EVA NOVOA TRIO - VOLUMEN 1

Para la pianista y compositora Eva Novoa, la música, la improvisación y la elección de los acompañantes adecuados es su misión, su propósito y su objetivo en la vida.  Afincada en Brooklyn, Nueva York, desde 2012; explora cada proyecto o montaje con profunda curiosidad, libertad, audacia y confianza.

En esta nueva propuesta, encara y da forma a sus audaces ideas desde formato de trío; experimentando desde su esencia y profundidad sonora, inspirada en todos los grandes maestros, colocándolos en su propio universo personal y referencias musicales. 

No deja de haber una rigurosidad, en la cual no hay cabos sueltos. Es un fino equilibrio entre improvisación y free jazz bien cohesionado; que se fusionan con ricos colores moldeando caminos sin revelarse del todo. 

Eva está acompañada por su viejo amigo y colaborador Masa Kamaguchi al contrabajo - con quien trabaja desde 2010- y el big master Gerald Cleaver, en batería, juntos vienen trabajando  desde 2017 en Nueva York. La aventura se abre paso desde un álbum con densidad melódica, y conversaciones desde un lenguaje articulado. Es un libre juego de ricas texturas y espontaneidad única.

Sin necesidad de invocar a grandes maestros, es difícil de disipar la impresión de que nos encontramos con uno de esos álbumes en los que la música se impone por si misma y deja huella en el oyente. 

Esta presentación marca el debut de Eva Novoa en 577 Records. Está disponible en formatos físicos y digital. Extraordinario!!!

Eva Novoa - Piano, Fender Rhodes, Chinese Gongs & Whistling

Masa Kamaguchi - Bass

Gerald Cleaver - Drums

http://evanovoa.com/discography 

Gracias a :577 RECORDS por enviarme el disco.-

 

RALPH TOWNER - AT FIRST LIGHT

En su nota de presentación de "At First Light," Ralph Towner escribe sobre la singularidad de tener la mayor parte del trabajo de su vida en un solo sello discográfico. Ha sido artista de ECM durante más de cincuenta años, apareciendo en muchos contextos diferentes, siendo uno de los más importantes una serie de grabaciones en solitario que comenzó con Diary en 1973. At First Light es la última incorporación a la serie de discos en solitario. "Mis grabaciones en solitario", dice Towner, "siempre han incluido mis propias composiciones, en las que hay rastros de los compositores y músicos que me han atraído a lo largo de los años. Músicos como George Gershwin, John Coltrane, John Dowland, Bill Evans, por nombrar algunos. La mezcla de técnicas de teclado y guitarra es un aspecto importante de mi forma de tocar y componer, y creo que este álbum es un buen ejemplo de la plasmación de esta amplitud de influencias en mi música personal." 

El repertorio incluye esta vez, además de nuevas piezas de Towner, la versión personal del guitarrista de melodías de musicales de Broadway. Aquí se integran "Little Old Lady" de Hoagy Carmichael (de The Show Is On), y "Make Someone Happy" de Jule Styne (de Do Re Mi, una pieza que a Bill Evans le gustaba tocar), así como el muy versionado aire tradicional irlandés "Danny Boy", que Towner también hace suyo. También vuelve a abordar "Guitarra Picante", una pieza del cancionero del grupo Oregón. 

Nacido en el seno de una familia de músicos en Washington en 1940, Towner creció inmerso en la música clásica, el jazz y la música popular de la época. Tocó la trompeta desde los siete años, se dedicó en serio al piano en la adolescencia, estudió composición y, a los 22, se aficionó a la guitarra clásica. "Descubrí que era un instrumento muy pianístico, capaz de una polifonía sofisticada y una miríada de colores tonales". Posteriormente se trasladó a Viena para estudiar guitarra clásica. "Mis estudios incluyeron mucha música renacentista y barroca, que desempeñó un papel fundamental en la formación de mis técnicas de composición e interpretación". 

Como ha señalado su colega Scott Nygaard, "nadie toca la guitarra como Ralph Towner, y aunque sus composiciones suenan a menudo 'clásicas' (combinando su afición por la dirección de voces barroca, las armonías stravinskianas y los compases extraños con su propio y fuerte sentido de la melodía), eso se debe principalmente a que cada pieza crece de forma orgánica y elegante a partir de una idea inicial." Junto a las cruciales inspiraciones de la música clásica y la composición contemporánea, Towner también ha extraído profundas influencias de la concepción del jazz de Bill Evans y también de la música brasileña. 

"A lo largo de los años fui adaptando cada una de ellas a mi manera", ha dicho Towner: "Los abstraje y modifiqué hasta que las fuentes dejaron de ser reconocibles, y llegué casi sin darme cuenta a un lenguaje propio".

 

DOMINIC MILLER - VAGABOND

Dominic Miller ha sido llamado "un gran narrador sereno" y Vagabond, la tercera grabación del guitarrista para ECM, podría demostrar su cuento más poético hasta la fecha. Después del debut de Dominic, Silent Light (2017), que capturó al guitarrista en solitario con ocasionales inyecciones percusivas de Miles Bould, Absinthe (2019) lo encontró expandiendo sus sutiles bocetos instrumentales en una formación de quinteto. Para Vagabond, el guitarrista se ha asociado con Ziv Ravitz a la batería y el pianista sueco Jacob Karlzon, mientras que su viejo colaborador Fiszman regresa al bajo. Continuando con el espíritu colectivo de su último álbum, Dominic encuentra aquí nuevas formas de presentar su enfoque distintivo en una interacción de cuarteto profundamente sentida.

"Nunca ha sido mi intención hacer un álbum de guitarras", dice Dominic. "Gracias a los increíbles cantantes con los que he trabajado a lo largo de los años, me veo más como un compositor instrumental. Y al igual que ellos, considero mi misión rodearme de los mejores músicos que entiendan las narrativas de las 'canciones'. Estoy contento de haber reunido la formación adecuada con Vagabond".

El álbum lleva el nombre del poema homónimo del poeta inglés John Masefield, muy querido por el difunto padre de Dominic. Dominic: "Aunque no me considero un vagabundo, me identifico con la gente que viaja, prefiero este estilo de vida a quedarme en un sitio, viendo todos los días a la misma gente".

Para el inicio y desarrollo de la música a lo largo de 2020/2021, sin embargo, el guitarrista tuvo pocas oportunidades de viajar y en su lugar se centró en su entorno inmediato en el sur de Francia, su hogar adoptivo desde hace varios años, donde escribió las nuevas canciones. "Naturalmente, me dejé influir por mi entorno. Di muchos paseos largos y solitarios y el campo se convirtió de alguna manera en mi colaborador en este álbum. Vaugines" es un precioso pueblecito por el que paseaba. Clandestino" se refiere a un bar escondido en el que de vez en cuando me encontraba con algunos lugareños. Mi Viejo' significa simplemente mi viejo, mi padre".

En Vagabond, estas connotaciones personales se traducen en paisajes musicales altamente reflexivos, a veces transmitidos de forma abierta e inmediata, como en el dramático crescendo de "All Change", pero la mayoría de las veces velados en un enfoque más suave, como en los melancólicos cambios ofrecidos en "Cruel But Fair" o los intercambios de búsqueda de "Open Heart". Cada uno de los colaboradores de Dominic tiene más de una palabra en el proceso: el guitarrista proporciona un marco para que Ziv, Jakob y Nicolas se extiendan. Un enfoque fructífero, que da como resultado el ritmo lento de "Altea", con la batería y el piano en sincronía telepática entre sí, o la hipnotizante balada de "Lone Waltz", con cada intérprete creando un impulso dinámico.

"Como en todos mis discos, me gusta cambiar las formaciones, lo que siempre me anima a ir en una dirección diferente", explica Dominic. "Una vez escritas las piezas, invité a los músicos a pasar tres días conmigo en el sur de Francia tocando estas melodías y aprendiendo sus estructuras y melodías. Luego fuimos al estudio, donde quise que se soltaran en torno a estos arreglos, y el resultado es un fuerte elemento de improvisación en todos los títulos".

El cuarteto- cada músico un hábil líder por derecho propio- tiene un don para equilibrar los surcos profundos con una sutil interacción, entretejiendo tonos pastel en delicados cambios armónicos mientras trazan un rumiativo camino a través del programa. El álbum fue grabado en el sur de Francia en abril de 2021 y producido por, el jefe indiscutido de Manfred Eicher. 

Nacido en Argentina, de padre estadounidense y madre irlandesa, Miller se crió en Estados Unidos desde los 10 años y luego se educó allí y en Inglaterra. La mentalidad internacional del guitarrista se ha visto reforzada durante décadas de giras por todo el mundo, trabajando con artistas de la talla de Paul Simon, The Chieftains, Plácido Domingo y, sobre todo, Sting. Miller es conocido desde hace tiempo por ser la mano derecha de Sting a la guitarra y coautor de "Shape of My Heart", entre otras. "Me ha influido el sentido lateral de la armonía de Sting y cómo forma las canciones", dice el guitarrista. "Yo intento hacer lo mismo creando una narrativa con música instrumental, que trato y arreglo como canciones, con versos, estribillos, puentes. He absorbido mucho de él sobre el concepto y los arreglos, así como la concisión a la hora de contar una historia." 

Con Vagabond, el pianista sueco Jacob Karlzon debuta en ECM. Ha actuado junto a músicos de la talla de Kenny Wheeler, Norma Winstone y Billy Cobham, aunque su principal salida musical actual es su trío de piano con el contrabajista Morten Ramsbøl y el batería Rasmus Kihlberg, con el que ha publicado dos álbumes de estudio. 

Durante las dos últimas décadas, Ziv Rvitz se ha consolidado como uno de los bateristas de jazz más destacados de su generación, actuando y grabando junto a Shai Maestro, Oded Tzur y, más recientemente, Lionel Loueke. Ha aparecido en ECM como parte de los grupos de Avisahi Cohen en Big Vicious y Naked Truth.

Nicolas Fiszman, un contrabajista de jazz muy solicitado que inicialmente estudió guitarra de jazz con Philippe Catherine, ha tocado con todo el mundo, desde Sting y Charles Aznavour hasta Alphonse Mouzon y Angélique Kidjo. Desde 2005 forma parte de los grupos de Dominic Miller.

Dominic Miller: Guitars

Ziv Ravitz :Drums

Nicolas Fiszman: Bass

Pianist :Jacob Karlzon

RALPH ALESSI - IT´S ALWAYS NOW

Cada una de las tres grabaciones anteriores de Ralph Alessi como líder para el sello - (2013), Quiver (2016) e Imaginary Friends (2019) cosechó grandes elogios internacionales. The New York Times alabó la "elegante precisión y potencia" de Baida, mientras que Downbeat declaró que con Quiver, Ralph había encontrado "un lugar ideal, su inclinación por la declaración oblicua y el conjunto ventilado bien expresado en una grabación prístina y un conjunto mágico".

"Me mudé a Suiza en agosto de 2020", explica Alessi, "y eso me dio la oportunidad de colaborar con una nueva mezcla de músicos con los que no había tenido el placer de tocar antes. Y creo firmemente en el beneficio del cambio".

Dentro del cambio también está la familiaridad, ya que no todo en la constelación de cuartetos europeos de Ralph es inexplorado. La colaboración del trompetista con el pianista Florian Weber, por ejemplo, se remonta a hace casi dos décadas, ya que cada uno formó parte del grupo del otro y, más recientemente, Alessi tocó en "Lucent Waters", la grabación de Florian para ECM, en cuarteto con Linda May Han Oh y Nasheet Waits.

También han tocado a dúo en numerosas ocasiones, y su especial química de dúo se pone de manifiesto en varios momentos del nuevo álbum: "Hypgnagogic", "Old Baby", "Ire", "Tumbleweed" y la canción que da título al disco son exploraciones improvisadas que ambos interpretan con gusto. Ralph: "Me encanta cómo me provoca Florian cuando toco con él. Siempre está sobrepasando los límites, ayudando a crear una atmósfera de azar en la música que definitivamente resuena en mí".

El baterista Gerry Hemingway y Ralph sólo tocaron juntos una vez hace varios años, mientras que la sesión de It's Always Now marca el primer encuentro entre el trompetista y el contrabajista BänzOester. Los tres son actualmente educadores en  actividad en Suiza: Ralph enseña en la Universidad de las Artes de Berna, Gerry en la Escuela de Música de Lucerna y Bänz en la Academia de Música de la ciudad de Basilea. Desde el profundo groove de "Migratory Party", pasando por la angulosa maraña de "Everything Mirrors Everything", hasta lo que parece el contrafacto de esa composición en "Hanging By A Thread", no hay casi nada que sugiera que éste sea el primer encuentro del grupo. Los movimientos son fluidos, el contrapunto es intuitivo y, sea cual sea el camino que elijan las serenas líneas de trompeta de Ralph, los demás músicos lo siguen, encontrando siempre figuras inesperadas pero complementarias.

Ralph insiste en que Bänz y Gerry "tienen una vibración muy fuerte tocando juntos", y no es de extrañar, ya que el bajista y el batería han formado pareja regularmente durante más de dos décadas y siguen tocando juntos con frecuencia hoy en día; su salida más destacada es el trío WHO con el pianista Michael Wintsch, con el que han publicado cinco álbumes desde 1999. Dentro del sonido de conjunto del cuarteto de Ralph, las partes del bajista y el batería se contraen y expanden con gracia y de acuerdo con las hábiles florituras instrumentales de Ralph y Florian, que van desde diseños minimalistas y breves improvisaciones hasta formas extendidas con temas polifónicos y estructuras idiosincrásicas.

Estos lenguajes contrastados se manifiestan a través de yuxtaposiciones de canciones como "Residue" y "The Shadow Side", la primera una plataforma rítmicamente chispeante para intercambios exuberantes entre los músicos, la segunda una investigación introspectiva y romántica del lirismo oscuro, cada voz en alerta máxima. Una analogía similar puede trazarse para "His Hopes, His Fears, His Tears" y "Portion Control", dos canciones que tienen contornos muy diferentes pero que comparten una tendencia hacia la abstracción y el ADN conceptual de Ralph.

Ralph explica su proceso de composición: "Escribir es siempre un ejercicio intuitivo para mí; en pocas palabras, intento llevar la música de lo abstracto a un lugar de audición. Eso supone un reto, encontrar la música mientras se está 'bajo presión', pero estoy muy satisfecho con el resultado de estas piezas emergentes".

"Es un proceso de grabación paso a paso, en el que se crea el material y luego se ve cómo encaja. Ahí es también donde entra en juego la convincente sensibilidad de Manfred. Tiene una habilidad increíble para ver el conjunto". 

Ralph Alessi: Trompeta 

Florian Weber: Piano 

Bänz Oester: contrabajo

Gerry Hemingway: Batería

BOBO STENSON TRIO - SPHERES

La actual encarnación del trío de Bobo Stenson, con Anders Jormin al contrabajo y el percusionista Jon Fält, lleva en activo casi dos décadas, a lo largo de las cuales han grabado cuatro álbumes, incluido este nuevo. El primero, Cantando (2008), demostró la fluida capacidad de Bobo para abarcar una amplia gama de influencias e idiomas, integrando a la perfección la nueva configuración en su sonido personal desde el principio. El disco llevó a The Guardian a decir: "Pocos grupos de jazz contemporáneo mantienen una atmósfera tan evocadora como el trío del pianista sueco Stenson, o conjuran tantos estados de ánimo a través de una variedad de material que va desde Ornette Coleman a Alban Berg". Los elogios continuaron con follow-upIndicum (2012), The New York Times señaló que Bobo "es justamente anunciado por sus sutilezas de toque y estado de ánimo", y luego de nuevo con Contra La Indecisión en 2018, que BBC Music Magazine calificó de "hermosa sesión", demostrando "que todavía hay mucho por explorar y revelar dentro de este formato." Más revelaciones y pruebas del distinguido arte del trío están siempre presentes en "Sphere".

"No tenemos una forma de tocar 'prefabricada'", explica Bobo, "las cosas se cristalizan en el momento y nos adaptamos a ello. Y esa es la quintaesencia. Esa es la alegría de tocar juntos, no hacer nunca lo mismo dos veces y estar decididos a ello". De esa alegría confiada y esa apertura a la espontaneidad del momento nace un brebaje especialmente emotivo en "Sphere", en el que el pianista, el bajista y el batería conjuran una atmósfera conmovedora y pensativa a través de una interacción de voz suave con acentos suaves y a la vez ágiles. En el enfoque de la improvisación del trío subyace un elevado sentido de la experiencia y el dominio. Anders coincide con Bobo cuando dice: "Como artista improvisador, tienes que aprender una y otra vez que nunca puedes estar completamente seguro de algo. Tienes que abrazar esa incertidumbre, y tener confianza en ese abrazo".

Al igual que los tres álbumes anteriores, "Sphere" se grabó en el Auditorio Stelio Molo de Lugano, y la peculiar acústica de la sala juega a favor del sonido del trío, intensificando la naturaleza de búsqueda de su comunicación. Al entrar en el estudio con "más canciones de lo habitual", como señala Jon Fält, el trío redujo el material a una investigación concentrada en originales y música inspirada en composiciones de los compositores escandinavos Alfred Janson, Per NørgårdSven-Erik Bäck y Jean Sibelius. Anders: "Una vez que entramos en el estudio tenemos más material del que creemos que acabará en el disco, porque estamos improvisando, así que nunca se sabe. También es una colaboración con Manfred Eicher, que es, por supuesto, un artista muy creativo, así que la forma en que tocamos también se desarrolla junto con Manfred".

El resultado de la prolífica colaboración entre el trío y el productor está marcado por movimientos serenos, un toque ligero y una acción rápida, con parte del repertorio esculpido a partir de composiciones de los siglos XX y XXI, transfiguradas y moldeadas en coloridas exploraciones de ritmo, compás y timbre. You shall plant a tree" del compositor danés Per Nørgård, originalmente escrita por el poeta Piet Hein, tiene cadencias de himno y aparece dos veces, cerrando el círculo del álbum. El trío también rediseña dos piezas del compositor sueco Sven-Erik Bäck, aportando una cualidad ambiental de descubrimiento acústico a "Spring" y convirtiendo "Communion psalm" en una plataforma para un atento juego de rubato, en el que cada intérprete es consciente del espacio que hay entre ellos.

Entre los originales del disco se encuentran "Unquestioned Answer", un conmovedor homenaje al compositor modernista Charles Yves, y "The red flower", que ofrece una rara ventana a la suave aproximación del grupo al swing. A su vez, "Kingdom of Coldness" da lugar a algunas de las líneas más fluidas de Bobo, enmarcadas en una abundante interacción. En cuanto a "Ky and beautiful madame Ky", una pieza que toma prestada del fallecido compositor noruego Alfred Janson, Bobo comenta que "normalmente la tocamos de forma diferente a como la grabamos. Manfred tenía muchas ideas sobre lo que podíamos hacer con la canción y la remodeló con nosotros. Aportó algo muy nuevo a la mezcla. Pero eso es lo que él hace. Saca a relucir las mejores cualidades de los músicos. Siente lo que son capaces de hacer en ese momento, y luego lo capta". Por último, "Valsette op. 40/1" de Jean Sibelius es un ejercicio de deconstrucción, en el que el tema no se revela hasta los últimos compases, todavía disfrazado.

 

JORMIN + WILLEMARK + NAKAGAWA + FÄLT - PASADO EN CLARO QUARTET

Tras la primera grabación de Mette Henriette, aclamada por la crítica y autotitulado, llega Drifting, un álbum impregnado de conversaciones a tres bandas de expresión idiosincrásica y original. Dice Mette: "Drifting captura vívidamente un momento en el tiempo. Puedo oír todo lo que sigue creciendo -en movimiento- en el disco y lo presente que está mi imaginación. Antes de la grabación, tuve mucho tiempo para sentarme y centrarme en esta nueva música. Desde el principio, quise crear un material que pudiera crecer, expandirse y contraerse en diferentes formatos."

Con el regreso de Johan Lindvall al piano, la nueva incorporación Judith Hamann al violonchelo y ella misma al saxofón, las elaboraciones musicales de cámara de Mette demuestran una calidad concentrada y exploratoria, marcada por una interacción sutil pero intensa. Motivos y patrones recurrentes cristalizan y revelan una narrativa concisa e intrincada. El saxofonista-compositor explica que "este álbum está en movimiento. Está en camino hacia alguna parte y tiene su propio ritmo: su agencia creativa es fundamentalmente diferente de lo que he hecho anteriormente". 

La diferencia no sólo se manifiesta en el cambio de instrumentación, sino también en el tejido y el diseño compositivo de esta colección de canciones. A la vez programa organizado con una convincente narrativa instrumental y terreno de juego para el impulso y la improvisación, Drifting conecta con los procesos más profundos de la conciencia musical de Mette. Mette explica los mecanismos que subyacen a sus invenciones musicales y aborda la dicción de su lenguaje: "Para mí, una herramienta muy importante en el proceso de composición es dejar que las ideas maduren hasta el punto de que empiecen a vivir su propia vida. Entonces las cosas salen espontáneamente a la superficie en diferentes piezas y empiezan a interconectarse. Me gusta jugar con las preposiciones en la música. Arrojar luz sobre cosas distintas desde perspectivas diferentes, jugar con el primer plano y el fondo, reposicionar elementos y dar la vuelta a los arreglos. Para mí, así es como cobran vida diferentes oportunidades de improvisación". 

Algunas de esas interconexiones pueden rastrearse entre "Across the Floor" y "Chassé", en los correspondientes pulsos vacilantes y temas melódicos afines. O entre "I villvind" y "Rue du Renard", basadas en sus arpegios de piano y sus ondas dinámicas igualmente urgentes. En otros lugares, el trío presenta su rica paleta de timbres dentro de estructuras de gran alcance, no repetitivas, como en la canción que da título al disco, "Oversoar" o "Indrifting You", en las que abundan las tensiones tonales en constante cambio, los desafiantes flageolets del violonchelo de Hamann, los divergentes marcos acordales del piano y las distintivas y amplias exploraciones del saxofón de Mette.

Grabado en el recientemente trasladado Museo Munch de Oslo, el álbum se completó en los Estudios La Buissonne en estrecha colaboración con Manfred Eicher, que produjo el álbum y, como subraya Mette, cuya "intuitiva y completa comprensión" de su música influyó significativamente en la forma y el sonido de Drifting.

METTE HENRIETTE: TENOR SAXOPHONE, COMPOSITION 

JOHAN LINDVALL: PIANO 

JUDITH HAMANN: VIOLONCELLO

 

INGRID LAUBROCK'S - THE LAST QUIET PLACE

Cuando la saxofonista y compositora Ingrid Laubrock tituló su nuevo y fascinante álbum The Last Quiet Place (El último lugar tranquilo), lo hizo plenamente consciente de que tal vez no exista tal lugar. Laubrock compuso la música del álbum tras leer los libros de Kolbert La sexta extinción y Bajo un cielo blanco, que sostienen que vivimos en medio de una sexta extinción masiva global y que la humanidad no puede evitar alterar el mundo que nos rodea. Esas ideas resonaron en Laubrock en un momento en que buscaba cierta evasión del tumultuoso mundo moderno.

"Kolbert explica que ya hay muy pocas cosas puras en la naturaleza", dice Laubrock. "No hay nada que esté intacto o que realmente funcione como se supone que debe funcionar. Estaba pensando en esos lugares que ya no son prístinos y me di cuenta de que el único lugar tranquilo que puedes buscar está dentro de ti mismo, e incluso encontrar eso parece imposible la mayor parte del tiempo."

The Last Quiet Place, que saldrá a la venta el 31 de marzo de 2023 a través de Pyroclastic Records, reúne a un sexteto estelar que contiene en su interior el potencial de un conjunto de jazz, una banda de avant-rock y un cuarteto de cuerda mutante, combinaciones variadas que Laubrock emplea en sus cautivadoras composiciones. Junto a Laubrock (saxos tenor y soprano) están el violinista Mazz Swift, la violonchelista Tomeka Reid, el guitarrista Brandon Seabrook, el bajista Michael Formanek y el batería Tom Rainey.

Para que no se malinterprete el título, el deseo de Laubrock de encontrar un "lugar tranquilo" no tiene nada que ver con la búsqueda del silencio o la creación de música para la meditación. Las seis piezas de The Last Quiet Place son tan desafiantes, intrigantes y atrevidas como todo lo que ha escrito en el pasado, un catálogo que abarca desde la feroz improvisación libre hasta las densas e intimidantes composiciones para grandes conjuntos. De hecho, la tensión erizada y la angulosidad punzante que pueblan el álbum captan mejor la caótica realidad que la serenidad imaginada.

"Tengo la sensación de que estamos en una situación turbulenta todo el tiempo", afirma Laubrock. "Todos somos adictos al ciclo de noticias y estamos constantemente en línea, recibiendo señales en el cerebro de que debemos estar alerta y preocupados en todo momento, cuando en realidad es mejor no estarlo. Siempre busco mantener una sensación de claridad y concentración".

Aunque admite que la búsqueda de un lugar tranquilo en el mundo exterior resulta inevitablemente ilusoria, se las arregla para encontrar sus propios espacios de refugio a un nivel más micro. Concibió gran parte de la música de A Last Quiet Place en momentos de evasión y contemplación -largas caminatas o paseos en bicicleta- y la compuso en gran parte en una mesa al aire libre de un restaurante local.

El ímpetu de este nuevo conjunto surgió de trabajar con Seabrook en el cuarteto Content Provider del batería Andrew Drury, dice Laubrock. "Sentí que Brandon y yo compartíamos una estética de desbaratar y fragmentar ideas y conectar varios hilos musicales en nuestras improvisaciones. Cuando toco con él, siempre tengo la sensación de que casi nos convertimos en un instrumento que se divide en dos, lo cual es realmente inusual y un aspecto que quería dejar que se filtrara en mi enfoque compositivo."

El contrbajista Formanek, a quien Laubrock admiraba desde hacía tiempo, se había trasladado recientemente a Nueva York, por lo que era el momento ideal para incorporarlo a la banda, y Rainey ha sido durante mucho tiempo uno de los colaboradores más cercanos del saxofonista. En un principio, el grupo giraba como cuarteto, pero las recientes experiencias de Laubrock componiendo para cuerdas avivaron el deseo de ampliar las posibilidades del nuevo conjunto. Swift y Reid son compañeros de banda de la bajista Silvia Bolognesi en el trío Hear In Now, y son músicos versados por igual en la compleja música escrita y en la improvisación aventurera.

"Me gusta tener posibilidades extremas de alternar entre varias combinaciones y explorar una gama de texturas diferentes", explica Laubrock. Esas posibilidades están claras desde el principio, ya que "Anticipation" rota entre diferentes combinaciones de dúo y trío, cambiando constantemente de estado de ánimo y paleta. La pieza es la primera de una suite vagamente basada en la misma fila de tonos, junto con el brillante y propulsivo tema titular y el agitado "Delusions". La estridente y explosiva "Grammy Season" se titula casi como un desafío irónico a la Academia, ya que las mitades en conflicto de la banda cambian al modo cuarteto de cuerda en los momentos finales.

"Afterglow" alterna la elegante escritura de las cuerdas con improvisaciones enérgicas. "Chant II" forma parte de una serie de piezas modulares inspiradas en patrones del habla, grabadas previamente por Laubrock y Rainey en su salida a dúo de 2018 Utter.

Si la humanidad transforma inevitablemente el mundo que nos rodea, tal vez la noción de "tranquilidad" sea el ideal equivocado por el que luchar. Por muy destructivos que seamos como especie, también somos capaces de una creatividad increíble: El último lugar tranquilo es un ejemplo sorprendente, y una brillante escapada del ruido del mundo exterior.

Ingrid Laubrock es una saxofonista y compositora experimental, interesada en explorar las fronteras entre ámbitos musicales y crear mundos sonoros de múltiples capas, densos y a menudo evocadores. Laubrock, prolífica compositora, fue calificada de "auténtica visionaria" por el pianista y director artístico del Kennedy Center Jason Moran, y de "saxofonista y visionaria plenamente comprometida" por el New Yorker. Laubrock ha trabajado con artistas como Anthony Braxton, Muhal Richard Abrams, Dave Douglas, Kenny Wheeler, Jason Moran, Tim Berne, William Parker, Tom Rainey, Mary Halvorson, Kris Davis, Tyshawn Sorey, Craig Taborn, Andy Milne, Luc Ex y muchos otros. Ha sido galardonada con el Premio Herb Alpert Ragdale 2019 en Composición Musical y con la Beca 2021 Berklee Institute of Gender Justice Women Composers Collection, y forma parte del profesorado a tiempo parcial de The New School y la Universidad de Columbia.

DISCOS PIROCLÁSTICOS

La pianista y compositora Kris Davis fundó Pyroclastic Records en 2016. Al apoyar a los artistas en la difusión de su trabajo, Pyroclastic empodera a los artistas emergentes y establecidos para continuar desafiando el etiquetado de género convencional dentro de sus campos. Pyroclastic también busca galvanizar y hacer crecer una comunidad creativa, proporcionando oportunidades, apoyando la diversidad y ampliando la audiencia del arte no comercial. Sus álbumes suelen incluir ilustraciones de destacados artistas visuales: Julian Charriére, Dike Blair, Mimi Chakarova, Jim Campbell y Raymond Pettibon, entre los ejemplos más recientes.

Los proyectos de 2023 Pyroclastic incluyen álbumes de Ingrid Laubrock, Mark Dresser, Sylvie Courvoisier y Cory Smythe, Brandon Seabrook, Kris Davis y Angélica Sánchez.