REVEREND BEAT-MAN

La leyenda del rock n' roll underground Reverend Beat-Man se embarca el próximo miércoles en una gira excepcional por la costa oeste de Estados Unidos, que comenzará en el sur de California y concluirá con una actuación exclusiva en el sureste, en el Muddy Roots Festival de Tennessee, junto a Frank Turner, Amigo The Devil, The Spits, TSOL, entre otros.

El estatus de Reverend Beat-Man como veterano se debe a la amplia gama de actividades en las que ha participado y que ha impulsado dentro de la música underground durante más de cuatro décadas. Las numerosas colaboraciones y giras para difundir el evangelio del Blues Trash por seis de los siete continentes son solo la mitad de su trayectoria. Además de sus actividades como intérprete, Reverend Beat-Man dirige el famoso sello discográfico de rock n' roll Voodoo Rhythm Records, una plataforma sin fronteras para bandas marginales de punk, garage, cumbia, industrial, rockabilly, noise y otros géneros demasiado extraños como para encasillarlos en una categoría mainstream. Desde que se puso el collar en 2002, han salido nueve álbumes bajo su rasposo toque de banda de un solo hombre, acompañados de giras y apariciones en festivales por Europa, América, Asia, África y Australia.

PLAINSPEAK - SOMEONE TO SOMEONE

En Someone to Someone, el nuevo y potente álbum de Jon Irabagon, el caleidoscópico saxofonista revisita su pasado en una historia de dos ciudades: Nueva York, donde saltó a la fama, y Chicago, donde simplemente creció.

Tras Server Farm, su complejo álbum para noneto que incorpora electrónica y la modalidad de lenguaje amplio de la inteligencia artificial, Irabagon presenta este cuarteto acústico y minimalista. Protagonizado por tres músicos excepcionalmente versátiles del Medio Oeste —el trompetista Russ Johnson, el bajista Clarke Sommers y el baterista Dana Hall—, la banda que él llama PlainsPeak ofrece seis composiciones que ilustran la renovada relación del saxofonista con Chicago y sus alrededores (donde creció y reside actualmente).

El nombre PlainsPeak se mantiene fiel a la personalidad compleja de Irabagon y a su afición por los juegos de palabras. Por un lado, hace referencia a su hogar de entonces y de ahora: «Frente a las costas, nosotros estamos en el medio. Chicago es el «pico» de las Grandes Llanuras». Pero cuando se lee rápidamente, se convierte en «plain speak» (hablar claro), una descripción tan buena como cualquier otra para el sonido sin adornos de este cuarteto básico de dos instrumentos de viento, la primera banda de Chicago bajo su propio nombre y un testimonio de las posibilidades ilimitadas de este formato. Irabagon renuncia a los demás instrumentos a su disposición —desde el pesado saxo bajo hasta el raro mezzosoprano y el soprillo, que suena como el trino de un colibrí— para centrarse en el alto, su primer instrumento. «Al principio pensaba tocar el tenor, debido a la gran tradición de saxofonistas tenores de Chicago. Pero toqué el alto en ese primer álbum con Russ, y eso fue lo que prevaleció».

No obstante, la ciudad impregna cada una de las composiciones de PlainsPeak. «Este disco refleja todo lo que me gusta de Chicago y de la música de Chicago, desde el straight-ahead hasta la vanguardia», explica Irabagon. Ayuda que los cuatro artistas sean magníficos intérpretes «inside-outside», igual de cómodos en el mainstream post-bop que en las corrientes vanguardistas.

Hijo de inmigrantes filipinos, Jon Irabagon creció en los suburbios de Chicago y se licenció en música por la Universidad DePaul. Armado con títulos de posgrado de la Escuela de Música de Manhattan y Juilliard, en 2008 ganó el Concurso de Saxofón Thelonious Monk, el primero de una larga y creciente lista de premios y honores que incluyen los premios «Rising Star» de DownBeat (tanto en saxofón alto como tenor) y el Premio Presidencial de Filipinas, el más alto honor civil que se puede otorgar a un filipino en el extranjero. Durante los siguientes doce años se consolidó como uno de los «25 iconos del jazz» de Nueva York (Time Out New York) gracias a su trabajo en bandas lideradas por Dave Douglas, Mary Halvorson, el legendario baterista Barry Altschul y Ralph Alessi, y como miembro fundador del provocador conjunto Mostly Other People do the Killing.

Es difícil imaginar un mejor avatar para la personalidad traviesa de Irabagon o su música juguetona y atrevida, que, al rechazar las convenciones, se ha fusionado en una obra conmovedora y ecléctica.

DINO SALUZZI - EL VIEJO CAMINANTE

Dos guitarras envuelven suavemente el evocador bandoneón de Dino Saluzzi en El Viejo Caminante. Aquí, el dúo argentino formado por padre e hijo, Dino y José María Saluzzi, se une al noruego Jacob Young en un álbum de gran profundidad musical y encanto. 

«Me llena de alegría», dice Dino Saluzzi, encantado con la mezcla sonora de esta grabación, con José a la guitarra clásica y Jacob a la Telecaster y la guitarra acústica de cuerdas de acero. «Jacob y José hacen muy buena pareja. Tienen sonidos diferentes, visiones diferentes, pero cuando se trata de la producción artística, ocurre algo hermoso». 

El mayor de los Saluzzi, que cumplió 90 años en mayo, no ha perdido nada de su entusiasmo juvenil por la colaboración artística ni por aventurarse más allá de las fronteras estilísticas: «Siempre me esfuerzo por entrar en contacto con nuevas ideas fuera de mi elemento habitual», afirma, buscando aún contextos que ofrezcan, como él mismo dice, «potencial para el crecimiento tanto musical como humano». 

El programa incluye temas originales, nuevos y antiguos, de los tres músicos, una canción de Karin Krog y un par de standards. Dino ve el álbum como una colección de música de diferentes épocas y lugares que toca el tango, la música folclórica argentina y el jazz, y convierte estas alusiones en algo fresco.

EDGE RUNNER / NOEMA - GIOVANNI DI DOMENICO & ALEX ZETHSON

Giovanni Di Domenico, como maestro de sus instrumentos, produce sonidos voluminosos, atmósferas ásperas y oscuras, pero también de una belleza sencilla a través de contrastes marcados. La improvisación es, por lo tanto, más un estado que un esbozo o una forma, el timbre es el verdadero portador de la forma, el zumbido es el elemento crucial.

Edge Runner es sofisticado, incluso refinado, equilibrado a pesar de su evidente renuencia a transigir, cuidadosamente elaborado independientemente de la loca estructura superficial.

Giovanni Di Domenico, pianista, intérprete y compositor, nació en Roma el 20 de julio de 1977, un período significativamente tempestuoso en términos sociopolíticos, caracterizado por polarizaciones hostiles y un paramilitarismo ostensible, enfrentamientos ideológicos rebeldes y sangrientos atentados terroristas, que se hicieron tristemente famosos con la descripción «Años de plomo». En ese verano particularmente cáustico, el llamado «Movimiento del 77», no alineado, sin vínculos con el Parlamento y no violento, irrumpió en la escena de la paranoia conspirativa imperante, condenando las tendencias represivas, discriminatorias y autoritarias del Estado italiano y exigiendo la igualdad para las minorías y más derechos civiles. La coincidente liberalización del mercado de los medios de comunicación, que puso fin al monopolio de la RAI, definió aún más este periodo como el momento álgido de la radio pirata, con la consiguiente fragmentación libertaria de la cultura juvenil, personificada en el punk.

Noema consiste en una grabación en directo de una improvisación basada en un marco compositivo abierto de cuatro partes. Al igual que en el disco en solitario de Zethson, Pole of Inaccessibility (publicado por Thanatosis en 2016), explora la casi repetición, las transformaciones orgánicas y la combinación de movimientos relativamente rápidos de los dedos con una forma que evoluciona lentamente. En cierto modo, manifiesta un enfoque casi coreográfico de la improvisación, en el que los movimientos corporales repetidos, junto con una estrecha sintonía con los armónicos y los cambios sutiles, sumergen al intérprete cada vez más profundamente en la música, un movimiento que, a su vez, se transmite al oyente.

Influenciada por un amplio espectro —desde las exploraciones hipnóticas de Charlemagne Palestine hasta la intensidad rítmica de Meshuggah y la presencia incandescente de la musicalidad de Alice Coltrane—, la pieza logra un intrincado equilibrio entre estructura y espontaneidad. 

La grabación, que se desarrolla a lo largo de poco menos de 44 minutos, comienza en el registro grave del piano, con quintas ondulantes en el centro, creando una base que es a la vez meditativa y premonitoria. La segunda parte se convierte en una exploración del ritmo y los armónicos, con patrones cromáticos articulados en el registro más grave del piano, tocados sin pedal de sustain para enfatizar el ataque y la caída percusivos. En la tercera sección, dos ostinatos de bajo en la mano izquierda se entrelazan con una selección cambiante de intervalos en la derecha, generando un paisaje armónico que se siente a la vez inquietantemente espectral, agudo y evocadoramente etéreo. Por último, la cuarta parte introduce trémolos y movimientos influenciados por el paradiddle, dando forma a una tonalidad de séptima menor casi lírica que se remonta a la sección inicial, completando la pieza con una sensación de resolución y retorno.

Compuesta e interpretada por Alex Zethson, piano de cola.

Grabada en directo en concierto en Dudu Loft, Atenas, octubre de 2024, por Giorgos Kravvaritis y Dimitris Kalamaras. Mezclada por Giorgos Kravvaritis.

Masterizada por Claes «Classe» Persson en CRP.

EASY PIECES

¡Los tres creadores del íntimo mundo musical de Easy Pieces tocan en grupos tan diversos como el trío FUR (también asociado a BMC Records), Pieces of Peace . Su repertorio está formado por composiciones de Benjamin Sauzereau, que se ha unido al sello recientemente pero ya aparece en tres álbumes.

Las  piezas se adaptan a la inusual combinación instrumental del trío: guitarra, piano acústico y teclados electrónicos. Pulidas y vivas, abarcan una amplia gama de caracteres, desde paisajes sonoros plumíferos a elementos abstractos, pasando por sonidos bluesy-rítmicos, inspiraciones de música pop u oscuras disonancias que recuerdan a las películas de Lynch.

La precisión, la fuerza emocional y la delicadeza deliberada dan forma decisiva a las miniaturas de la banda, y el delicado equilibrio demuestra un profundo conocimiento de estos dos mundos.

JOE LOVANO - HOMAGE

Joe Lovano y sus conspiradores polacos del trío Marcin Wasilewski tienen un espíritu especialmente aventurero en su segundo trabajo conjunto para ECM. El álbum fue grabado en una sesión de estudio en medio de la residencia del grupo en el Village Vanguard a finales de otoño de 2023, revelando estructuras fluidas a medida que se desarrollan. Una rara sensación de expresividad y afinidad espiritual adorna la sesión.

Con una duración de más de diez minutos cada una, dos composiciones de larga duración y el tema que da título al disco, «Homage», todas ellas originales de Lovano, constituyen la base del álbum y muestran a los músicos en su momento más exploratorio.

Reavivar la chispa en el estudio no fue tarea difícil para el cuarteto, sin embargo las giras juntos a lo largo de los años no han hecho más que reforzar esta conexión, tanto dentro como fuera del escenario. Su apertura y espontaneidad permitieron que se produjera un verdadero diálogo musical.

Joe escribió originalmente «Homage», la canción que da título al disco,no utilizó notas, sólo sentimientos escritos en una secuencia de acontecimientos.

«Golden Horn», una de las dos piezas más largas, es una meditación modal en la que las mareas cambian suavemente entre los intérpretes.

Aún más espontaneidad y libertad adornan el corte de doce minutos «This Side - Catville», en el que el cuarteto se embarca en una explosión desenfrenada a través de compases oscilantes y de nuevo cambios armónicos.

El pase del grupo a «Love In The Garden», una composición del violinista polaco Zbigniew Seifert, embellece la evocadora balada con armonías fluidas, es una versión sorprendente y de buen gusto del original más bien eléctrico de los años 70.

Miniaturas improvisadas completan un programa que demuestra  la química perfecta del grupo. ¡¡ A disfrutarlo!!

MINGUS EN ARGENTINA - THE BUENOS AIRES CONCERT

En vísperas de las grabaciones de "Tres o cuatro tonos de blues" y "Cumbia & Jazz Fusion", Charles Mingus dio dos conciertos con su quinteto en Argentina, que en ese momento estaba bajo el yugo de la junta militar de Jorge Videla.

Grabado unos meses antes de que le diagnosticaran la enfermedad de Charcot (un grupo de trastornos de los nervios periféricos con debilidad muscular y pérdida de sensibilidad en las manos y los pies).

Se trata de un precioso e inédito documento en vivo que da testimonio de la extrema vitalidad de la música de Charles Mingus en 1977.

Es difícil, por no decir imposible, no sentirse conmovido, emocionado, incluso hechizado por esa alegría contagiosa de tocar y a la vez rigurosa y totalmente desinhibida, de estas relecturas de clásicos de Mingus, desde Sound Of Love de Duke y por supuesto Ellington hasta Three Or Four Shades Of Blues pasando por la joya intemporal de Goodybye Pork Pie Hat; hasta esta increíble versión de las famosas Fábulas de Faubus, que susurra con toda su fuerza protestante y libertaria (dada la situación política argentina).