MARVIN GAYE’S - 50TH ANNIVERSARY EDITION

Cuenta la historia que con su hermano Frankie de vuelta de Vietnam y luchando por encontrar un trabajo, la tierra mostrando signos de angustia ecológica, la brutalidad policial en una protesta en Berkeley, y un punto de ebullición de la desigualdad en los barrios urbanos negros, Marvin Gaye escribió una conmovedora petición para que nos organizáramos y abordáramos estos problemas a menudo ignorados. 

Cincuenta años más tarde, la influencia y el significado de uno de los primeros álbumes conceptuales de R&B sin fisuras, What's Going On, siguen vigentes. Llamando a un país roto, Gaye buscó la razón y la esperanza en un mundo que se sentía desesperado y sin sentido. Abrió la puerta musical, cultural y política para que innumerables músicos de las últimas cinco décadas abordaran, con una profundidad y complejidad vulnerables, las injusticias de nuestro mundo. 

Para rendir homenaje a este disco trascendental y celebrar la vida y el legado de Gaye, Motown/UMe presentan  exactamente 50 años después del lanzamiento original del álbum, una serie de lanzamientos que conservan y reimaginan la esencia de "What's Going On".

En representación de las generaciones más jóvenes, el virtuoso del R&B Jac Ross ha lanzado una versión de "What's Going On" ; Ross se ha dado a conocer rápidamente en la escena del R&B con su single "It's OK To Be Black" y ha creado una gran expectación en torno a su eléctrico espectáculo en directo y su capacidad para conectar con los oyentes a través de sus canciones. 

Muy influenciado por Gaye y esforzándose por continuar con los mensajes de lucha, perseverancia y cambio cultural, la versión de Ross honra y preserva la atmósfera original del tema, al tiempo que impregna el peso y la emoción del clima social actual.

"Sinceramente, consideraría "What's Going On" como una de las mejores piezas que he escuchado", dice Ross. "Tiene sustancia y carisma al mismo tiempo. Para mí, el álbum es un proyecto con conciencia social. 

Es lo que Marvin ve, convirtiéndose en lo que dice en tiempo real.  Incluso cuando avanzamos hacia el presente, esta obra mantiene el mismo impacto. El proyecto inspiró mi carrera de muchas maneras, una de las cuales es simplemente hacer un esfuerzo real para hablar cuando es el momento adecuado. Otra cosa que he aprendido viendo la carrera de Marvin es que se puede ser versátil. Simplemente debes prestar atención a lo que el mundo te dice en ese momento".

Una de las personas más influyentes y con más éxito en el hip-hop de las últimas décadas, Young Guru, anuncia que su remezcla de "What's Going On" se publicará en junio. Ingeniero ganador del Grammy por : "Everything Is Love de The Carters", Young Guru ha trabajado estrechamente con artistas que definen el género. Con What's Going On como influencia para sí mismo y para los muchos artistas con los que ha trabajado, Guru está desarrollando una versión del tema con los géneros, los ritmos y los tonos que inspiró la obra de Gaye. 

"Mi objetivo era fusionar los mundos de donde vengo", dice Guru. "Este disco afectó a mi padre cuando salió, pero también quiero que afecte a mi hijo ahora mismo con esta remezcla. Y para mí, eso es lo más importante, mostrar la reverencia, pero también mostrar cómo sigue siendo eficaz hoy en día y cómo todavía va con los tiempos actuales."

El reconocimiento también llega al otro lado del Atlántico, a Canterbury Crescent, en Brixton (Reino Unido), donde el artista visual Dreph está revelando un mural con un estilo cinematográfico de película negra de los 70 que rinde homenaje al 40º aniversario del levantamiento de Brixton de 1981. El arte representa el mensaje musical de What's Going On, que seguía teniendo su importancia entre la brutalidad policial y la desigualdad racial en 1981 y sigue alentando el movimiento de justicia social de hoy.

Ofreciendo una opción para explorar la propia canción del título, Motown/UMe han lanzado un nuevo lyric video para "What's Going On" con el cautivador arte del animador y director Tim Fox. También se han lanzado ocho pseudovídeos completamente nuevos para el resto de las canciones del disco original, cada uno de ellos animado por un artista diferente para que coincida con el mensaje y la atmósfera de la canción, ofreciendo un complemento visual dinámico a la experiencia auditiva. 

Sin dudas; "What's Going On" de Marvin Gaye sigue siendo aclamado como uno de los mejores álbumes de todos los tiempos. Fue el primero de los álbumes de Gaye en entrar en el Top 10 de los LPs de Billboard, y generó tres singles número 1, en su momento. Sin dudas un acontecimiento, que no hay que dejar pasar , tanto para el público que lo conoció en aquellos años, como para las generaciones venideras.

RARO, ÍNTIMO Y ESPIRITUAL ÁLBUM DE ALICE COLTRANE

El mundo escuchará por fin una grabación íntima y espiritual realizada por la madrina del jazz místico, Alice Coltrane. Grabado en 1981 y nunca compartido en esta forma con el mundo en general, Kirtan: Turiya Sings es una impresionante colección de nueve canciones devocionales, con la combinación nunca antes escuchada de la voz y el órgano de Alice Coltrane. El mismo, estará disponible el 16 de julio en Impulse! Records/UMe, como parte de la celebración del 60º aniversario del legendario sello.

Aunque muchos la conocen como la compañera musical y esposa de John Coltrane, Alice Coltrane es venerada por sus innovadoras contribuciones al jazz espiritual con sus legendarias grabaciones de Impulse! Journey in Satchidananda y Ptah, The El Daoud, entre otras. A lo largo de la década de 1970, además de mantener la apretada agenda de una artista de grabaciones y giras, Alice Coltrane se sumergió en las filosofías orientales, las mitologías y las prácticas religiosas védicas. A principios de la década de 1980, se había convertido en gurú y maestra espiritual y comenzó a hacer música exclusivamente para su comunidad en el Centro Vedántico, al noroeste de Los Ángeles.

La grabación original de estas canciones, Turiya Sings, se editó exclusivamente en casete en 1982 para los estudiantes del ashram. Además de la voz y el órgano de Alice, la grabación incluía sintetizadores, cuerdas y efectos de sonido. En 2004, el hijo de Alice y productor de este disco, Ravi Coltrane, encontró mezclas que nunca había escuchado de sólo la voz de Alice y su órgano Wurlitzer. Sabía que esto era lo que el mundo tenía que escuchar. 

"En este entorno sentí la mayor sensación de su pasión, devoción y exaltación al cantar estas canciones en alabanza al Supremo. En ese momento, supe que la gente necesitaba escuchar Turiya Sings en este contexto". Ravi continúa, "como su hijo, creciendo y oyéndola tocar estas canciones en el mismo Wurlitzer que se escucha en esta grabación, reconozco que esta elección mantiene la pureza y la esencia de la visión musical y espiritual de Alice. En muchos sentidos, esta nueva claridad lleva estos cantos a un lugar aún más elevado". 

Los acordes de apertura de Kirtan: Turiya Sings son una cortina que se abre hacia un reino de espiritualidad y devoción que sólo Alice Coltrane podría conjurar. Este álbum no es jazz, no es improvisado. Es intencional, devocional y espiritual. Esta música, cantada en sánscrito, es espaciosa y grande, la voz de Alice tiene peso y poder, su forma de tocar el órgano es sólida como una roca, palpitante, un caldero de influencias musicales que se pueden escuchar desde su vida.

RAVI COLTRANE ES QUIEN MEJOR RESUME LA IMPORTANCIA MUSICAL DE ESTE ÁLBUM:

"En este álbum, su oído se dirigirá hacia el sonido del blues, al gospel, a la iglesia negra americana, a menudo combinado con el estilo de canto carnático del sur de la India. Escuchará hermosas armonías influenciadas por las raíces de Alice en Detroit/Motown, sus raíces en el bebop, el impacto de John Coltrane y su absorción de la música clásica europea, particularmente la de su favorito: Igor Stravinsky. Pero, al mismo tiempo, ésta es una música funcional. Su propósito es, con luz y amor, alabar los nombres del Supremo. En este álbum, tu corazón y tu espíritu se volcarán hacia la inspiración y la apreciación divinas". 

Kirtan: Turiya Sings fue mezclado por Steve Genewick y masterizado por Kevin Reeves a partir de masters originales. Este es el mismo equipo que trabajó con el productor Ravi Coltrane en el último álbum de Alice Coltrane, Translinear Light de 2004. Las lacas fueron cortadas por Ryan D. Smith en Sterling Sound y prensadas en Furnace. El álbum estará disponible en vinilo, CD, descarga digital y streaming, así como en streaming de alta resolución con sonido de calidad de estudio.

La grabación original de estas canciones, Turiya Sings, se editó exclusivamente en casete en 1982 para los estudiantes del ashram. Además de la voz y el órgano de Alice, la grabación incluía sintetizadores, cuerdas y efectos de sonido. En 2004, el hijo de Alice y productor de este disco, Ravi Coltrane, encontró mezclas que nunca había escuchado de sólo la voz de Alice y su órgano Wurlitzer. Sabía que esto era lo que el mundo tenía que escuchar.  

 

LEE MORGAN XL

Blue Note Records ha anunciado una reedición ampliada del histórico álbum.

Esta edición definitiva ( la que le precedió contaba con 3 cds ) producida por Zev Feldman y David Weiss estará disponible en un box set de 8 CD y un juego de vinilo de 180g totalmente analógico de 12 LP de edición limitada.

Programado para su lanzamiento el 30 de julio, Lee Morgan: "The Complete Live At The Lighthouse", presenta por primera vez los 12 conjuntos de música del legendario quinteto de trompetistas con el saxofonista Bennie Maupin, el pianista Harold Mabern, el bajista Jymie Merritt y el baterista Mickey Roker; grabado durante su compromiso histórico en "The Lighthouse en Hermosa Beach, California", del 10 al 12 de julio de 1970.

"Live at the Lighthouse" probablemente nos da la imagen más clara de hacia dónde se dirigía Lee Morgan y, como tal, es un trabajo de monumental importancia", dice Don Was, presidente de Blue Note Records.

“En cierto sentido, es música sagrada”, agrega Merritt. "Y eso fue lo que sentí a lo largo de las actuaciones en The Lighthouse, esta fue una música totalmente sin concesiones en términos de la forma en que se trabajó".

Editado originalmente en 1971 como un set de 2 LP, y luego expandida a un set de 3 CD en 1996, esta edición definitiva producida por Zev Feldman y David Weiss estará disponible como un box - set de: 

8 CDS y una edición limitada de 12 LP de 180 gramos totalmente analógico que incluye 33 actuaciones de más de cuatro horas de música inédita.

Ambos formatos están acompañados de un hermoso librito con nuevas entrevistas a Bennie Maupin y la última extensa con Jymie Merritt antes de su fallecimiento el año pasado; y se suman ensayos de Jeffery McMillan (autor de Delightfulee: "La vida y la música de Lee Morgan") y Michael Cuscuna; además infaltables declaraciones de : Jack DeJohnette, Wallace Roney, Nicholas Payton, Charles Tolliver, Eddie Henderson, Dave Douglas y otros; fotografías inéditas de Joel Franklin y Lee Tanner; así como una declaración de la familia de Morgan.

El audio fue mezclado a partir de las cintas originales por Steve Genewick en Capitol Studios con masterización en LP de Kevin Gray; y el CD fue realizado por Robert Vosgien en Capitol Studios. Una obra para no dejar pasar, que con justicia transmite sabiduría y autoridad.

EXPERIENCIAS EXTREMAS

Existe una dinámica parasitaria entre los miembros del dúo capitalino. Es fácil darse cuenta al ver sus presentaciones en vivo: se puede apreciar cómo ambos agotan su energía en favor de algo que los trasciende. No hay una distinción clara entre los ruidos y texturas (aparentemente) aleatorias que provienen de la electrónica y las contorsiones vocales de Rodrigo Ambriz y Julián Bonequi. El dúo siempre ha difuminado la línea que separa el ser, la tecnología y el sonido, y cómo abren su producción más reciente, con cada integrante entrando en escena y luego fusionándose de manera macabra, parece ser una oda a ese manifiesto. Esto queda perfectamente resumido en su arte de portada, la cual representa a un parásito y su anfitrión involuntario. 

Programmatic Evilness comienza con gárgaras, chillidos y silbidos, mientras que los efectos electrónicos intentan seguir el ritmo; finalmente, la batería amplificada de Julián Bonequi llega para agregar volumen y masa, retumbando en un registro grave distorsionado, completando esta escena grotesca. A pesar de su total deslinde de un lenguaje musical establecido, de entre todo el caos podemos identificar un vínculo muy claro con los sonidos de artistas como Hanatarash, Naked City, Yosuke Yamashita, Milford Graves y Senyawa (entre otros pilares de la vanguardia y el ruidismo). Sin embargo, (SIC) mantiene intacta su esencia, operando dentro de su propia burbuja idiosincrásica.

     “Caminata del quemado” es un track que puede resultar engañoso, pues su ritmo constante podría darnos la impresión de que esta será una pieza con una estructura fija, y para los estándares del dúo capitalino, puede que este sea el caso, pero, de hecho, es uno de los mejores momentos del álbum por cómo evoluciona sin perder su toque bizarro. En un breve segmento televisivo dedicado al dúo hace ya algunos años, Bonequi hace mención de cómo es que, sin importar que tan improvisado suene todo, realmente hay un trabajo de composición detrás, y “Caminata” nos deja ver esa parte más organizada.

La producción está en un punto medio en donde podemos apreciar cada detalle con claridad sin que la obra se sienta demasiado pulida y bien portada, pero el aspecto que merece ser resaltado, es que el fulgor de la entrega de Ambriz y Bonequi queda plasmado con esa crudeza que caracteriza sus presentaciones en directo, lo que hace de esta placa un excelente simulacro de lo que se puede esperar al compartir un espacio con el dúo en acción. Momentos como la última mitad de "Aquello que sobreviva" realmente logran crear una presencia más allá de las bocinas. La energía es pesada y uno no puede evitar ser víctima de este nivel de intensidad.

Programmatic Evilness no pierde su fuerza visceral en ningún momento, pues esta energía instintiva siempre ha sido el principal motor del trabajo de (SIC). Todo es propulsado por el ruido, el frenesí y el juego de timbres ásperos tanto de la voz como de las confecciones electrónicas. No obstante, otro elemento bastante inherente de la agrupación es su acercamiento a lo ritualístico, y las piezas que forman esta obra guardan cierta cualidad meditativa y tribal que no está tan latente en trabajos anteriores; de esta manera, Bonequi y Ambriz crean un monstruo que no teme ceder ante sus pulsiones más básicas y salvajes, pero que tampoco se muestra renuente a la introspección, incluso si esta resulta tan violenta y tempestuosa que el caos que se suscita alrededor.  

Rodrigo Ambriz - Vocals + Electronics 

Julian Bonequi - amplified drums + contact mics/strings + vocals 2-5 

Special Guest:

RR - Electronics + Tapes/Modified Cymbal + Vocals 1-3-4

LISTEN  

 

FOCUSYEAR BAND 21 - BOSQUE

Dirigido artísticamente por Wolfgang Muthspiel, junto a Kurt Rosenwinkel, Jeff Ballard,Lionel Loueke, Jorge Rossy y Guillermo Klein entre otros; se dio forma al proyecto en físico y en plataformas virtuales de la mano del sello alemán Neuklang Records.

La narrativa se puede apreciar en 10 cortes, de calidad y riqueza, que mantienen una línea renovada a lo largo del camino. Predominan las conversaciones entre los vientos, y el toque de la voz femenina de alcance íntimo; que calza como guante en los distintos cortes y pinta el espacio sonoro con otro semblante. 

El aporte del grupo donde hay músicos de diversos países, deriva en una experiencia para el oyente que extiende su audición más allá de su líder. Se integran como parte de un puzzle de inspiración y sonido.

Un dato no menor es la participación en tierras lejanas del argentino Sebastian Greschuk. Bien merecido lo tiene este joven león de la localía criolla, que ha dejado sobradas muestras de talento como ejecutante y compositor. 

Una propuesta equilibrada que atrae al viajero no a uno sino a muchos lugares, arropándolo en una suave armoniosidad de tonos contrastados, ubicable dentro del mainstream actual. 

The Focusyear Band are: 

Vocalist: Tatjana Nova (From Dresden By Way Of Moscow) + Saxophonists Joshua Schofield (England) And Gianni Gagliardi (Spain); Trumpeters/Flugelhornists/Valve + Trombonists:Yakiv Tsvietinskyi (Ukraine) + and Sebastián Greschuk (Argentina); pianist Lorenzo Vitolo (Italy);bassist Ethan Cohn (New York, by way of Montreal); and drummer Áron Tálas (Hungary). Ensemble members were selected from a large number of applications.

                                                                   FYB - VIDEO  

https://www.focusyearbasel.com/en.html

 

SONG OF KEMET - BLACK TO THE FUTURE

El saxofonista, compositor, filósofo y escritor Shabaka Hutchings vuelve con un nuevo álbum de su grupo nominado al Premio Mercury, Sons of Kemet. ¡Black To The Future, el cuarto LP de la banda y el segundo en Impulse! Records, sale hoy, 14 de mayo.

 

Se trata del proyecto más dinámico de la banda hasta la fecha, en el que participan destacados vocalistas como Angel Bat Dawid, los poetas Moor Mother y Joshua Idehen, y el artista de grime D Double E. El primer corte, "Hustle", en el que participa Kojey Radical con los coros de la cantante Lianne La Havas, se publicó el 30 de marzo junto con un vídeo metafórico inspirado en el baile y dirigido por Ashleigh Jadee.

 

El segundo, "To Never Forget The Source", salió a la venta el 23 de abril y es la pieza musical central de Black To The Future: la apertura y el final del álbum fluyen hacia el interior a través de este tema instrumental contemplativo y de oración, en el que participan Eddie Wakili-Hick y Tom Skinner en la percusión, Theon Cross en la tuba y Shabaka Hutchings en los vientos de madera. Shabaka, que hizo los arreglos del tema, dice que esta pista es el "punto central (ideológico) del eje". 

 

Continúa:"La Fuente se refiere a los principios que rigen las cosmologías/perspectivas ontológicas tradicionales africanas y simboliza el viaje interior. Es el factor unificador que da sentido tanto a la mirada hacia atrás (al matizar y añadir continuamente profundidad de contextualización y significado al pasado) como a la visión hacia delante (al especular y esforzarse por realizar un futuro mejor para la humanidad)."

 

La última vez que Shabaka Hutchings publicó un disco fue el 13 de marzo de 2020 -en vísperas de la pandemia- con We Are Sent Here By History, de Shabaka & The Ancestors. El "trascendental" (NPR Music) álbum se centraba en temas de confrontación con la destrucción de la humanidad tal y como la conocemos. El tema premonitorio de este disco no pasó desapercibido para quienes lo escucharon.

 

Shabaka Hutchings está siempre en sintonía -si no al frente- con los temas culturales que se arremolinan en nuestro mundo: pasado, presente y futuro. Desentierra mitologías olvidadas, desvela sonidos del pasado y presenta una tesis para el futuro. Esto continúa con Black To The Future, un álbum políticamente conmovedor y musicalmente rico, que parece destinado a ser colocado en la estantería junto a Attica Blues de Archie Shepp o Alabama de John Coltrane.

Musicalmente, Black To The Future es un asunto mayor que los anteriores discos de Sons of Kemet. El grupo principal - Theon Cross (tuba), Edward Wakili-Hick percusión), Tom Skinner (percusión) - se ve reforzado por invitados como el saxofonista británico Steve Williamson, director de banda/vocalista de Chicago Angel Bat Dawid, la poeta estadounidense Moor Mother, el legendario MC británico de Grime D Double E, el artista/rapero/artista musical de la palabra hablada británico Kojey Radical, y otros. Shabaka Hutchings también añade complejas capas de instrumentación de viento de madera a lo largo del disco, lo que hizo durante el encierro.

 

Este álbum comienza y termina con potentes declaraciones líricas y musicales de rabia y frustración, expresadas hacia el exterior tras la muerte de George Floyd y las posteriores protestas de BLM. El álbum fluye hacia el interior desde el principio y el final hacia viajes más profundos e internos, buscando cosmologías olvidadas y buscando nuevas formas de existir.

SONS OF KEMET RELEASES NEW ALBUM

BLACK TO THE FUTURE

IMPULSE! RECORDS

SATISFACTION EN LA ESMA

El compositor, escritor y periodista Abel Gilbert presenta un libro original y agudo sobre el paisaje sonoro de la más cruenta dictadura que haya sufrido la Argentina en el siglo XX. 

A pocas cuadras del Estadio Obras, donde Serú Girán daba su primer concierto, en la Escuela de Mecánica de la Armada sonaban a todo volumen Qué va a ser de ti, por Joan Manuel Serrat, Gracias a la vida, en la voz de Mercedes Sosa, o Satisfaction, el hit de los Rolling Stones, para tapar los gritos de los torturados por los verdugos de la última dictadura. 

Pared por medio de edificios de viviendas donde varias familias seguían con sus normales vidas cotidianas, también se torturaba en pleno centro de Buenos Aires. A pocas cuadras de la sede de espionaje del Ejército, en el prestigioso Teatro Colón, ícono de la lírica internacional, se programaban óperas como Tosca o Fidelio, con escenas de tortura y flagelos a prisioneros, mientras que, puertas afuera, se discutían los alcances de las violaciones a los derechos humanos.

Este libro pone por primera vez juntas muchas cosas que sucedieron simultáneamente sin que las notáramos. Una época donde cantar no solo era una forma de arte, sino el modo de nombrar la confesión de los secuestrados. Donde lo que no se podía ver ni decir, se escuchaba. 

Un recorrido que muestra cómo, aunque no parezcan tener nada que ver, los gritos de los campos de concentración, la materialidad de las voces de los dictadores, la ópera, la música clásica y los más doctos compositores locales, el ascendente rock nacional, las películas cómicas de los ídolos populares, el tango y el folklore creaban un mismo paisaje sonoro: era el trasfondo a veces común a la vida y la muerte. 

"Satisfaction en la ESMA" expone con una escritura virtuosa y fuentes de diverso tipo el inexplorado abanico de las persistentes relaciones entre música, sonido, ruido y política en la etapa de mayor violencia estatal de la Argentina.