TORD GUSTAVSEN TRIO - SEEING

Con Seeing, Tord Gustavsen inicia un intrincado nuevo capítulo en su serie de aclamadas grabaciones en trío, iniciada en 2003 con Changing Places, un álbum que hoy se considera un clásico. La nueva grabación, con sus canciones compactas y concentradas, «refleja mi desarrollo personal a medida que envejezco, buscando lo esencial en la vida y en la música», afirma el pianista noruego. El álbum es también el décimo lanzamiento de Gustavsen en ECM Records, un logro digno de mención.

A lo largo de cinco temas originales de Gustavsen, dos corales de Johann Sebastian Bach, un himno tradicional de la iglesia noruega y el coral inglés del siglo XIX «Nearer My God, to Thee», Tord, junto con su viejo aliado Jarle Vespestad a la batería y Steinar Raknes al contrabajo, profundiza en su mezcla única de jazz, blues, gospel, folk escandinavo y música religiosa. «Apreciando las melodías», como dice Tord, la interacción del grupo saca fuerza de la contención, construyendo la música paciente pero concisamente hacia su clímax, mientras el pianista, entretanto un experimentado maestro del formato de trío, dirige con su delicado toque y su sutil brillo gospel.

De este modo, Seeing se caracteriza no sólo por un encantador aire hogareño, sino también por lo que Gustavsen denomina la «eficacia de la forma»: «En este disco no hay muchos solos. En su lugar, hemos intentado invertir nuestra musicalidad en la interacción y la configuración de pequeñas partes improvisadas y en «maximizar» los detalles fundamentales. De este modo, el álbum contrasta con nuestros conciertos en directo, en los que a menudo optamos por formas más épicas y suites más extensas, juntando varios temas y realizando largas improvisaciones libres. 

Pero lo que lo une todo, es que todo consiste en intentar ir a por lo que se siente más vibrante y esencial en el momento; y no seguir un plan o un guión a menos que se sienta realmente bien hacerlo». De particular interés es el trabajo de contrapunto entre el contrabajo y el piano, y el sonido cálido y lleno de madera del contrabajo, sorprendentemente captado en los Estudios La Buissonne, que el trío visitó por primera vez con esta grabación.

AVISHAI COHEN - ASHES TO GOLD

Los primeros momentos de «Ashes to Gold» -la dramática suite en cinco partes que abre el nuevo álbum de Avishai Cohen- presentan el sonido desconocido del gran trompetista de Tel Aviv tocando la flauta, estableciendo un ambiente onírico, casi pastoral, que pronto se desgarrará. Lo que sigue es algo de la música más intensa y concentrada que Cohen y su banda de amigos han grabado hasta la fecha, reflejo de las profundas tensiones de una época convulsa.

Ashes to Gold: la imagen del título está tomada del antiguo arte japonés del kintsugi, el trabajo de reparación de cerámica «en el que se toma lo viejo y lo roto y se intenta juntar las piezas para hacer algo dorado y bello a partir de los fragmentos», dice Avishai Cohen.  «En cierto modo, creo que ahí es donde habitamos. Nuestra realidad. Y aunque esta música no puede evitar reflejar los tiempos en que vivimos, también -en mi imaginación- tiene algo de esperanza. Al menos no es sólo oscura».

El otoño pasado, Cohen tenía intención de tomarse un mes de vacaciones en Israel para escribir la música de su nuevo álbum y tocar las piezas en conciertos de camino a la sesión de grabación en el sur de Francia.  Sin embargo, los cataclismos del 7 de octubre interrumpieron bruscamente los planes de composición:

«No podía escribir nada. No podía tocar la trompeta. A principios de noviembre, le dije a Yonathan [el pianista Yonathan Avishai] que iba a tener que cancelar la gira y la grabación, pero me dijo: 'No. Tenemos que ir a tocar música'. La forma en que lo dijo fue poderosa. Sabía que tenía razón».  

La mayor parte de la suite «Ashes to Gold» se escribió finalmente en el comprimido periodo de tiempo de una semana, «en ese momento en plena locura bélica. Con cohetes volando sobre mi cabeza, alarmas y sirenas sonando, etc.».  ¿Cómo no iba a afectar todo esto a la música? En consecuencia, la suite recorre toda la gama de emociones, desde la ira a la cautela, pasando por una profunda melancolía, y suscita conmovedoras interpretaciones en cada uno de sus registros expresivos.  

Durante la gira, Cohen fue añadiendo secciones a la música y aprovechó las pruebas de sonido para ensayarlas. «Después de un ensayo en Rumanía, supe que me faltaba un tema. Tenía el timbre y el sonido en la cabeza, pero aún tenía que escribirlo.  El promotor local me encontró un estudio que tenía un pequeño Casio, y escribí la música en él». Esto se convirtió en la Parte III de la suite, donde la línea tiernamente lírica de Avishai flota sobre la grave meditación del contrabajo y el piano.

NALA SINEPHRO - ENDLESSNESS

No conocía a la artista en cuestión y debo decir, que me gusto lo que escuche.Es el segundo trabajo de la compositora belga de ambient - jazz  álbum de Nala Sinephro ; un viaje de 45 minutos un latido de arpegios de sintetizador.

Incluye una completa sección rítmica y de vientos, así como  un potente conjunto de 21 cuerdas a cargo de la londinense  Orchestrate Sinephro , que arregla  y dirige todo en Endlessness, y la vez que toca los sintetizadores y el piano. Es una obra conmovedora y envolvente que sigue el ciclo de la vida y el renacimiento. Cruda y emocional, la  atmósfera y melodía, cada movimiento  rebosante de optimismo juvenil.

MIKLÓS LUKÁCS - TIMELESS

Tras sus proyectos contemporáneos y de jazz de los últimos años, Miklós Lukács, embajador del cimbalom en Hungría y en todo el mundo, ha vuelto a la belleza pura en su nuevo álbum en solitario Timeless, arreglando canciones conocidas de John Lennon y Paul McCartney, Sting, Ennio Morricone, Leonard Bernstein, Keith Jarrett, Harold Arlen y Rezső Seress, para expresar la intemporalidad de la música dentro de un marco acústico y tonal. 

Sin embargo, hacer arreglos no significa que intente llegar a un público más amplio tocando canciones populares en el cimbalom. Al contrario, se une a los compositores originales como cocreador, lo que le permite interpretar canciones conocidas con el mismo valor que el canon contemporáneo, en consonancia con su propia personalidad y resaltando la versatilidad de su instrumento. 

La historia musical del pasado se cuela una y otra vez en sus arreglos como un dulce condimento, ya sea bajo el ropaje de la música clásica, del jazz o de las culturas musicales tradicionales. Sin embargo, se centra principalmente en el presente y no en los precursores musicales, por lo que las melodías cantables atrapan la memoria emocional del oyente y al mismo tiempo nos proporcionan el placer de una primera audición. Los arreglos se complementan con una composición original, Aura - Hommage à Péter Eötvös, en la que Miklós Lukács crea una nueva cualidad al fusionar el melodicismo accesible y la experiencia en la música contemporánea.

Miklós Lukács es un auténtico embajador de su instrumento: ha llevado el cimbalom como instrumento solista a la vanguardia de la música contemporánea y el jazz tanto en su país como en el extranjero, y ha desarrollado una serie de técnicas más allá del estilo tradicional de interpretación para conseguir sonidos únicos. Hace casi treinta años, Péter Eötvös le pidió que tocara el cimbalón como solista en el próximo álbum de BMC Records, Atlantis, y desde entonces ha sido un miembro clave de la comunidad artística de BMC. 

Compositores como Eötvös y Béla Szakcsi Lakatos han escrito piezas para él, y ha tocado con músicos y orquestas como Archie Shepp, Bill Frisell, Chris Potter, Uri Caine, Frank London y la Orquesta Sinfónica de la BBC. 

Ha aparecido en más de una docena de álbumes de BMC Records, primero como músico de acompañamiento de grupos internacionales, y luego dando un paso al frente para realizar sus propios proyectos, por ejemplo con su Cimbiosis Trio, y ahora en el álbum en solitario Timeless. 

Tras sus logros en la música contemporánea y el jazz, había llegado el momento de centrar su atención en la vertiente popular del repertorio, en la que vuelve a ser pionero: nunca antes se había publicado un álbum que mostrara la diversidad y el potencial del cimbalom solista interpretando canciones conocidas.