RECESO

BLACK MUSIC - LEROI JONES

Caja Negra Editora ha tenido la buena idea de publicar un libro capital dentro del ámbito en que nos movemos, y sumando la fecha de festividades que se aproximan viene ideal regalárselo uno mismo y/o algún afecto cercano por quien sintamos especial aprecio; estas cosas no son para cualquiera, debe ser sentido y merecido.

Les dejo con gusto la sinopsis para que curiosos y aficionados que no lo conozcan aún, se  sumerjan en este magnífico libro muy recomendable:

"La mayoría de los críticos de jazz han sido hasta ahora americanos blancos, mientras que los músicos más importantes no." Con esta frase comienza la compilación que el lector tiene en sus manos, en la que se documenta uno de los ejercicios de crítica musical más radicales y salvajes que alguna vez se haya puesto en práctica.

En estos ensayos, reseñas, entrevistas, notas para discos, crónicas e impresiones personales publicados entre 1959 y 1967, Amiri Baraka retrata la floreciente escena del free jazz, un movimiento que implicó una profundización de las innovaciones sonoras del bebop y la recuperación del jazz como expresión autentica de la cultura afroamericana en un momento en el que su éxito comercial lo había vuelto un género estandarizado y digerible para la América blanca.

Figura central y aglutinante del movimiento beatnik en los años 50 y del Black Power en décadas posteriores, Amiri Baraka hace uso de un lenguaje eléctrico y furioso que refleja la libertad de improvisación del free jazz para dejar en claro que esta música solo puede ser comprendida como parte de un cuerpo de experiencias que a lo largo del siglo XX dieron forma a una nueva conciencia sobre lo que significaba ser negro en los Estados Unidos. Y que por ello sus intérpretes, entre quienes destaca a John Coltrane ("su música es una de las razones por las que el suicidio parece una cosa tan aburrida"), Ornette Coleman, Archie Shepp, Sun Ra, Thelonious Monk, Albert Ayler, Pharoah Sanders, Sonny Rollins, Don Cherry, Wayne Shorter y Cecil Taylor, deben ser considerados, además de grandes músicos, como "intelectuales o místicos, o ambas cosas". 

PABLO BASEZ [ NOVO CUARTETO] – OTROS

He escuchando detenidamente, evitando comparaciones estériles con su anterior registro “Nius On”, la segunda entrega del contrabajista Pablo Basez y llego a la conclusión que “Otros” se presenta ante el oyente como una instancia superadora de la anterior. Moldea un crecimiento exento de ego por parte del líder, abrevando en la aportación colectiva junto a un grupo de jóvenes músicos, que poseen una técnica que se caracteriza por su sensibilidad y entusiasmo de compartir.

El repertorio gira en torno a temas escritos por Pablo, Gonzalo y Rodrigo muy bien estructurados, que sustentan el marco de desarrollo para desmenuzar poco a poco los escollos que recrean y estetizan los diez cortes; cuya sustancia nunca es pretenciosa o impenetrable. A esto cabe sumar el genuino aporte de los músicos invitados que  desde su lugar asisten a la evolución congruente para incrementar posibilidades expresivas.

La “otredad” en filosofía trata sobre el reconocimiento necesario del otro, del prójimo, como elemento constitutivo de la riqueza que puede aportar a pesar de las diferencias, al crecimiento de las personas. En este caso se cumple con temple, este ejemplo que deviene en una música construida desde una esencia orgánica, que conjura la potencia creativa de los firmantes para el resultado final. Una ocasión muy saludable para descubrir una propicia elección que seguro con el tiempo irá sumando nuevos seguidores.

Pablo Basez, contrabajo y dirección

Gonzalo Rodríguez Vicente, saxo tenor

Rodrigo Agudelo Covarrubias, guitarra

Luciano Casas, batería

Músicos invitados

Alan Zimmerman, piano

Fernando Isaia, trompeta

Héctor Sánchez, vibráfono

R:IDJ

ENTREVISTA - ALEJANDRO DEMOGLI

Dentro del gran panorama del jazz local motivado por  una situación que se ha mantenido progresiva y constante en cuanto a  ediciones de discos, festivales y lugares  donde mostrar las distintas propuestas actuales ; nos llega a las manos el último material de Ale Demogli, “Luna”. No es poco que siendo tan joven haya obtenido halagos de John Scofield o que la publicación “Down Beat” lo haya catalogado de virtuoso en su instrumento.

Con un estilo sofisticado influenciado por un toque cristalino, vertiginoso pero siempre cambiante y tenso por momentos, sumado a  una labor del conjunto muy estimulante, Ale ha hecho un disco sustancioso, generando espacio suficiente para el lucimiento grupal con momentos muy recordables que ponderan un intercambio de voces con el resto, en complejas estructuras que manejan con soltura sin perder un ápice de elegancia.

IDJ. Contanos como fue la grabación de “Luna” tu último registro, por lo que pude averiguar, fue grabado y editado casi a la velocidad de la luz

Si la verdad que fue un disco que se hizo súper rápido en un mes y medio…., y no es poca cosa, sobre todo  en la era de la “Edición”…. (todo esta súper editado y recontra producido!) Este cede no tiene absolutamente ni  una sola edición. Es lo que escuchas, ni siquiera hay una sola nota arreglada.

Eso tiene que ver con una postura que tome hace algún tiempo. En realidad los discos que más me gustan (hablando del Jazz) son discos en vivo o discos que si bien están en estudio, no hay nada editado, y son tomas en vivo de esa música tocada en estudio.

Creo que ese es el espíritu del jazz, y se estudia y se trabaja diariamente para que esa perfección se vea plasmada en los trabajos. Que sea algo natural del momento y no preconcebido en un estudio con maquinas.

Por eso creo que el jazz hay que escucharlo en vivo, los compactos solo reflejan el 15 o 20% de lo que la música es en realidad. Y esa realidad en la cual se refleja la interacción en vivo y la reacción del momento, es totalmente descontextualizada y sacrificada cuando se comienza un proceso de edición. La interacción y el groove que es lo que mas me atrajo del jazz (y particularmente creo que es lo que lo mantiene vivo en la actualidad) desparece con la edición, a mi modesto entender.

Hay muchas músicas que se las enrola en las vastas filas del jazz y responden a un espíritu mas cercano al rock  o a la música clásica que al jazz, (hay demasiada producción atrás y la música termina desdibujándose y perdiendo su frescura y naturalidad).

IDJ. ¿Qué experiencia recogiste de Europa y de tus clases en Estados Unidos?, ¿Cómo ven a los músicos Argentinos por aquellos lugares, jazzísticamente hablando?

Estudie en EEUU un tiempo y luego volví para acá unos años. Después de un tiempo decidí volver para allá para ver si podía tocar con los músicos que hacían jazz.

Creo sinceramente que el jazz (como cualquier música popular es netamente de trasmisión oral), es imposible aprenderla comprándote libros, escuchando un par de discos o estudiando en una escuela.

Aprendes a tocar esta música tocándola con los que la hacen, con los maestros, con los que tienen los secretos que ningún libro te va a revelar, salvo ellos (y que a veces ni te lo revelan directamente, sino que  los transmiten por el solo hecho de compartir momentos con ellos), ellos son los que viven a través de esa tradición y filosofía.

Y así fue que volví y tuve la suerte de tocar con Bob Moses, Richard Davis (unos de los mejores contrabajistas de la historia del Jazz), con Dave Liebman (lo mas cercano a Coltrane que escuche en mi vida y a Miles Davis), con Kenny Werner, Ari Hoenig, etc.

Creo que ninguno de estos músicos se plantea de donde venís, algunos ni siquiera sabían donde quedaba exactamente Buenos Aires y Argentina, vagamente….  tenes la suerte de poder tocar con ellos y ahí aprendes, quizás no te dicen mucho, pero si estas ahí es porque realmente podes estar ahí.

Hoy en día creo que el jazz es una música universal, no pertenece a ningún país u extracto social. Es como la música Clásica que en realidad era música europea, pero que se disemino por el mundo, por ser una música extremadamente atractiva. Con el jazz paso lo mismo y hoy en día escuchas músicos de todo el mundo tocando y grabando con los mejores músicos americanos. Creo que esa barrera que antes existía ya desapareció.

IDJ. Desde mi escucha los músicos que participan en el grupo, son geniales, pero destacaría al pianista por sobre los demás, sin desmerecer a nadie. ¿Ya venías trabajando con alguno de ellos?

Nick Hetko es un pianista de 23 años con un futuro increíble, ya esta tocando con lo mejores allá y sin duda en breve se va a comenzar a hablar de el. En el caso de Rick Syracuse, es un contrabajista de extensa trayectoria, toco y grabo con Michael Brecker, Joey Calderazzo, Nick Brignola, entre otros. En el caso del baterista es Jeff Siege Siegel baterista que ha tocado con Ron Carter, Pat Metheny, Sir Roland Hanna, etc.

A Rick y Jeff los conozco de tocar con ellos en Europa, EEUU y Sud America con distintas formaciones. Son músicos súper versátiles y con una solidez increíble!, y Nick sabia que iba a tocar tremendo!

No hubo ensayos y la música se trabajo un poco en el momento y se grabo, manteniendo el más fresco espíritu del Jazz.  En el disco van a encontrar cinco temas propios y arreglos de dos clásicos de Billy Strayhorn, el recordado compositor de la orquesta de Duke Ellington (uno de mis compositores preferidos). 

Los originales son músicas que compuse en los últimos 2 años y ya estaban listas para grabarse. En el caso de Pintando días es un canción en un clave variable 33222 que luego pasa a 3 y 6, etc. dedicado al gran Dino Saluzzi, Mr T (dedicado a Thelonious Monk)  tiene reminiscencias de un blues en 7 pero no. Luna es una balada dedicada a mi hija, Twilight,  es una canción con algunas métricas 7 en el medio, Prisma es un tema de jazz con reminiscencias de algo de los 60’ pero con armonías un poco más modernas.

Los standards que grabé son el hermoso tema "Day Dream" que hice un arreglo en 5 pero con claves que van cambiando a través de las secciones, y el clásico "Isfahan" que tiene un arreglo que modula constantemente.

IDJ. Te comento algo personal (y disculpa la auto referencia), soy muy fanático de Pat Metheny, por él a mis ya lejanos 21 años, entré a profundizar en el jazz, soy de la generación ECM. Y tu sonido tiene fecundos ecos, dicho esto elogiosamente, del aludido y de otros que fueron contemporáneos a él. ¿Qué huella te dejaron como oyente/músico esos artistas?

Creo que Pat popularizó masivamente el sonido de la guitarra limpia de jazz, guitarristas como John Abercrombie utilizaban ese mismo sonido antes (pero al no ser tan famoso) no profundizo el cambio. Pat hizo famoso ese toque y lo llevo a todo el mundo. Con lo cual cualquier guitarrista de jazz que toque una música más contemporánea y con sonido limpio termina bajo su influencia inevitablemente.

Hay un montón de guitarristas modernos que los escuchas tocando guitarras con sonido limpio y suenan así, Jonathan Kreisberg, Adam Rogers, Mike Moreno, Paul Bollenback, Peter Mazza,  incluso Mike Stern (confeso utilizar distorsión para apartarse un poco del sonido Pat).

Lo mismo creo que sucede con el sonido ECM, Manfred Eicher logro grabar con una calidad de sonido muy particular que termino influenciando a toda la industria de la grabación mundialmente. Este disco lo grabamos en NRS en New York, con Scott Petit que a la semana siguiente estaba grabando a John Scofield por ejemplo……. Scott grabo a Danilo Pérez, a Chick Corea, Jack DeJhonette, etc. y conoce mil técnicas de grabación, creo que el sonido que logro captando el momento y la música,  es el  que más mantiene el espíritu verdadero de lo que se toco en el momento.

IDJ. ¿Qué músicos locales están entre tus predilectos? 

Creo que uno de los problemas más  grandes que tenemos los músicos locales de jazz, es que no tenemos apoyo de nadie. Ni el estado, ni entidades privadas apoyan el jazz local, como si lo hacen con otra música como la música clásica o el rock, que si vamos al caso tampoco son músicas que nacieran por estos lugares.

Y eso hace que los músicos de jazz locales hagan todo a pulmón. Es realmente algo muy desgastante y hace que esta música no se desarrolle, ni crezca masivamente.

Este disco Luna por suerte tuve el apoyo de un nuevo sello, que se desprende de una escuela de música de acá de Buenos Aires,  el sello es TAMABA REC y esta producido por Gabriel Mourelos. 

Realmente necesitamos más gente como Gabriel, si vez el festival de Jazz de Buenos Aires el 2013 (pasaron 86000 personas por todos los conciertos y todas las actividades!!!!), esto te demuestra que si hay gente interesada!

Tenemos solo este festival anual y su homónimo en Córdoba (más pequeño). No hay mas nada…. el resto del año tocamos en clubes para 100 personas (en el mejor de los casos). Y esto no lo digo por mi (tengo la suerte de viajar tocando por Europa, EEUU y Sud America permanentemente) lo digo por la cantidad de músicos y estudiantes que hay en Argentina que son muchísimos, que no pueden desarrollarse como músicos cabalmente.

Hace 3 años formamos una Big Band con Daniel Camelo en un club de Jazz que se llama Boris en Buenos Aires. Hace 3 años que estamos tocando todos los domingos a las 20.30hs con muy buena afluencia de público. Eso te demuestra que si se apuesta a la continuidad de los proyectos siempre hay frutos, en esa Big Band hay parte de los mejores músicos argentinos como Juan Cruz de Urquiza, Cirilo Fernández, Gustavo Musso, Richard Nant, Mariano Sivori, etc.

Discografía Referencial:

Ale Demogli Quintet - Just Songs

John Stowell & Ale Demogli Duo - Textures & Counterpoints

Hill Greene+Ale Demogli+Oscar Giunta

Ale Demogli+John Lockwood+Bob Moses

Ale Demogli – Luna

© Impronta de Jazz

 

CHICO HAMILTON - 20|09|1921 - 25|11|2013

Chico Hamilton, uno de los más grandes bateristas del jazz de las últimas seis décadas ha fallecido a los noventa y dos años en Nueva York, según ha confirmado su representante, April Thibeault.

Baterista y músico realmente innovador y referente del cool jazz, Hamilton fue especialmente reconocido por su labor al frente de rompedores quintetos y por su habilidad para descubrir nuevos talentos. 

Educado musicalmente al lado de genios como Charles Mingus, Illinois Jacquet y Dexter Gordon, colaboró a lo largo de su carrera (en la que también tuvo numerosas bandas propias) con artistas como Lionel Hampton, Slim & Slam, Lester Young, Count Basie, Duke Ellington, Nat King Cole, Sammy Davis Jr., Billie Holiday y Gerry Mulligan.

Hamilton grabó su primer disco en 1955, al lado de George Duvivier y Howard Roberts. 

Ese mismo año ponía en marcha un peculiar quinteto con chelo, flauta, guitarra, bajo y batería, un grupo que fue considerado uno de los más importantes del sonido del jazz de la Costa Oeste, formación con la que trabajó durante varios años, y con la que hizo varias grabaciones como «With Strings Attached», «Gongs East»,«The Three Faces of Chico», y «That Hamilton Man». Considerado entonces como un artista de vanguardia, en 1966 formaba una nueva banda al lado de Larry Coryell.

Fuente : ABC

SAN LUIS JAZZ FESTIVAL

Con buena organización y  discreta programación se llevó a cabo la primera edición del San Luis Jazz Festival, 1er Festival Nacional de Jazz en la capital puntana el pasado Viernes 15 y Sábado 16 en el Centro Cultural Puente Blanco. La producción y organización estuvo a cargo de Alberto Neira, en una gesta que apuesta a futuro  con la intención de ir creciendo año tras año.

Para entendernos el jazz que pudimos ver y escuchar se movió por los costados más amigables o mainstream, aunque la oferta estuvo variada, dentro de dichos márgenes.  El “New Jazzy Trío” con la voz cantante de Fabián González en saxo tenor, ofreció en su set  un puñado de standards que fueron de Trane a la Bossa Nova estilo Stan Getz.

Continuó con “No Tan trío”, en clave fusión-jazz y luego “Silvio Páez Cuarteto” con una propuesta muy en vena de grupos como Mezzoforte. “Amy Z y No Rehab Band” fueron también una sorpresa, con la voz de Agustina Zárate, personificando en cuerpo y alma a Amy Winehouse, acompañada por unos músicos muy interesantes, destacándose en la sección de vientos el trompetista y el saxofonista tenor, éste último, con un look del Med Flory de Go West Young Med.

Y cerró Daniel Maza trío con toda su esencia Uruguaya, y su bajo eléctrico rindiéndole homenaje al mítico solo de Jaco “Slang” del 8:30, en algunos pasajes de su performance.

Por cuestiones laborales no pudimos asistir al segundo día y cierre del mismo. La conclusión que sacamos y el deseo que esperamos, es que se sostenga en el tiempo y así generar espacios que se nutran de está música para convertirse en todo un acontecimiento artístico y sociocultural.

De nuestra parte ahí estaremos para apoyarlo y desde aquí una felicitación a su organizador y esperar que siga en la brecha juntando voces que se sumen en futuras ediciones. Que así sea.  

R:IDJ

MARCO SANGUINETTI - 8

Cuarta producción del pianista, recompensa a la perseverancia, con una propuesta que surca diversos caminos y lenguajes; expresados con frescura de ideas, con anclaje estético tanto en lo impresionista como lo expresionista.

El disco abre con “Cuchillo” y desde ese comienzo Marco ya deja entrever sus pretensiones sobre el paradigma de su búsqueda sobre Nueva Música Argentina. Ataque directo sobre la composición con cuerdas, maderas, efectos especiales y lo necesario para asumir todo tipo de riesgos en ámbitos de experimentación y audacia.

“Ruedas” se vuelve más ácido  y violento a medida que se lo escucha. Cubierto de cierto espíritu indócil hacia una tendencia que  expande el dulce  caos, recordando que Marco le da un valor añadido a la aportación grupal. “Caminos” se construye sobre la melodía del armonio con tonos y texturas que la hacen sonar distinta al resto del material.

Sin dudas, lo mejor de este trabajo es “No lo sabemos” una delicada pieza melancólica, seductoramente densa  que provoca una gama de sentimientos contrapuestos, agitando los fantasmas del misterio y la tristeza cuyo título responde a la pregunta que le hiciera Henning Lohner a John Cage sobre que es el amor: “No lo sabemos, pensamos  que es el amor a alguien, pero sospechamos que puede ser a nosotros mismos. Simplemente no lo sabemos”. Los sonidos hechos por Migma  cumplen un papel  fundamental en la decoración final y  en general está muy marcada por cierto aire a lo Radiohead, dicho en un sentido laudatorio, cristalizando una redondez que con sus variantes acompaña la escucha y como condimento extra, llena de imágenes la película que cada uno quiera llevar consigo.

“La ventana” se abre y parece un amanecer a campo abierto, es el único tema cantado por Victoria Zotalis a medio camino entre la baguala y el folclore de proyección. “Navigator”, “San Telmo” y “Claramente” aúnan fineza y sensibilidad a esta excelente producción; quizás el segundo sea un intento de representar el mapa emocional del pianista, ese toque vivencial que encarnan las sensaciones del lugar donde vive.

Si me permiten decirlo, todos cumplen pero en el juego de las diferencias vaya desde aquí mención especial para Dj Migma, un verdadero artesano del color musical, que con mucho criterio crea un contraste sonoro encarando las composiciones con impecable imaginación.

Música ajena a los tópicos, con peso y valor propio, fiel testamento de la creatividad del pianista que materializa aristas ocultas y soñadas; brotando hacia un mundo que pide ser escuchado.

Ser auténtico en la vida implica una serie de riesgos a los que creo que Marco está muy acostumbrado a enfrentar.

Marco Sanguinetti - Piano, armonio, cucharas y tabla

Jerónimo Carmona - Contrabajo

Fermín Merlo - Batería

Migma - Bandeja de vinilos

Victoria Zotalis - Voz

Leila Cherro - Violoncelo

Mariano “Manza” Esain - Guitarra

R:IDJ