CHARLES MINGUS - IN ARGENTINA: THE BUENOS AIRES CONCERTS

El emocionante y poco conocido quinteto de Charles Mingus de 1977 finalmente recibe lo que se merece en el revelador álbum "In Argentina: The Buenos Aires Concerts", que saldrá a la venta el 12 de abril como un disco de tres LP de edición limitada como un exclusivo del día de las tiendas de discos (Record Store Day) gracias a Resonance Records. 

Grabado en concierto en el Teatro Coliseo y el Teatro Sociedad Hebraica Argentina (SHA) los días 2 y el 3 de junio de 1977, "In Argentina" revela una mirada inédita a la poco documentada banda de trabajo de esa época del gran compositor y bajista. Le acompaña el trompetista Jack Walrath, un veterano de la célebre "Changes band" de mediados de los 70, que incluía al saxofonista tenor George Adams y el pianista Don Pullen; sus talentosos sucesores, el saxofonista tenor Ricky Ford y el pianista Robert Neloms; y el baterista de amplia trayectoria del líder Dannie Richmond. Los conciertos ocurrieron solo seis meses antes de que Mingus fuera diagnosticado con esclerosis lateral amiotrófica (ELA o enfermedad de Lou Gehrig), la cual terminó con su vida el 5 de enero de 1979.

Interpretado vocalmente por Mingus, la enérgica banda ensayó vigorosamente material abarcando desde composiciones clásicas como "Goodby Pork Pie Hat" y "Fables of Faubus" hasta composiciones más contemporáneas para la época como "Duke Ellington's Sound of Love", "Three or Four Shades of Blue", y la composición con aptos toques latinos "Cumbia and Jazz Fusion". Mingus también tocó el piano para un par de breves actuaciones en solitario.

Los músicos que participaron en la gira recuerdan el viaje a Sudamérica afectuosamente, tanto por la respuesta como por el calibre de la música. "Las audiencias en el tour siempre nos adoró", recuerda Walrath. "Creo que, debatiblemente, fue la mejor banda de la época. En Argentina, se volvieron locos. Les encantó. Alcanzamos a todo tipo de personas y fue increíble". "Es fantástico escuchar esta música ahora después de todos estos años", dice Ford. "Ahora, nadie va a poder decir, 'Ah, sí, bueno, lo mejor fue 64 Antibes' o 'lo mejor fue Changes One y Changes Two'. Ahora, la gente va a tener una muestra final sobre la banda de Charles Mingus y como él tenía una constancia muy importante en su expresión musical, incluso al final de su vida."

KURT ROSENWINKEL & JEAN-PAUL BRODBECK - THE BRAHMS PROJECT

El guitarrista legendario del jazz americano Kurt Rosenwinkel y el virtuoso suizo del piano Jean-Paul Brodbeck van a lanzar su nuevo album "The Brahms Project" el 2 de mayo de 2025 gracias a Heartcore Records. Esta colección reimagina diez trabajos seminales de Johannes Brahms a través de un formato de cuarteto de jazz contemporáneo. 

Junto al bajista Lukas Traxel y el baterista Jorge Rossy, el grupo transforma las composiciones de Brahms mientras da reverencia al material original. Este album imita a su publicación anterior "The Chopin Project" e incluye fechas en vivo a lo largo de Europa y Estados Unidos, resaltándose su presentación en Carnegie Hall el 3 de mayo.

PRELUDIOS Y CANCIONES

François Couturier y Dominique Pifarély, reconocidos músicos de la escena creativa en Francia, han lanzado un nuevo álbum titulado "Preludios y canciones". Este proyecto marca su reunión después de casi tres décadas desde su último álbum juntos. Aunque han colaborado en varios proyectos a lo largo de los años, esta grabación representa una reevaluación y un nuevo ajuste de su trabajo como dúo.

“Preludios y canciones” presenta composiciones originales de ambos artistas, así como interpretaciones de clásicos del jazz como "Solitude" de Duke Ellington, "Lament" de J.J. Johnson, "I Loves You Porgy" de George Gershwin y "A Nightingale Sang In Berkeley Square" de Manning Sherwin. Incluso la canción francesa "La chanson des vieux amants" de Jacques Brel se reimagina en este álbum. El dúo considera esta canción de Brel como un "estándar" para los francófonos, aunque no sea tocada frecuentemente por músicos de jazz.

La improvisación ha sido un elemento central en la música de Pifarély y Couturier, y su sensibilidad hacia el jazz, la música clásica y otros géneros se refleja en todas sus interpretaciones. Se deslizan fluidamente entre estos lenguajes musicales sin problemas. Cabe destacar que figuras icónicas como Ellington, Gershwin y J.J. Johnson también desafiaron los límites de un solo género musical.

El álbum se inicia con "Le surcrot" de François Couturier, cuyo título proviene de un poema de André du Bouchet. Esta pieza fue originalmente escrita para un proyecto en colaboración con Pifarély y el cantante Dominique Visse en 2004. Por otro lado, "What Us" de Pifarély incorpora y adapta material de un ajuste del poema "Lichtduress" de Paul Celan, el cual reflexiona sobre lo que nos une.

En "Preludios y canciones", se destaca una sensibilidad poética presente en muchas de las composiciones, aunque no todas las referencias son literarias. Por ejemplo, la canción "Song for Harrison" es un retrato reflexivo del perro de François Couturier, un cocker spaniel encantador. En esta pieza, Harrison parece desmantelar la "Soledad" de Ellington, quizás liberándola de la desesperación original., reconocidos músicos de la escena creativa en Francia, han lanzado un nuevo álbum titulado "Preludios y canciones". Este proyecto marca su reunión después de casi tres décadas desde su último álbum juntos. Aunque han colaborado en varios trabajos a lo largo de los años, esta grabación representa una reevaluación y un nuevo ajuste como dúo.

“Preludios y canciones” presenta composiciones originales de ambos artistas, así como interpretaciones de clásicos del jazz como "Solitude" de Duke Ellington, "Lament" de J.J. Johnson, "I Loves You Porgy" de George Gershwin y "A Nightingale Sang In Berkeley Square" de Manning Sherwin. Incluso la canción francesa "La chanson des vieux amants" de Jacques Brel se reimagina en este álbum. El dúo considera esta canción de Brel como un "estándar" para los francófonos, aunque no sea tocada frecuentemente por músicos de jazz. 

La improvisación ha sido un elemento central de Pifarély y Couturier, y su sensibilidad hacia el jazz, la música clásica y otros géneros se refleja en todas sus interpretaciones.  Cabe destacar que figuras icónicas como Ellington, Gershwin y J.J. Johnson también desafiaron los límites de un solo género musical.

El álbum se inicia con "Le surcrot" de François Couturier, cuyo título proviene de un poema de André du Bouchet. Esta pieza fue originalmente escrita para un proyecto en colaboración con Pifarély y el cantante Dominique Visse en 2004. Por otro lado, "What Us" de Pifarély incorpora y adapta material de un ajuste del poema "Lichtduress" de Paul Celan, el cual reflexiona sobre lo que nos une.

En "Preludios y canciones", se destaca una sensibilidad poética presente en muchas de las composiciones, aunque no todas las referencias son literarias. Por ejemplo, la canción "Song for Harrison" es un retrato reflexivo del perro de François Couturier, un cocker spaniel encantador. En esta pieza, Harrison parece desmantelar la "Soledad" de Ellington, quizás liberándola de la desesperación original.

JON BALKE - SKRIFUM

El noruego Jon Balke propone una nueva dimensión sónica con Skrifum, continuando una línea de investigación iniciada con Warp (2016) y Discourses (2020), álbumes de piano solo que también procesaban el entorno acústico en el que se escuchaba la música. Skrifum, sin embargo, lleva las cosas un paso más allá, como resulta evidente desde el principio. Mientras que la música de piano de Discourses estaba enhebrada con «grabaciones de campo» sutilmente intercaladas, como mensajes subliminales del mundo exterior, Skrifum es más autosuficiente, un viaje más profundo al universo sonoro del propio piano.

La música en solitario más reciente de Balke está hecha con la ayuda de la herramienta de audio electrónico Spektrafon, un software de procesamiento en directo que ayudó a desarrollar junto con el profesor de tecnología Anders Tveit en la Academia Noruega de Música. Con esta interfaz, Balke puede manipular directamente el sonido ambiente del piano en tiempo real, extrayendo frecuencias y manteniéndolas como acordes de armónicos, lluvias de sobretonos chispeantes o inquietantes zumbidos. La reverberación activada y energizada se convierte así en nuevo material para la interacción y el diálogo improvisados, a menudo con resultados bastante bellos.

Skrifum significa «escribir» en islandés y, a pesar de toda la sofisticación tecnológica empleada, hay una cualidad casi caligráfica en las líneas melódicas y los sonidos que Balke moldea cuidadosamente a lo largo del proceso: escribir, dibujar y diseñar la música con la luz cambiante y las sombras alargadas que proyecta el material procesado.

«El sonido del Spektrafon se retroalimenta de formas que exigen espacio», dice Jon Balke. «Así que aprovecho esa oportunidad para tocar sobre todo monofónicamente y centrarme en cada nota y su peso y posición en el paisaje sonoro».

Skrifum fue grabado en noviembre de 2023 en Village Recording en Copenhague, editado en Bavaria Musikstudios en Munich, y producido por Manfred Eicher y Jon Balke.

RECESO -VOLVEMOS EN BREVE !!!!!!!!!

 

KEITH JARRETT – THE OLD COUNTRY

 

Las grabaciones de Keith Jarrett desde el Deer Head Inn ocupan un lugar especial entre sus grabaciones dedicadas a la exploración de los estándares de jazz y el cancionero americano. Y The Old Country es un documento de especial significación histórica, desde varias perspectivas.

El Deer Head Inn, situado en la región de Delaware Water Gap, en Pensilvania, ha presentado música en directo ininterrumpidamente desde 1950, lo que lo convierte en uno de los clubes de jazz más antiguos de Estados Unidos. En 1961, el club ofreció a Jarrett, que entonces tenía 16 años, su primera actuación como líder de un trío de piano. Cuando los propietarios, Bob y Fay Lehr, se jubilaron y cedieron las riendas a su hija Dona y a su yerno Christopher Solliday, Jarrett se ofreció a volver a tocar allí, para honrar el compromiso permanente del club con el jazz.

El 16 de septiembre de 1992, Jarrett, acompañado por Gary Peacock y Paul Motian, tocó ante una sala abarrotada. No hubo promoción, pero la noticia corrió de boca en boca. El Deer Head es un local íntimo y el periódico Allentown Morning Call informó posteriormente de que «de las 130 personas que había dentro del club, 30 tuvieron que quedarse de pie. En el porche exterior, otras 50 o 60 personas permanecieron de pie».

La actuación, organizada espontáneamente, fue la única ocasión en la que Jarrett, Peacock y Motian tocaron como trío. Peacock, por aquel entonces, era un miembro consagrado del trío Standards que completaba Jack DeJohnette. Motian había sido batería del «cuarteto americano» de Jarrett (véase The Survivors Suite y Eyes of the Heart), pero no había trabajado con Jarrett desde la disolución de ese grupo. «No sólo hacía 30 años que no tocaba el piano en el Deer Head, sino que hacía 16 que no tocaba con Paul Motian. Así que fue como una reunión y una jam session al mismo tiempo», escribió Jarrett en las notas de At The Deer Head Inn, la primera selección de material de este concierto, en 1994.

El proyecto Deer Head se basó en viejas amistades. La grabación fue iniciada por Bill Goodwin, que había tocado la batería en Gary Burton & Keith Jarrett (Atlantic) en 1970, antes de unirse al Phil Woods Quartet, habituales del Deer Head durante muchos años. Goodwin propuso una grabación documental para referencia personal de Jarrett, pero al escucharla Jarrett reconoció «que esto tenía que ser editado....». Creo que en esta cinta se puede escuchar lo que es el jazz».  

Cuando At The Deer Head Inn se publicó en 1994, la prensa estuvo de acuerdo. «La música tiene la fuerza y el lirismo descarado de los mejores trabajos de Keith Jarrett», escribió Stereophile. Gramophone, por su parte, hablaba de una interpretación «hechizante», y Los Angeles Times elogiaba «un compendio de gracia».

Treinta años después, había llegado el momento de revisitar el material. Keith Jarrett y Manfred Eicher seleccionaron las ocho piezas inéditas que componen The Old Country, un segundo volumen de la interpretación de Deer Head. 

El repertorio incluye una ración doble de Cole Porter con «Everything I Love» y «All of You», «Straight No Chaser» de Thelonious Monk, «I Fall In Love Too Easily» de Jule Styne, «Someday My Prince Will Come» de Frank Churchill, «How Long Has This Been Going On» de Gershwin, «Golden Earrings» de Victor Young y «The Old Country» de Nat Adderley.

COLIN VALLON + PATRICET MORET + JULIAN SARTORIOUS - SAMARES

El lirismo y la melancolía de las composiciones de Colin Vallon, así como la discreta interacción a tres bandas de su trío, siguen siendo una marca registrada de Samares. Sin embargo, mucho ha evolucionado  el sonido del grupo del pianista suizo desde su último disco para ECM, Danse de 2017, ya que la química de la banda se ha fortalecido aún más; profundizando en gruesos tapices sonoros de trío. Se exploran los extremos dinámicos y los ganchos afinados -algunos melódicos, otros armónicos, otros basados en el ritmo- se ensamblan pacientemente, a menudo completados de manera hipnotizante.  Sutiles giros rítmicos y progresiones armónicas construidas en torno a tríadas de piano recuerdan inspiraciones vanguardistas del mundo del art-rock, otras exposiciones revelan un trío de jazz muy unido que elabora un sonido de cámara centrado en la escucha atenta y la reacción. En conjunto, los diversos impulsos están conectados por un tema subyacente que impregna la música como un latido.

«Racine» (raíz), “Ronce” (zarza o mora), “Brin” (ramita o brizna de hierba), “Samares”... la idea aglutinante del nuevo álbum en trío de Colin Vallon está claramente deletreada, tanto en las canciones que lo componen como en su propio título. El término francés «Samares» hace referencia al fruto de la samara que, mezcla de semilla y hoja, se caracteriza por sus alas, como las de los arces, que caen de sus ramas en graciosas piruetas y aterrizan siempre con elegancia. 

Esta imaginería no podría encajar mejor con los mundos sonoros contemplativos que se despliegan a lo largo de este disco. Acompañado de nuevo por el contrabajista Patrice Moret y el baterista Julian Sartorius, el pianista descubre un programa que refleja inspiraciones de la naturaleza con surcos orgánicos y una interacción aparentemente telepática. 

«Creo que el desarrollo de nuestro trío siempre ha ido encaminado a encontrar un sonido colectivo y no a centrarse en interpretaciones individuales», dice Colin. «Compartimos el amor por las texturas y las mezclas. Julian es un maestro a la hora de crear una atmósfera única y tiene un gran sentido del espacio para cada pieza musical. Su paleta sonora va mucho más allá de la batería y su forma de tocar es extremadamente original. Y el apoyo de Patrice, pero también su forma de orquestar la música y sus ideas creativas a la hora de dar forma a las canciones; son elementos esenciales para nuestra identidad colectiva.»

Con «Racine», el álbum comienza con una nota solemne e introspectiva, con escobillas contra la caja que parecen emular suaves olas rompiendo contra la orilla. Funciona como preámbulo para las grandes ondas líricas de piano que dominan «Mars», una progresión única desarrollada dinámicamente en un crescendo constante. Profundamente compenetrado, el trío fluye y refluye, formando un único aliento.

«Lou» y “Timo” llevan el nombre de los hijos de Vallon, lo que marca otro cambio que ha marcado la vida del pianista desde el último álbum: la paternidad. Primero rumiativa, espaciosa, «Lou» desarrolla un pulso firme en torno a una progresión melancólica, mientras que el furor rítmico animado de «Timo» constituye el telón de fondo de una improvisación silenciada de piano preparado. 

Dotada del ritmo más contundente del disco, «Ronce» se inscribe en la línea de las composiciones del tipo de «Timo» y «Mars» antes mencionadas, presentando un movimiento en espiral hacia delante, donde la energía del trío construye un arco largo y cautivador. Aquí, Vallon altera el tono del piano con ligeras modulaciones de sintetizador para conseguir un efecto inquietante. «Étincelle» puede considerarse el polo opuesto en su diseño de rubato, con su suave arpegio de piano acompañado de agudas salpicaduras de platillos y firmes punteos de contrabajo que crean un impulso inesperado; en su conclusión, los frenéticos platillos se desvanecen con la misma naturalidad con la que entraron en escena.

Mientras tanto, la experiencia del grupo en directo ha aumentado exponencialmente, debido entre otras cosas a la serie de conciertos quincenales del trío en Thun, que «cambió radicalmente el sonido de la banda, reforzando una enorme complicidad en nuestra forma de tocar». Diría que entre Le Vent y Samares desarrollamos una conexión más profunda, así como una forma más libre de tocar. El material evolucionó de forma natural, juntos y con el tiempo, permitiendo más exploraciones y más contrastes».