BRAD MEHLDAU - UN CANON PERSONAL

Como pianista innovador y constantemente inventivo, Brad Mehldau ha atraído a un ingente número de seguidores a lo largo de los años, quienes aguardan una experiencia singular e intensa en sus actuaciones. Con este libro, Brad busca extender esa experiencia, compartiendo elementos muy personales de su vida y cómo se fusionaron para convertirlo en el músico y persona que es hoy. 

Esta obra dibuja un retrato vibrante del mundo del jazz en Nueva York a finales de los 80 y principios de los 90, mostrando cómo una generación de músicos llevó su arte hacia nuevas direcciones, aprovechando un sinfín de influencias pero manteniendo la tradición, tanto la arraigada en el mundo del jazz como en el clásico. La atmósfera de los clubes, la escena creativa en Manhattan y Brooklyn están brillantemente plasmadas. 

Se evoca la formación del cuarteto con Joshua Redman, así como de los propios grupos de Brad, que lleva a su aclamada serie de grabaciones Art of the Trio con el bajista Larry Grenadier y el baterista Jorge Rossy, y sus posteriores revisiones de Bach o Brahms. Brad no esconde nada cuando aborda el período de adicción a la heroína; su dolorosa decadencia y su redención final hacen que la lectura sea emotiva y, a menudo, angustiosa. Sus lecturas y audiciones son una constante referencia, desde las obras de James Joyce y Thomas Mann hasta el rock progresivo y Bob Dylan, sin olvidar a críticos como Harold Bloom. 

El libro traslada una experiencia vivida intensamente. Íntimo, vulnerable y profundo, ofrece una mirada al interior de la mente de un artista en la cima de su talento y con sus propias palabras. "Una escritura increíble, libre y afilada como un cuchillo. Brad escribe palabras como toca el piano, con una fuerza delicada y el don de acceder a recuerdos para convertirlos en emociones. 

Me siento afortunado al ser contemporáneo de Brad. Amo su escritura tanto como su música".Dice  "Brad Mehldau es el Jefe de nuestra generación. Su música es magia, un asombroso prodigio de comunión creativa y empática, del cual he sido testigo una y otra vez. En estas memorias penetrantes y provocadoras comparte con nosotros algunos de los secretos ocultos tras sus numerosos sortilegios. Una lectura valiosa para cualquiera que esté intrigado por el origen del genio". 

Se consigue en el país, a los valores actuales, es decir caro!! 

QUETZAL - ABACAXI

Los quetzales son aves de colores llamativas de la familia de los trogones. Sus alas son adecuadas para camuflarse en condiciones de lluvia. El nombre quetzal , del náhuatl mesoamericano, hace referencia a «un penacho de plumas erguido» en términos de ponerse de pie. 

El origen de los churros no está claro. Una teoría sugiere que el concepto fue traído a Europa desde China por los portugueses Otra teoría es que el churro fue hecho por los pastores españoles para sustituir a los productos horneados frescos. La pasta de churro era fácil de hacer y freír en un fuego abierto en las montañas, donde los pastores pasan la mayor parte del tiempo.

Carton Records, es un sello, que viene abriéndose paso, demostrando que sus propuestas, hay que echarles el oído con atención.

CECIL TAYOR - IN THE BREWING LUMINOUS

«La vida de Cecil Taylor fue una cadena de misterios que formaron un hermoso collar de preciosos sonidos, danzas y poesía que él llamó música. El libro de Philip Freeman In the Brewing Luminous nos ofrece una maravillosa visión de la vida y la música de Cecil. Esperemos que este libro nos inspire a todos de formas que no podemos imaginar». (William Parker).

Durante 60 años, la música de Cecil Taylor marcó la frontera más lejana del jazz de vanguardia. Sus volcánicas improvisaciones al piano, ejecutadas con un asombroso dominio técnico y una potencia implacable a ritmo de maratón, se consideraban lo máximo del free jazz. Pero Taylor era mucho más que eso: Fue uno de los grandes compositores y arreglistas del jazz (y de Estados Unidos), que desarrolló una voz compositiva única e instantáneamente reconocible y un método radical de transmitir sus ideas que, en efecto, enseñó a los miembros de sus conjuntos a hablar un lenguaje musical totalmente nuevo.

In the Brewing Luminous es la primera biografía completa de Cecil Taylor. In the Brewing Luminous lleva al lector desde su nacimiento en 1929 hasta su muerte en 2018 y más allá. Ofrece un análisis detallado de su extensa obra, que abarca actuaciones en solitario y conjuntos de todos los tamaños, desde dúos hasta grandes bandas, e incluye obras destinadas a acompañar a bailarines y representaciones teatrales.

También explora su poesía y el entorno más amplio del que formó parte. Taylor no era una isla; era un fijo de la escena cultural neoyorquina y fue recibido con los brazos abiertos en Alemania, Italia, Japón y otros lugares. Y no trabajaba aislado: sus grupos eran colaboradores cruciales, y su música era imposible de imaginar sin las contribuciones de músicos como el saxofonista alto Jimmy Lyons, el contrabajista William Parker y el baterista Andrew Cyrille, de todos los cuales y de muchos más se habla aquí también.

¡Philip Freeman es un veterano periodista musical y autor de New York Is Now! The New Wave Of Free Jazz, Running The Voodoo Down: The Electric Music Of Miles Davis y Ugly Beauty: Jazz In The 21st Century. Vive en Montana.

"I am very thankful to Philip Freeman for sending me this book. I recommend it to everyone reading!!

Estoy muy agradecido con Philip Freeman por enviarme este libro. ¡Se lo recomiendo a todos los lectores!

NODES - MELDS

MELDS es el segundo lanzamiento de NODES, un conjunto colectivo que combina un «tenor-trío» tradicional con electrónica en directo. Este álbum trata de combinaciones distintivas y profundas , de una interacción en escalas temporales cortas y largas. 

Los miembros acústicos del grupo amplían su paleta sonora estándar con efectos de audio y percusión auxiliar. Una configuración electrónica personalizada añade una nueva dimensión mediante síntesis en directo, efectos de audio aplicados a los miembros del trío , grabación y reproducción en directo, con manipulación del material musical creado por los instrumentos acústicos. 

Esta capa se combina con el trío para crear texturas únicas e impresiones sónicas de otro mundo que, a su vez, hacen que los demás miembros del conjunto reaccionen y toquen de nuevas maneras.

Este disco es una evolución de la primera grabación, Incubated Dilemma Machine. Hay más desarrollo temático y un mayor nivel de confianza y escucha. La electrónica se integra y combina a la perfección con los músicos. La espontaneidad y la sorpresa son dos cosas que valoramos mucho en la música; esta banda y su material presentan sorpresas a cada paso, creando una estructura satisfactoria y puntos de llegada en un contexto de improvisación libre.

Las primeras 21 pistas se agrupan en tres formas más amplias, cada grupo termina con una pregunta. Entre muchas de esas pistas hay pistas postproducidas que recontextualizan y combinan materiales circundantes, para crear transiciones  relacionadas con la identidad de cada grupo. 

El álbum termina con la interpretación de la hermosa partitura gráfica de Lisa Renée Coons, She/Storm; que colaboró en la interpretación del texto, los insectos, las imágenes médicas y la poesía negra, recitada por John Hébert. 

Este proyecto supuso una nueva aventura  y su evocadora imaginería suscitó algunas interpretaciones notables por parte de los músicos, una de cuyas versiones se recoge en este disco y proporciona una hermosa terminación que sigue las numerosas elipsis.

 

TORD GUSTAVSEN TRIO - SEEING

Con Seeing, Tord Gustavsen inicia un intrincado nuevo capítulo en su serie de aclamadas grabaciones en trío, iniciada en 2003 con Changing Places, un álbum que hoy se considera un clásico. La nueva grabación, con sus canciones compactas y concentradas, «refleja mi desarrollo personal a medida que envejezco, buscando lo esencial en la vida y en la música», afirma el pianista noruego. El álbum es también el décimo lanzamiento de Gustavsen en ECM Records, un logro digno de mención.

A lo largo de cinco temas originales de Gustavsen, dos corales de Johann Sebastian Bach, un himno tradicional de la iglesia noruega y el coral inglés del siglo XIX «Nearer My God, to Thee», Tord, junto con su viejo aliado Jarle Vespestad a la batería y Steinar Raknes al contrabajo, profundiza en su mezcla única de jazz, blues, gospel, folk escandinavo y música religiosa. «Apreciando las melodías», como dice Tord, la interacción del grupo saca fuerza de la contención, construyendo la música paciente pero concisamente hacia su clímax, mientras el pianista, entretanto un experimentado maestro del formato de trío, dirige con su delicado toque y su sutil brillo gospel.

De este modo, Seeing se caracteriza no sólo por un encantador aire hogareño, sino también por lo que Gustavsen denomina la «eficacia de la forma»: «En este disco no hay muchos solos. En su lugar, hemos intentado invertir nuestra musicalidad en la interacción y la configuración de pequeñas partes improvisadas y en «maximizar» los detalles fundamentales. De este modo, el álbum contrasta con nuestros conciertos en directo, en los que a menudo optamos por formas más épicas y suites más extensas, juntando varios temas y realizando largas improvisaciones libres. 

Pero lo que lo une todo, es que todo consiste en intentar ir a por lo que se siente más vibrante y esencial en el momento; y no seguir un plan o un guión a menos que se sienta realmente bien hacerlo». De particular interés es el trabajo de contrapunto entre el contrabajo y el piano, y el sonido cálido y lleno de madera del contrabajo, sorprendentemente captado en los Estudios La Buissonne, que el trío visitó por primera vez con esta grabación.

AVISHAI COHEN - ASHES TO GOLD

Los primeros momentos de «Ashes to Gold» -la dramática suite en cinco partes que abre el nuevo álbum de Avishai Cohen- presentan el sonido desconocido del gran trompetista de Tel Aviv tocando la flauta, estableciendo un ambiente onírico, casi pastoral, que pronto se desgarrará. Lo que sigue es algo de la música más intensa y concentrada que Cohen y su banda de amigos han grabado hasta la fecha, reflejo de las profundas tensiones de una época convulsa.

Ashes to Gold: la imagen del título está tomada del antiguo arte japonés del kintsugi, el trabajo de reparación de cerámica «en el que se toma lo viejo y lo roto y se intenta juntar las piezas para hacer algo dorado y bello a partir de los fragmentos», dice Avishai Cohen.  «En cierto modo, creo que ahí es donde habitamos. Nuestra realidad. Y aunque esta música no puede evitar reflejar los tiempos en que vivimos, también -en mi imaginación- tiene algo de esperanza. Al menos no es sólo oscura».

El otoño pasado, Cohen tenía intención de tomarse un mes de vacaciones en Israel para escribir la música de su nuevo álbum y tocar las piezas en conciertos de camino a la sesión de grabación en el sur de Francia.  Sin embargo, los cataclismos del 7 de octubre interrumpieron bruscamente los planes de composición:

«No podía escribir nada. No podía tocar la trompeta. A principios de noviembre, le dije a Yonathan [el pianista Yonathan Avishai] que iba a tener que cancelar la gira y la grabación, pero me dijo: 'No. Tenemos que ir a tocar música'. La forma en que lo dijo fue poderosa. Sabía que tenía razón».  

La mayor parte de la suite «Ashes to Gold» se escribió finalmente en el comprimido periodo de tiempo de una semana, «en ese momento en plena locura bélica. Con cohetes volando sobre mi cabeza, alarmas y sirenas sonando, etc.».  ¿Cómo no iba a afectar todo esto a la música? En consecuencia, la suite recorre toda la gama de emociones, desde la ira a la cautela, pasando por una profunda melancolía, y suscita conmovedoras interpretaciones en cada uno de sus registros expresivos.  

Durante la gira, Cohen fue añadiendo secciones a la música y aprovechó las pruebas de sonido para ensayarlas. «Después de un ensayo en Rumanía, supe que me faltaba un tema. Tenía el timbre y el sonido en la cabeza, pero aún tenía que escribirlo.  El promotor local me encontró un estudio que tenía un pequeño Casio, y escribí la música en él». Esto se convirtió en la Parte III de la suite, donde la línea tiernamente lírica de Avishai flota sobre la grave meditación del contrabajo y el piano.

NALA SINEPHRO - ENDLESSNESS

No conocía a la artista en cuestión y debo decir, que me gusto lo que escuche.Es el segundo trabajo de la compositora belga de ambient - jazz  álbum de Nala Sinephro ; un viaje de 45 minutos un latido de arpegios de sintetizador.

Incluye una completa sección rítmica y de vientos, así como  un potente conjunto de 21 cuerdas a cargo de la londinense  Orchestrate Sinephro , que arregla  y dirige todo en Endlessness, y la vez que toca los sintetizadores y el piano. Es una obra conmovedora y envolvente que sigue el ciclo de la vida y el renacimiento. Cruda y emocional, la  atmósfera y melodía, cada movimiento  rebosante de optimismo juvenil.