TRIO - EN ATTENDANT



"Los años que llevan juntos han dado como resultado una unión con un flujo creativo totalmente simbiótico", observó Don Heckman en Los Angeles Times, cuando el Marcin Wasilewski Trio empezó a hacerse notar en la escena internacional del jazz. La comunicación improvisada entre los músicos ha seguido aumentando con los años, junto con su abanico de opciones creativas. "En attendant" da testimonio de la amplia imaginación de los músicos y de la forma en que el lúcido lenguaje musical del grupo puede integrar influencias de fuentes dispares. 

Grabado justo antes de su colaboración "Arctic Riff" con Joe Lovano, "En attendant" muestra a Marcin Wasilewski, Slawomir Kurkiewicz y Michal Miskiewicz en un estado de ánimo reflexivo y exploratorio. El polifacético grupo polaco ilumina una amplia gama de música, desde Bach hasta la improvisación en grupo. Las piezas creadas colectivamente se yuxtaponen con la maleable "Glimmer of Hope" de Wasilewski, la intemporal "Vashkar" de Carla Bley, la hipnótica "Riders on the Storm" de The Doors y una selección de las Variaciones Goldberg de Johann Sebastian Bach, transformada en el contexto. La fluidez es el sello distintivo, aliado a la escucha profunda hecha posible por más de un cuarto de siglo de creación musical en colaboración.

El tripartito "In Motion" ofrece el relato más completo hasta ahora de la capacidad del trío para encontrar formas en el momento, buscando el perfil y desarrollando estructuras musicales con un sentido corriente de la proporción arquitectónica. "In Motion Part I" da paso a la Variación 25 de las Variaciones Goldberg, un recordatorio de que todos los caminos conducen a Bach, finalmente. El trío aborda el área en clave menor, sondeando suavemente su atmósfera de oscura pasión y rodeando su exquisita melodía. 

La grabación de Footloose! de Paul Bley de 1963 fue la primera vez que muchos músicos conocieron a Carla Bley como compositora. Como señaló recientemente Marcin Wasilewski, "abrió las puertas a algo no descubierto", incluyendo los inagotables misterios de melodías como "Vashkar", que se ha convertido en una de las piezas que al trío le gusta revisitar, encontrando siempre algo nuevo en su interior.

Las versiones pop y rock también forman parte de la historia del trío desde hace tiempo. En grabaciones anteriores, el grupo ha recontextualizado "Hyperballad" de Björk, "Diamonds and Pearls" de Prince, "Message in a Bottle" de The Police, etc. El icónico "Riders on the Storm" de The Doors se une ahora a la lista, en un arreglo sutilmente poco convencional. Aunque la sensación rítmica aquí se ciñe a un ritmo burbujeante cercano al original, el contrabajista Slawomir Kurkewicz está en primer plano durante gran parte de la melodía, haciendo un sólo dentro de la forma, mientras Wasilewski explota las armonías. 

La balada de Marcin "Glimmer of Hope" se mueve como las olas, haciendo flotar su brillante motivo a través de tonalidades cambiantes sobre los detallados platillos y la batería de Michal Miskiewicz.

Marcin Wasilewski -  Piano 

Slawomir Kurkiewicz - Double Bass 

Michal Miskiewicz   Drums



domingo, 17 de octubre de 2021

LENNIE TRISTANO PERSONAL RECORDINGS 1946 - 1970


Dot Time Records y Mosaic Records, en colaboración por primera vez, se complacen en anunciar el lanzamiento de Lennie Tristano Personal Recordings 1946 - 1970. Este conjunto de 6 CDs, que saldrá a la venta el 15 de noviembre, es la crónica de más de veinte años de impresionante producción creativa de la lumbrera del jazz Lennie Tristano y ofrece a los oyentes el retrato más completo del genio musical de Tristano.

Diseñado y masterizado por el aclamado saxofonista tenor y amigo de Tristano desde hace mucho tiempo, Lenny Popkin, Lennie Tristano Personal Recordings 1946 - 1970 presenta un audio exquisito del innovador musical actuando en solitario y junto a varios conjuntos notables a lo largo de su carrera, incluyendo sesiones de trío junto al guitarrista Billy Bauer y el contrabajista Arnold Fishkin; grabaciones en directo del sexteto de Tristano junto al saxofonista alto Lee Konitz, el saxofonista tenor Warne Marsh, el guitarrista Billy Bauer, los contrabajistas Arnold Fishkin y Joe Shulman, y el baterista Jeff Morton; incluyendo sesiones de trío de mediados de los 50 con el contrabajista Peter Ind y los bateristas Al Levitt y Tom Wayburn; dúos y tríos con el contrabajista Sonny Dallas y el baterista Nick Stabulas; una innovadora sesión de free jazz de 1948 con Lee Konitz, Warne Marsh y Billy Bauer y una grabación de 1962 con Lee Konitz, Sonny Dallas, Nick Stabulas y el saxofonista tenor Zoot Sims.

"Desde las primeras grabaciones del CD 1, grabadas en directo en 1946, se escucha una energía poderosa y exuberante. Y es inquebrantable. Implacable. Es la fuerza del sentimiento del jazz que Lennie sentía y expresaba tan profundamente", indica Popkin. "Es la misma energía, la misma poderosa energía, que expresaba Louis Armstrong, sólo que ahora la expresa Lennie Tristano a su manera. Así es como evolucionó el jazz. Las notas cambiaron. Las armonías cambiaron. La forma de expresar el ritmo cambió, pero la calidad del sentimiento del Jazz siguió siendo una constante energía unificadora".

El lanzamiento de este box set de 6 CDs marca una colaboración trascendental entre Mosaic Records y Dot Time Records: es la primera vez en sus casi 40 años de historia que Mosaic se asocia con otro sello en la creación de una de sus emblemáticas cajas de edición limitada. Esta mina de oro de más de setenta grabaciones privadas del gran pianista ha visto la luz gracias al firme compromiso del productor ejecutivo Michael Cuscuna y los coproductores Jerry Roche, Carol Tristano y Lenny Popkin, que no cejan en su empeño de honrar el legado de Tristano. 

El disco 1 presenta a Tristano junto a Billy Bauer y Arnold Fishkin. Estas grabaciones de trío en vivo de 1946/1947 se grabaron en Long Island, Nueva York, y capturan la sinergia pura, la agudeza de la improvisación y el juego de este conjunto tan unido. Enseguida se nota el increíble tacto de Tristano. "Tal y como se expresa en su forma de tocar, tanto como solista como tocando con otros, cada nota que toca tiene una personalidad. Cada nota está impregnada de sentimiento. En las grabaciones que se presentan en este set, se puede escuchar que, independientemente del tempo, de la tonalidad, de si está tocando negras, corcheas o semicorcheas, no importa la velocidad, cada nota es distinta. Cada nota tiene carácter", reflexiona Popkin. 

El disco 2 contiene maravillosas grabaciones de Tristano como pianista solista, grabadas tanto en el estudio Rudy Van Gelder como en el propio estudio de Lennie en East 32nd Street. Las 15 pistas de este disco demuestran el mundo interior de la armonía de Tristano. Uno no puede dejar de asombrarse de la facilidad técnica de Tristano, pero lo que es verdaderamente asombroso es el patetismo y el alma que se siente en cada pista.

El disco 3 contiene grabaciones en directo del sexteto de Tristano junto a Lee Konitz, Warne Marsh, Billy Bauer, los bajistas Arnold Fishkin y Joe Shulman, y el batería Jeff Morton. Se trata de la primera actuación grabada de un grupo de músicos de jazz interpretando free jazz ante un público en un club. La hija de Lennie Tristano y coproductora de este álbum, Carol Tristano, indica que "encarna ese vínculo entre el free playing y el swing jazz". El free playing de estos cuatro músicos juntos no tiene, a día de hoy, casi ningún paralelo. No es aleatorio, ni es una composición instantánea. Está arraigada en el sentimiento del jazz y se crea de forma totalmente espontánea en el momento. El resultado no es un experimento. Cada pieza cuenta una historia y es una gran música de primer orden. Puede que te recuerde a lo que es escuchar una gran composición - pero no está compuesta - ¡esa es la magia!" 

El disco 4 presenta a Tristano tocando jazz directo con dos fantásticos tríos, ambos con Peter Ind al bajo, uno con el baterista Tom Wayburn y el otro con el baterista Al Levitt. "Los lados del trío con Peter Ind, Tom Weyburn y Al Levitt están entre mis favoritos. Lennie con una sección rítmica - asombrando con su destreza lírica, haciendo esa cosa que los grandes músicos pueden hacer - ¡comprometiendo tu oído en un estado de puro placer! No importa cuántas veces escuches un gran solo, te afectará igual, si no más, cada vez", compartió Carol.

El disco 5 contiene dúos y tríos con el bajista Sonny Dallas y el batería Nick Stabulas. Los temas a dúo captan la escucha atenta de dos amigos y músicos deseosos de crear música hermosa juntos, y los temas a trío demuestran la rara interacción de tres músicos que están conectados con cada estribillo melódico y exploración armónica del otro.

El disco 6 comienza con una innovadora sesión de free jazz de 1948 con Lee Konitz, Warne Marsh y Billy Bauer. La grabación es anterior a las históricas caras de Tristano en Capitol, Intuition y Digression, así como a las emblemáticas grabaciones de free jazz de finales de los 50 y principios de los 60 realizadas por otros artistas, que tan a menudo reciben los elogios por la temprana innovación de Tristano. 

Lennie Tristano Personal Recordings 1946 - 1970 sirve para honrar el verdadero legado de uno de los arquitectos del jazz. En resumen, para compartir la visión del co-productor Jerry Roche sobre esta compilación triunfal de la excelencia de Tristano nunca antes publicada, "creo que esta caja de Mosaic/Dot Time Records ayudará a que Tristano reciba finalmente su merecido de la crítica".

lunes, 11 de octubre de 2021

CLOVER - PARADIGME


Seguros y conversadores, el saxofonista Alban Darche, el contrabajista Sébastien Boisseau y el trombonista Jean-Louis Pommier nos guían en sus pensamientos y en su música serena y colorida. El jazz se entremezcla con la música de cámara, el impresionismo y la improvisación.

En "Paradigma", Clover redondea los tempos, y estira las melodías en atmósferas y texturas en constante evolución. El trío se pasea por los ambientes pastorales del viento y la tierra, iluminando los escenarios, ya sea con un sol pálido o con una luna inquietante. 

Y cuando el saxo tenor, el trombón y el contrabajo se juntan por fin, se liberan. En este inquieto diálogo en el que surgen continuamente sugerencias y preguntas, las armonías entrelazadas parecen multiplicarse, capturando el aliento de cada pulso.

 Clover persigue la misma vena musical rica que forjó su sonido único: sentida, poética y orgánica, y da un salto de gigante; más cerca del corazón y con los pies en la tierra.

Alban Darche - Saxs
Sébastien Boisseau - Trombone, Composition
Jean-Louis Pommier - Tenor Saxophones, Compositions
Double Bass, Composition

miércoles, 6 de octubre de 2021

BRIAN LYNCH SONGBOOK VOL. 1: BUS STOP SERENADE

 


Este es el primero de una serie de "Cancioneros" destinados a recuperar las muchas composiciones originales que Lynch ha grabado para otros sellos a lo largo de su distinguida carrera como artista.
 
Bus Stop Serenade se centra en la música compuesta originalmente entre mediados de la década de 1990 y mediados de la década de 2000, configurada aquí para la formación clásica de quinteto de Lynch en trompeta y fliscorno junto con su compañero, Jim Snidero en saxofón alto, el formidable creativo Orrin Evans al piano, el virtuoso incondicional Boris Kozlov en el contrabajo y Donald Edwards en la batería.

¿Qué provocó que Lynch volviera a grabar su antiguo material? Brian explica: “Estoy bastante apegado a todas las melodías que he escrito a lo largo de los años y, a menudo, he sentido que se beneficiarían de un poco de atención en forma de nuevas versiones a los oyentes contemporáneos que tal vez no estar familiarizado con mi trabajo anterior. 

Además, parece que me he vuelto bastante obstinado en los últimos años a la hora de invocar la autodeterminación artística para mí mismo en cada oportunidad, y tener los master de mi catálogo completo en mi poder se ha convertido en una obsesión. 

En consecuencia, me he embarcado en una búsqueda para volver a grabar para mi propio sello, Hollistic MusicWorks, cada canción original mía que se grabó en otros sellos entre los inicios de mi carrera discográfica en la década de 1980 hasta el último álbum que grabé fuera de HMW en 2010. 

Lanzaré una serie de álbumes del “Cancionero”, de los cuales Bus Stop Serenade es el primer volumen, actualizando este cuerpo de trabajo para una nueva generación de oyentes, así como para aquellos familiarizados con las versiones originales. Creo, que estos remakes se reflejarán favorablemente en los años que han pasado y soportarán el escrutinio más riguroso tanto en composiciones como en interpretaciones .

Las recompensas de volver a visitar el pasado de Lynch en este nuevo álbum son abundantes. 

Jim Snidero: Alto Saxophone + Orrin Evans: Piano + Boris Kozlov: Bass +  Donald Edwards On Drums

domingo, 26 de septiembre de 2021

MATT ULERY - LIVE AT THE GREEN MILL


Gran entrega del sello Woolgathering Records  del contrabajista y compositor Matt Ulery. Esta sesión captura una electrizante noche de música en vivo del conjunto "Delicate Charms" de Ulery, actuando en la legendaria institución de Chicago, The Green Mill. Tras el lanzamiento homónimo del conjunto en octubre de 2019, "Delicate" presenta seis composiciones totalmente nuevas de Ulery interpretadas por cinco músicos magistrales que, cuando se reúnen, crean un conjunto profundamente hábil sin precedentes en la interacción y la sensibilidad dinámica. 

La energía exultante que se escucha aquí refleja profundamente el período de tiempo en el que se grabó el álbum, y capta una noche de música en directo muy esperada, una noche de libertad y expresión creativa hambrienta tras un período desorientador de soledad impuesta por la crisis sanitaria mundial. 

Además, las restricciones de viaje de la época impusieron algunos cambios en el personal del conjunto: a Ulery se le unen aquí el pianista Paul Bedal, el baterista Quin Kirchner, el saxofonista alto Greg Ward y el trompetista James Davis. 

Ulery reflexiona: "Justo cuando Chicago empezaba a abrir sus puertas en abril/mayo de 2021, parecía que la única música en directo que había en el interior era la de algunos clubes de jazz. El Green Mill funcionaba con un aforo sólo para personas sentadas. Mientras desafiábamos la situación, todos estábamos hambrientos de tocar en vivo en una sala juntos, así que no nos sorprendió que el ambiente en la sala fuera tangible... No podíamos imaginar replicar la energía, en un estudio que se creó y se sintió ese fin de semana en el Mill".

El compositor explica: "Las melodías de este disco tienen formas largas y dinámicas que exigen un intenso compromiso de los músicos al tocar. Quería crear algo nuevo (para mí) que tuviera la compostura de la música de cámara y al mismo tiempo la agilidad a través de estas formas que sólo los potentes improvisadores pueden aportar al flujo... Estos músicos aplastaron absolutamente el nuevo material y pusieron toda la improvisación dinámica que siempre se teje a lo largo de esta música".

"Delicate Charms Live at the Green Mill" transporta a los oyentes al inmersivo mundo armónico de Ulery dentro de la conmovedora e insustituible atmósfera de una actuación en vivo.

Matt Ulery: Bass, Acoustic +  Zach Brock: Violin + Greg Ward: Saxophone; Rob Clearfield: Piano + Quin Kirchner: Drums.


domingo, 19 de septiembre de 2021

JANE IRA BLOOM + ALLISON MILLER


En marzo y abril de 2021 la saxofonista soprano Jane Ira Bloom y la baterista Allison Miller se reunieron cinco martes de marzo y abril de 2021 para grabar algunos dúos improvisados de saxo y batería para ver qué podía pasar. 

No se propusieron hacer un álbum: sólo querían tocar porque necesitaban improvisar como fuera. Tocaron con total abandono, actuando a distancia desde sus estudios caseros en Nueva York en la realidad del mundo de 2021. Tues Days es el resultado de esas grabaciones que ahora aparecen en el sello Outline de Bloom y están disponibles a través del sitio Bandcamp de Miller, mezclado y masterizado por el contrabajista Mark Helias con una fidelidad impresionante. 

Es un dúo musical, saturado de un caleidoscopio de colores. La música es una composición espontánea en su máxima expresión por parte de dos magistrales improvisadores: enérgica, táctil y viva. La percusión multicolor de Miller aumenta su batería en exquisito contrapunto con el tono característico de Bloom en el saxo soprano. 

La música es rítmica y profundamente lírica: la batería y el saxo bailan uno alrededor del otro hasta que cantan su canción. Las composiciones de Bloom y Miller se componen en vivo y en directo, y te llevan a un viaje salvaje a través de su universo musical. 

Desde el aventurero viaje de "The Wild Frontier" hasta la imprevisible "A & J's Test Kitchen", prepárate para Tues Days, una historia para tus oídos que te hará girar la cabeza con asombro.

Tocar con Allison en estas sesiones fue como un baile que me llevó completamente lejos. Nunca hablábamos de lo que teníamos que hacer, simplemente tocábamos y se sentía como puro movimiento. Había tanto que mover y se me ocurrió que tocar juntos de esta manera era como entrar en una danza que se elevaba del suelo al espacio.

Mientras improvisaba con Jane durante nuestras sesiones de los martes, experimenté una sensación absoluta de estar presente aquí y AHORA!!!... una sensación que no había sentido en mucho tiempo. Todas las preocupaciones pasadas y futuras se desvanecieron. Estas sesiones dieron lugar a nuevos descubrimientos. 

Responder al sentido de flujo musical, espacio y desarrollo motivacional de Jane dio a luz un mundo percusivo emocionante y, a veces, sentí que no estaba a cargo de mis propios miembros. Se movían caprichosa y gloriosamente por sí solos, recogiendo instrumentos de percusión que habían estado escondidos en los rincones de mi estudio durante años. Era como si el tono lírico de Jane guiara todos mis movimientos. 


Jane Ira Bloom -  Soprano Saxophone
Allison Miller -  Drums, Percussion

domingo, 12 de septiembre de 2021

NOSAX NOCLAR - RËD SISTERS


Bastien Weeger y Julien Stella han encontrado con este proyecto un alcance que no esperaban que fuera tan grande al principio. Cada pieza, cada repertorio es una oportunidad para explorar el arte del diálogo a dúo. Dos sopladores se arremolinan acompañándose mutuamente.

El grupo es capaz de llegar a la atención de cualquiera por sus conmovedoras historias. Bastien Weeger y Julien Stella, más humildes de lo que deberían, son ricos en una cultura musical sin fronteras.

Kahmsïn, su primer álbum, se inspiró en las tradiciones musicales celtas (Irlanda), bereberes o balcánicas para componer libremente, con material propio. Rëd Sisters, su segundo álbum, sigue reivindicando sus raíces globales, también en Armenia.

Esta última entrega, Rëd Sisters de NoSax NoClar, se grabó en mayo de 2021 en los estudios Peninsula de Sarzeau (Francia). Este segundo álbum reconforta las promesas escuchadas en Kahmsïn y abre nuevos caminos para este dúo visionario. Las dos piezas, con su insólita configuración, no tienen más remedio que reinventar su música, buscando nuevas posibilidades; tonos, armonías y ritmo. 

Buscando incesantemente nuevas formas de evolucionar, utilizan sólo fuentes acústicas, cambiando constantemente de papeles, instrumentos (saxofones alto y soprano, clarinete bajo y clarinete), texturas, partes, solos, todo entrelazado, creando atmósferas siempre cambiantes que resaltan cada tema personalmente. Sus piruetas ocupan el campo, sin red de seguridad, casi haciéndonos olvidar que sólo están ellos dos tocando.

Ganador en 2020 del proyecto Jazz Migration, dirigido por la red AJC que identifica a los jóvenes talentos de la escena del jazz actual, NoSax NoClar sigue siendo una de las revelaciones más importantes del jazz francés.

Bastien Weeger - saxos, clarinete, composiciones
Julien Stella - clarinetes, composiciones
feat. Thomas Gruselle : trombón 




domingo, 5 de septiembre de 2021

A LOVE SUPREME - LIVE IN SEATTLE


La importancia de A Love Supreme: Live In Seattle se ve acentuada por el hecho de que Coltrane rara vez interpretó su suite de cuatro partes después de haberla grabado originalmente en el estudio en 1964. 

Compuesta y creada como una declaración pública de sus creencias espirituales personales y su sentimiento universalista, se convirtió en un éxito de ventas y recibió un GRAMMY al año siguiente. Durante más de seis décadas, parecía que la única interpretación pública grabada de A Love Supreme tuvo lugar en un festival francés en Juan-Les-Pains en julio de 1965 y se publicó hace casi veinte años. 

Los rollos de cinta que contienen esta interpretación de octubre de 1965 se encontraban en la colección privada del saxofonista y educador de Seattle Joe Brazil, escuchados por unos pocos músicos y amigos afortunados, y en gran parte desconocidos hasta ahora.

A Love Supreme: Live In Seattle es una fascinante y rara interpretación de la suite completa, marcada por un enfoque más suelto y más improvisado, y un sentido primordial de participación comunitaria, como un servicio religioso dominical; la formación incluía a John Coltrane y Pharoah Sanders en los saxos, McCoy Tyner en el piano, Elvin Jones en la batería, y Jimmy Garrison y Donald (Rafael) Garrett en los bajos. Carlos Ward, entonces un joven saxofonista que acababa de empezar en la escena, también se sentó.

Como dice el historiador musical Ashley Kahn en las notas, A Love Supreme: Live In Seattle "ofrece la primera prueba del maestro de la expresión espiritual interpretando su obra emblemática en los estrechos confines de un club de jazz... el 2 de octubre de 1965, un sábado, en Seattle, los elementos necesarios estaban alineados: música, músicos, lugar, un espíritu de conexión, una cierta carga política. Coltrane decidió interpretarlo y, significativamente, el momento fue grabado".

Las extensas notas de Kahn cuentan la historia de A Love Supreme: Live In Seattle no sólo a través de las palabras de los propios músicos, sino también a través de una serie de testigos cuyas vidas cambiaron con la visita de Coltrane a Seattle en 1965 (su única visita a la ciudad como líder), entre ellos Brasil, Ward y el bajista David Friesen, quien afirma: "Siempre he perseguido el aspecto espiritual de la música y todavía lo hago. Recuerdo haberme sentado con Coltrane durante un descanso de esa semana y... lo que me conmovió fue la forma en que trataba a los demás. Mostró piedad y amabilidad con la gente por lo que pude ver a mi alrededor durante la semana que estuve allí". 

La música de A Love Supreme: Live In Seattle se grabó con una configuración de dos micrófonos en el escenario, conectados a una máquina Ampex de bobina a bobina, y las únicas copias de las cintas estaban bien cuidadas, dando lugar a una grabación notablemente clara y sin distorsiones. "Lo sorprendente es que las cintas de esta época suelen sufrir con el paso de los años daños por el calor o la humedad, o simplemente por estar apiladas en horizontal", escribe el ingeniero Kevin Reeves, que ha producido esta edición. "Sin embargo, estas cintas están en excelente estado... y el resultado está entre las mejores grabaciones amateur de John Coltrane en las que hemos tenido el placer de trabajar". 

La historia de la suite "A Love Supreme" es la historia de John Coltrane, su viaje musical y su camino espiritual. Se ha convertido en una de las grabaciones más célebres e influyentes del canon del jazz, venerada y estudiada por músicos más allá del ámbito del jazz. 

La revista Rolling Stone lo incluye sistemáticamente entre los mejores álbumes de todos los tiempos. "De sus muchas creaciones musicales, Coltrane consideraba A Love Supreme de una manera muy especial", señala Kahn en las notas de A Love Supreme: Live In Seattle. 

"Dijo que : A Love Supreme era una 'humilde ofrenda a la Divinidad'; ninguna otra composición o grabación fue ofrecida de forma similar, ni tampoco puso su firma en ninguna otra obra. A Love Supreme era tanto un testamento individual como una declaración pública: un sermón de creencia universalista". A Love Supreme: Live In Seattle amplía ahora la historia de un gran músico y de una pieza musical intemporal.


martes, 24 de agosto de 2021

BEN TIBERIO - RARE PEACE


Tiberio se ha convertido en una sorpresa en la escena del jazz de Nueva York, su centelleante forma de tocar se puede escuchar junto a grandes del jazz como: Ari Hoenig, Dayna Stephens, Gretchen Parlato, y Joel Ross, cuyo disco debut cuenta con Tiberio al bajo . 

Rare Peace presenta al público una faceta diferente de Tiberio, mostrándolo como un formidable director de banda, un compositor innovador y un multiinstrumentista. El fervoroso bajo, la guitarra y la voz de Tiberio están acompañados aquí por el saxofonista alto Nathan Reising, el pianista Lex Korten, el baterista Evan Hyde y el saxofonista tenor Morgan Guerin.

Ben Tiberio ha pasado sus 20 años prestando una voz crucial a las altas esferas de la vibrante escena musical improvisada de Nueva York y de todo el mundo. Rare Peace es un alegato sobre la existencia moderna que arroja luz sobre la vida y la educación de Tiberio. A lo largo de los temas del álbum, Tiberio presta especial atención a los pequeños momentos de gracia y serenidad en los que la humanidad brilla a través de la adversidad y el caos de la vida cotidiana. 

Tiberio señala que,"el caos es un tema que late en la vida cotidiana de la ciudad de Nueva York, multiplicado por nuestra creciente dependencia y conexión a través de la tecnología. Pero hay otro tipo de caos que se extiende por este capítulo moderno de la historia de Estados Unidos: la desconfianza, la desinformación y la degradación de nuestra capacidad para humanizar a otras personas de orígenes opuestos".

La desconfianza y el dolor se basan en heridas de varias generaciones que aún sangran y que se manifiestan en forma de racismo, sexismo y división política perpetuos, amplificados cuando se avivan las llamas del miedo. Hay canciones que pretenden captar mi comprensión de segunda mano del dolor profundo y compartido, y mi frustración por las tendencias sociales que lo alimentan. 

Pero lo que espero enfatizar mucho más es la conexión, la alegría, nuestro predominio en la más pequeña de las escalas; los lazos emocionales que yacen silenciosamente presentes entre cualquier dos almas en la Tierra. Esta fuerza unificadora, omnipresente y esencial en la música, nos proporciona un santuario y nos llena de esperanza".

Rare Peace presenta diez temas originales compuestos y arreglados por Tiberio. Estas piezas, decididamente modernas, se presentan aquí con una interacción magistral por parte de este conjunto de primera línea, y están llenas de la emoción y la compasión humana que alimentaron la creación del material. 

Este logrado trabajo, no sólo muestra el empuje de una auténtica autoridad en su instrumento, sino como un visionario que utiliza su pluma para crear una música honesta y evocadora que utiliza su voz para inspirar al público a detenerse y reconfortarse en los pequeños elementos de la vida que nos ofrecen consuelo y alegría.

 Rare Peace saldrá el 17 de Septiembre de 2021, disponible en todas las plataformas.



  


domingo, 15 de agosto de 2021

SEBASTIÁN DE URQUIZA - “UNITY VOL 1”

Con formato de octeto, más dos invitados, los elementos sobre los que trabaja Sebastian se  muestran como constituyentes; más que como entidades separadas. Esa  propulsión nos devela a un creador que tiene muy en claro su sentido de la forma. 

De la mano de una formación de nombres destacados, el joven líder ha sabido absorber sus años de estudio e influencias aprendidas y demarcar su propio territorio donde florece su propia voz. 

Las melodías se arropan en un cálido resplandor y a lo largo del camino la inspiración alcanza cotas tan claras, que los cortes cantados, no desentonan en absoluto, y subrayan el espíritu de búsqueda del líder. 

Escuchen en “Tu Nombre”, la seducción con que frasea, veladuras melancólicas entre intimidad solista y enérgica, sumando la propulsión del grupo. 

Sin temor a equivocarse, estamos frente a uno de esos discos donde lo importante es cómo los músicos ponen en movimiento y dan forma orgánica a los temas, a partir de materiales que Sebastian organiza y distribuye desde ese juego de la creación. 

La inspirada y refinada forma de tocar mantiene ese hechizo abrumador.  Es el tipo de sonido que te pide con cariño que consideres la belleza y elegancia que hay en tu entorno cotidiano. 

Oscar Latorre - Trompeta + Sam Barnett - Saxo Alto + Charley Rose - Saxo Tenor + Yossi Itskovich - Trombón + Iannis Obiols - Piano + Silvan Joray - Guitarra + Jordi Pallares - Batería + Sebastián De Urquiza - Contrabajo Y Voz.

Invitados: Clara Díaz - Voz + Ezequiel Brizuela - Flauta






domingo, 8 de agosto de 2021

SELFLESSNESS - THE MUSIC OF JOHN COLTRANE


"He estado "persiguiendo" a Trane durante más de 60 años. Puedo decir honestamente que él fue el gran responsable de lo que soy... y de lo que deseo ser" 

Dave Liebman

Dot Time Records se vanagloria del lanzamiento de "Selflessness", un nuevo tributo a John Coltrane del NEA Jazz Master y saxofonista nominado al Grammy Dave Liebman. A la venta el 3 de septiembre de 2021 - un día antes del 75º cumpleaños de Liebman- "Selflessness" presenta nueve clásicos de Coltrane recién arreglados y repensados por Liebman y su banda de trabajo con visión de futuro, Expansions. 

Junto a Liebman, que toca el saxo soprano exclusivamente en esta grabación, están el saxofonista alto Matt Vashlishan, el pianista Bobby Avey, el baterista Alex Ritz y el contrabajista Tony Marino. 

Dave Liebman siempre ha declarado que si tuviera que nombrar una influencia e inspiración principal, sería John Coltrane. La primera vez que vio a Coltrane en el Birdland, en febrero de 1962, tenía 15 años. Como cuenta en su autobiografía, "What It Is", esa fue la noche en que vio la luz, aunque no se dio cuenta durante años. "Una vez que ves la luz", explica, "nunca puedes apartarte de ella, aunque lo intentes. A partir de entonces, fui a ver a Coltrane siempre que pude".

"Selflessness" es el último del catálogo de tributos a Coltrane de Liebman, que incluye títulos como "Homage To John Coltrane", "Compassion" (con Joe Lovano), "Joy" (con la Dave Liebman Big Band), "John Coltrane's Meditations" y "Lieb Plays the Blues á la Trane". También ha participado en varios homenajes a Coltrane, como "Live Under the Sky", un famoso concierto en Tokio con Wayne Shorter en 1987. 

Es más que evidente, además, que Liebman tiene un estilo único y reconocible, una fuerte personalidad musical que no es en absoluto una imitación de la de Trane. Eso queda claro desde el primer tema "Mr. Day". Liebman es un NEA Jazz Master por una buena razón: su fluidez, claridad y originalidad en la soprano son alucinantes.

Coltrane grabó "Mr. Day" en septiembre de 1960 para Roulette Records y de nuevo para Atlantic Records en octubre de 1960. Cuando Roulette publicó el suyo en otoño de 1961, se llamaba "One and Four". 

El nombre "One and Four" se refería al ostinato del contrabajo, que golpea en los tiempos uno y cuatro, pero ese no es el caso en este arreglo del baterista Alex Ritz. Como explica Ritz, en su versión "El tema está completamente en un 'Big 5' o 10/4; lo escribí alternando compases de 6/4 y 4/4. La idea empezó por "ampliar" la figura icónica de la canción en un par de compases, luego crear un "juego" en el ostinato del piano en este nuevo compás y, finalmente, adaptar la melodía para que encajara dentro de esas dos partes repetidas. La única desviación de este patrón es la figura del contrabajo andante en el cambio de compás, que consiste básicamente en negras punteadas en el compás de 6/4 y negras en el de 4/4".

El brillante solo de saxo alto de Vashlishan tiene lugar sobre un swinging 4/4. El "Big 5" vuelve para el aventurado solo de piano de Avey, sobre la inventiva de la batería de Ritz, y luego para el solo de Liebman.

"Compassion" crea un ambiente inquietante, en el arreglo de Liebman, con Vashlishan en el sintetizador de viento y Avey en su Vintage Vibe, un moderno piano eléctrico que parece un Wurlitzer pero que suena más como un Fender Rhodes.

El siguiente tema se abre con una larga y dramática improvisación de piano solista que se inspira y conduce a "My Favorite Things". Es probablemente el vals más famoso del jazz, pero aquí está en 4. 

"Olé" fue un arreglo de Coltrane de una canción folclórica de España llamada "Venga Vallejo". Figuraba como una composición de Coltrane porque las compañías discográficas solían tener la costumbre de acreditar el mayor número posible de números al artista que tenían contratado. Esta práctica beneficiaba económicamente tanto al artista como a la discográfica, mientras que con una "canción popular de dominio público" no ganaban nada, y los créditos a los compositores que no tenían contrato en realidad les costaban dinero. Del mismo modo, Impulse atribuyó el dominio público de "Spiritual" a Coltrane. 

La introducción de Liebman a "Olé" destaca los orígenes folclóricos de la canción mediante el uso de su flauta de madera y el tambor de marco de Ritz. Pero el teclado de Avey introduce un efecto de distorsión similar al de la guitarra. Vashlishan toca el clarinete en este tema.

El siguiente tema es la contribución de Vashlishan como arreglista. Esta original versión de "Lazy Bird" ofrece una nueva progresión de acordes y un ritmo de estilo cubano, pero tocado de forma libre y abierta. Le sigue una conmovedora interpretación de "Peace on Earth", con Liebman y la flauta de Vashlishan.

En el arreglo de Liebman de "One Up, One Down", el tema va seguido de un extenso solo de batería sobre los "hits" rítmicos. Luego hay un ardiente dúo de batería y soprano. Liebman señala que estaban "intentando capturar la forma en que Trane y Elvin tocarían a dúo en algún lugar del set". Estos dúos iban más allá en términos de energía, pasión y técnica, nunca encontrados en el jazz a ese nivel".

Coltrane se había interesado por conceptos como "Selflessness" a través de sus lecturas sobre religiones orientales. En la reelaboración de Avey, un patrón de batería algo funky y algo "roto" entra después del tema, añadiendo electricidad a los distintos solos.

El último tema, "Dear Lord", ralentiza el ritmo. Comienza con el bajo de arco pausado y meditativo de Marino, solo. Vashlishan entra con la melodía en la flauta mientras Liebman improvisa a su alrededor, apoyado por las nubes de sonido del teclado de Avey, los largos tonos de arco de Marino y las salpicaduras de color de Ritz. Es un final apropiado para este bello homenaje al maestro John Coltrane.

domingo, 1 de agosto de 2021

CARTER + RUBALCABA + DEJOHNETTE - SKYLINE

El pianista Gonzalo Rubalcaba anuncia el lanzamiento de Skyline, su octavo álbum con Passion Records y el primero de una trilogía de álbumes de tríos de piano para el sello que Rubalcaba cofundó en 2010, que saldrá a la venta el 17 de septiembre de 2021.

Rubalcaba - criado y educado en La Habana - tocó profesionalmente como baterista y pianista antes de emigrar primero a la República Dominicana en 1991 y luego a Miami en 1996.

Por eso, cuando Rubalcaba tuvo en mente un nuevo proyecto de trío, repleto de ritmos afrocubanos, pero con la información obtenida tras años de estudio sobre cómo debe sonar y sentirse la conversación musical entre músicos, sabía que necesitaba acompañantes que pudieran llevar a cabo ambos elementos con la misma sensación y erudición. Carter y DeJohnette tenían que completar este trío. 

"No importa la música que pongas en sus manos", dice Rubalcaba en los comentarios, "al final convierten esa música en algo personal. Eso para mí tiene un valor increíble".

"Pero al mismo tiempo entienden su función en cada momento.... Ron y Jack saben cómo mantener su sonido, su espíritu, y al mismo tiempo cumplir a un nivel muy alto su petición como productor o director musical o compositor. Combinan un talento especial y una fuerte personalidad con un alto nivel de conciencia de la responsabilidad: todo junto".

Aunque nunca hay duda de que Rubalcaba es el principal arquitecto sonoro, es evidente que en los nueve cortes, no quería que esto fuera un disco de Gonzalo per se; quería crear una conversación desde múltiples puntos de vista". Se aplican nuevas perspectivas a lo conocido, ya que cada músico ofrece un par de sus propias melodías previamente grabadas desde la mirada (re)interpretativa del trío.

Para ilustrar la metodología del grupo, tomemos "Gypsy" de Carter, un tema publicado originalmente en Parade de 1979 con Chick Corea (piano), Tony Williams (batería) y Joe Henderson (saxo tenor). Tras un prefacio de nueva construcción, Carter retoma una línea de bajo andante que recuerda a la original, aunque esta versión tiene un tempo ligeramente más relajado. Menos frenética y, en cierto modo, más firme y segura de sí misma, esta versión conserva la naturaleza exploratoria y de indagación del original. 

A lo largo de nueve temas se presenta lo que Panken denomina astutamente "una estética de triángulo equilátero", una fusión de personalidades y sensibilidades distintas de tres músicos maestros que saben cuándo hablar y cuándo escuchar. 

Skyline, dice, continuando con este hilo, es "un álbum envolvente que es único en la discografía de Rubalcaba por su calidad de diálogo interminable, en el que ningún tema, idea o motivo está fuera de los límites de la investigación cinética y conmovedora".

Skyline estará disponible en todas las plataformas a partir del 17 de septiembre de 2021.




 

jueves, 22 de julio de 2021

BRANDEE YOUNGER - SOMEWHERE DIFFERENT


La arpista y compositora ha anunciado el lanzamiento de su primer álbum, "Somewhere Different", que saldrá a la venta el 13 de agosto por Impulse! Records.  El álbum, que rompe con los géneros, es una fusión perfecta de música clásica, R&B, hip-hop, jazz y funk, con el nuevo single "Reclamation". 

Grabado en los legendarios estudios Van Gelder y en la ciudad de Nueva York de noviembre de 2020 a febrero de 2021, Somewhere Different muestra de forma experta el espíritu de Brandee de entrelazar géneros que rinden homenaje a sus predecesores al tiempo que forjan un nuevo terreno sonoro. 

Ocho cortes , producidos por Dezron Douglas, cuenta con Allan Mednard en la batería, Rashaan Carter en el bajo, el trompetista Maurice Brown, la saxofonista tenor Chelsea Baratz, la flautista Anne Drummond, y la batería y programación de Marcus Gilmore. 

El disco también cuenta con la aparición especial del legendario contrabajista Ron Carter en "Olivia Benson" y "Beautiful is Black", y con la voz invitada de Tarriona "Tank" Ball en "Tank and the Bangas" y en "Pretend".

En general, el álbum toca un gran número de temas sin perder el foco.  Los exuberantes paisajes sonoros de las pistas musicales encapsulan el híbrido musical contemporáneo que representa la nueva libertad artística de Brandee.

En declaraciones al periodista musical y autor Marcus J. Moore, que ha escrito las notas de presentación del disco, Younger afirma: "Espero que sea agradable de escuchar, que no sea difícil de escuchar, que no haya nada que analizar o sobreanalizar, sino que la gente simplemente lo disfrute. Todo tiene un ritmo, y así soy yo".



lunes, 12 de julio de 2021

BARRY ALTSCHUL 3DOM FACTOR - LONG TALL SUNSHINE

El pionero baterista Barry Altschul vuelve con una nueva y emocionante actuación en vivo junto a su trío: The 3dom Factor. Igualmente los que estamos en el jazz sabemos que la mejor manera de escuchar a este trío es en vivo y en directo.   

El trío personifica la energía, exuberancia y capricho de la mayor parte del gran jazz... un combo pequeño y muy intuitivo que utiliza el bop como trampolín hacia los empeñados picos de la vanguardia.

Liderado por Barry durante la última década aproximadamente, el sobrenombre refleja la importancia vital de las tres voces de la banda: no sólo la poderosa y siempre inquisitiva batería de Altschul, sino también el incansable saxofón de Jon Irabagon y la acrobática musculatura del gran contrabajista Joe Fonda. 

Así que, naturalmente, el lanzamiento del tercer álbum de 3dom Factor, Live in Kraków, en 2017, se sintió como una especie de conclusión natural para el proyecto. Resumía una cuidada trilogía que comenzó con el debut autotitulado de la banda en 2012, que se concentraba en las melodías originales de Altschul; seguido por la continuación de 2015, “Tales of the Unforeseen”, una segunda fecha de estudio que era casi totalmente improvisada, salvo por un par de intrigantes versiones; y finalmente, Live in Kraków, una deslumbrante muestra de la inventiva del trío en el escenario. 

Afortunadamente para los amantes del jazz exploratorio en su máxima expresión, Altschul decidió no dejar que esa trilogía quedara sola. Tras cuatro años de silencio discográfico, The 3dom Factor hace su bienvenido regreso con “Long Tall Sunshine”, un estimulante concierto capturado en algún lugar de Europa durante la gira del trío en la primavera de 2019. Lamentablemente, el registro de la banda no es tan hábil como su interacción, es decir y lo afirmo cada vez que puedo, el jazz y más este tipo, es gratificante escucharla en vivo. 

Con fecha de salida el 30 de julio de 2021 a través de Not Two, “Long Tall Sunshine” encuentra a The 3dom Factor en la cima de su forma, navegando por cinco de las expansivas composiciones de Altschul con un asombroso despliegue de inspiración y audacia en la cuerda floja.  

"Este álbum es una especie de extra", dice Altschul. "El tercer álbum me pareció una buena manera de terminar la serie, pero leí varias críticas que decían que esperaban que éste no fuera el último lanzamiento. El público quería más". Y se animaron a publicar este concierto en particular después de escuchar la intrépida imaginación de la actuación.

 "No creo que nada sea realmente nuevo", subraya. Creo en lo actual. Escucho a Miles Davis cuando decía que Louis Armstrong tocaba todo lo que se podía tocar. Así que sólo se trata de renovarse. Por lo tanto, usar las mismas composiciones sólo proporciona un trampolín para permitirnos entrar en algunos espacios de la improvisación. 

Lo último, el arte de tapa, es una belleza. Para los que ya cargamos en nuestras espaldas algunos largos años, que no daría por tenerlo en CD o vinilo, vale mucho la pena.

Barry Altschul and The 3dom Factor are: 

Drums: Barry Altschul Sax: Jon Irabagon Bass: Joe Fonda. 

lunes, 5 de julio de 2021

TIM HAGANS + NDR BIGBAND - A CONVERSATION


El compositor y trompetista Tim Hagans, nominado a tres premios GRAMMY, saca a la luz ,un nuevo concierto original de varios movimientos interpretado por la NDR Bigband. En "A Conversation", Hagans introduce una narrativa musical que pretende explorar, iluminar y, quizás, resolver un intercambio de ideas. 

La última adición de Hagans a su canon de álbumes de grandes conjuntos inventivos saldrá del cascarón el 4 de junio de 2021 a través del propio sello discográfico del artista, "Waiting Moon Records". A Conversation es la decimoséptima grabación de Hagans como líder, y su cuarta colaboración grabada con la NDR Bigband.

La ilustre carrera de Tim Hagans como compositor se inició con su estancia actuando y grabando con el gran Thad Jones. "Para mí, el poder de la escritura de Thad era que provenía directamente de su propia voz distintiva en la trompeta. Recuerdo haberle visitado en su casa. Thad se sentaba en una mesa con papel de partitura y su corneta. Esas eran todas las herramientas que necesitaba para crear una música extraordinaria", recuerda Hagans. Fue Jones quien animó a Hagans a escribir música, y la primera composición de Hagans apareció en su LP Live at Slukefter. 

Esto impulsó la carrera de Hagans, que incluye 15 años como director artístico y compositor residente de la Norrbotten Big Band, tres años como miembro de la Stan Kenton Orchestra, seis grabaciones como líder para el sello Blue Note y fructíferas colaboraciones con luminarias como Dexter Gordon, Joe Lovano, Bob Belden y Ernie Wilkins, así como con el innovador Michele Brangwen Dance Ensemble.

Durante dos décadas, Hagans ha colaborado con la NDR Bigband (también conocida como la Orquesta de Jazz de la Radio de Hamburgo) en diversas funciones, como compositor invitado, director, arreglista y solista. 

"Parte de lo que me entusiasma de componer y arreglar para la gran NDR Bigband es afrontar el reto de crear una partitura sofisticada y al mismo tiempo preservar la espontaneidad de un trío o un quinteto", dice Hagans. 

En esta exploración de cinco movimientos, la concepción e innovación musical del compositor se extiende mucho más allá de la partitura física: su intriga emocional y su sonido global único se ven afectados por la decisión de Hagans de agrupar físicamente a los músicos no por secciones, como es tradicional, sino por divisiones sonoras y emocionales, cada uno de los cuatro conjuntos reunidos por el compositor encargado de diferentes objetivos. La singular y evocadora destreza improvisadora de Hagans queda aquí bellamente retratada a lo largo del concierto.

NDR BIGBAND ARE

Vladyslav Sendecki (piano), Daniel Buch (bari sax), Ingmar Heller (bass), Stephen Meinberg and Claus Stötter (trumpets), Peter Bolte (sax), Stefan Lottermann and Klaus Heidenreich (trombone), Fiete Felsch (sax/flute), Marcio Doctor (percussion)

domingo, 27 de junio de 2021

EVERYBODY STILL DIGS BILL EVANS - A CAREER RETROSPECTIVE (1956–1980)


Una caja de lujo de cinco CDs destaca el trabajo del legendario pianista de jazz como líder y colíder con más de 60 cortes selectos, incluyendo un concierto en vivo completo e inédito de 1975. 

Craft Recordings se enorgullece de rendir homenaje al artista pionero del jazz Bill Evans, y a sus perdurables contribuciones musicales, con dos nuevos títulos. El primero, una caja de lujo de cinco CDs y un álbum digital, titulado:  "Everybody Still Digs Bill Evans: A Career Retrospective (1956-1980)", es la primera colección de música del pianista a lo largo de su carrera, con más de 60 temas que destacan el excepcional trabajo de Evans como líder y colíder. 

El amplio trabajo también incluye una actuación en directo inédita de 1975, grabada en el Oil Can Harry's de Vancouver, B.C. Esta grabación en concierto recientemente desenterrada también se publicará como un álbum independiente titulado : "On a Friday Evening", que estará disponible en 2-LP, CD y formatos digitales, incluyendo digitalizaciones en alta resolución. 

Everybody Still Digs Bill Evans: A Career Retrospective (1956-1980) abarca los catálogos de Riverside, Milestone, Fantasy, Verve, Warner Bros. y Elektra/Musician del pianista, y cuenta con personal colectivo como : Tony Bennett, Cannonball Adderley, Kenny Burrell, Stan Getz, Zoot Sims, Eddie Gomez, Shelly Manne y Lee Konitz, entre muchos otros. 

Producida por Nick Phillips, la colección de cinco CDs se presenta en un libro de tapa dura envuelto en tela, que contiene 48 páginas de fotos y material efímero, así como nuevas notas del escritor, presentador de radio y periodista musical ganador del premio GRAMMY, Neil Tesser, que ofrece una visión de la vida y la carrera de Evans a través de entrevistas recientes y de archivo con una variedad de temas, así como un profundo estudio de las pistas de la caja. También disponible en plataformas digitales y de streaming, "Everybody Still Digs Bill Evans" incluye audio recién remasterizado por el ingeniero ganador del GRAMMY, Paul Blakemore.  

La mayoría de las selecciones musicales de la caja se han extraído de los tríos de Evans, con los que publicó más de 40 álbumes. Los discos uno y dos ofrecen lo más destacado de esas grabaciones, con el primer disco destacando sus sesiones de Riverside y abarcando los primeros días de Evans trabajando con Philly Joe Jones, Teddy Kotick, Paul Chambers y Sam Jones, hasta consolidar un grupo con el baterista Paul Motian y el bajista Scott LaFaro, que murió trágicamente en 1961, hasta los tríos posteriores a LaFaro con Motian, Chuck Israels y Larry Bunker. El segundo disco se centra en las grabaciones de los tríos de Evans a partir de mediados de los 60, colaborando con acompañantes como Eddie Gomez, Marty Morell, Eliot Zigmund, Gary Peacock, Jack DeJohnette, Joe LaBarbera y Marc Johnson.

Las numerosas grabaciones en solitario de Evans fueron también un aspecto importante de su carrera, que le valió dos de sus siete premios GRAMMY® (por "Conversations with Myself", de 1963, y "Alone", de 1968). El tercer disco de la colección se centra en las actuaciones del pianista sin acompañamiento (algunas son verdaderamente "solistas", mientras que otras presentan a Evans acompañándose a sí mismo mediante sobregrabaciones), incluyendo algunas de sus obras seminales como "Peace Piece" y "N.Y.C.'s No Lark", así como su composición musical para su hijo, "Letter to Evan", y el "Nardis", escrito por Miles Davis, que, en una larga y abstracta exposición para piano solo, Evans hizo totalmente suya. 

El cuarto disco, por su parte, se centra en las colaboraciones de Evans fuera de los tríos, que fueron muchas. Destacan sus famosas colaboraciones a dúo con el legendario vocalista Tony Bennett y el guitarrista lírico Jim Hall, y un raro emparejamiento con la también pianista y entrevistadora Marian McPartland, extraído de su programa de larga duración en NPR. El trabajo de Evans en cuartetos y quintetos también se destaca en este disco, con músicos tan estimados como Cannonball Adderley, Stan Getz, Freddie Hubbard, Toots Thielemans, Zoot Sims y Lee Konitz. 

En el último disco "Everybody Still Digs Bill Evans", los fans podrán disfrutar de una actuación en directo recién descubierta del Bill Evans Trio, con Eddie Gómez al contrabajo y Eliot Zigmund a la batería. 

Disponible en su totalidad, el concierto inédito tuvo lugar el 20 de junio de 1975 en Oil Can Harry's, un club íntimo que funcionó hasta 1977 en Vancouver, BC. El espectáculo se grabó para el presentador de radio canadiense Gary Barclay, que actuó como locutor de la velada, y posteriormente emitió el set en su popular programa de jazz CHQM. Después, durante casi medio siglo, las cintas quedaron en el olvido, hasta ahora. Gracias a la restauración de audio realizada por Plangent Processes y a la meticulosa masterización de Blakemore, la íntima grabación suena hoy tan fresca como hace más de 45 años.

El concierto también se publicará como un álbum independiente, On a Friday Evening, y estará disponible en dos LPs de vinilo de 180 gramos, en CD y en plataformas digitales y de streaming. El disco de nueve pistas incluye una adaptación de las notas originales de Tesser, que incorpora nuevas entrevistas con los miembros del trío Eddie Gómez y Eliot Zigmund, junto con detalles meticulosos, pista por pista, sobre el programa de la noche, que incluye tanto composiciones originales como estándares.

On a Friday Evening también ofrece a los oyentes la rara oportunidad de escuchar a Evans y a sus compañeros de banda asentándose en una nueva reconfiguración del trío, al que Zigmund se había unido apenas unos meses antes. Tesser explica que esta grabación en directo "merece atención, y gran parte de ella proviene de escuchar a Zigmund, en un entorno íntimo alejado de la sala de conciertos, encontrando su lugar en el linaje del trío de piano más importante de su época, un trío que durante 15 años había hecho estallar el modelo establecido de piano más acompañantes y lo había sustituido por un verdadero diálogo a tres bandas entre instrumentos".

De hecho, Zigmund sabía que estaba en un plano totalmente diferente, tocando junto a Evans. En las notas de Everybody Still Digs Bill Evans, Tesser proclama: "En la historia del piano del siglo XX, la música de Bill Evans constituye un punto de inflexión.... Sólo ha habido un puñado de pianistas... cuyas innovaciones alteraron tan fuertemente la estética imperante que la línea de tiempo se rompe en 'antes' y 'después'".

Bill Evans (1929-1980), uno de los artistas más influyentes de la historia del jazz, era conocido por su interacción conversacional en sus tríos, sus composiciones líricas y su inigualable enfoque del piano. En menos de tres décadas, el prolífico artista publicó más de 50 álbumes como líder, obteniendo siete premios GRAMMY®, 31 nominaciones al GRAMMY® y dos entradas en el Salón de la Fama del GRAMMY®. 

En 1994, fue honrado póstumamente con el premio GRAMMY® Lifetime Achievement Award. Citado como influencia por todos, desde Herbie Hancock y Chick Corea hasta Eliane Elias y Robert Glasper, el trabajo de Bill Evans sigue inspirando a las nuevas generaciones de músicos.