KEITH JARRETT – THE OLD COUNTRY

 

Las grabaciones de Keith Jarrett desde el Deer Head Inn ocupan un lugar especial entre sus grabaciones dedicadas a la exploración de los estándares de jazz y el cancionero americano. Y The Old Country es un documento de especial significación histórica, desde varias perspectivas.

El Deer Head Inn, situado en la región de Delaware Water Gap, en Pensilvania, ha presentado música en directo ininterrumpidamente desde 1950, lo que lo convierte en uno de los clubes de jazz más antiguos de Estados Unidos. En 1961, el club ofreció a Jarrett, que entonces tenía 16 años, su primera actuación como líder de un trío de piano. Cuando los propietarios, Bob y Fay Lehr, se jubilaron y cedieron las riendas a su hija Dona y a su yerno Christopher Solliday, Jarrett se ofreció a volver a tocar allí, para honrar el compromiso permanente del club con el jazz.

El 16 de septiembre de 1992, Jarrett, acompañado por Gary Peacock y Paul Motian, tocó ante una sala abarrotada. No hubo promoción, pero la noticia corrió de boca en boca. El Deer Head es un local íntimo y el periódico Allentown Morning Call informó posteriormente de que «de las 130 personas que había dentro del club, 30 tuvieron que quedarse de pie. En el porche exterior, otras 50 o 60 personas permanecieron de pie».

La actuación, organizada espontáneamente, fue la única ocasión en la que Jarrett, Peacock y Motian tocaron como trío. Peacock, por aquel entonces, era un miembro consagrado del trío Standards que completaba Jack DeJohnette. Motian había sido batería del «cuarteto americano» de Jarrett (véase The Survivors Suite y Eyes of the Heart), pero no había trabajado con Jarrett desde la disolución de ese grupo. «No sólo hacía 30 años que no tocaba el piano en el Deer Head, sino que hacía 16 que no tocaba con Paul Motian. Así que fue como una reunión y una jam session al mismo tiempo», escribió Jarrett en las notas de At The Deer Head Inn, la primera selección de material de este concierto, en 1994.

El proyecto Deer Head se basó en viejas amistades. La grabación fue iniciada por Bill Goodwin, que había tocado la batería en Gary Burton & Keith Jarrett (Atlantic) en 1970, antes de unirse al Phil Woods Quartet, habituales del Deer Head durante muchos años. Goodwin propuso una grabación documental para referencia personal de Jarrett, pero al escucharla Jarrett reconoció «que esto tenía que ser editado....». Creo que en esta cinta se puede escuchar lo que es el jazz».  

Cuando At The Deer Head Inn se publicó en 1994, la prensa estuvo de acuerdo. «La música tiene la fuerza y el lirismo descarado de los mejores trabajos de Keith Jarrett», escribió Stereophile. Gramophone, por su parte, hablaba de una interpretación «hechizante», y Los Angeles Times elogiaba «un compendio de gracia».

Treinta años después, había llegado el momento de revisitar el material. Keith Jarrett y Manfred Eicher seleccionaron las ocho piezas inéditas que componen The Old Country, un segundo volumen de la interpretación de Deer Head. 

El repertorio incluye una ración doble de Cole Porter con «Everything I Love» y «All of You», «Straight No Chaser» de Thelonious Monk, «I Fall In Love Too Easily» de Jule Styne, «Someday My Prince Will Come» de Frank Churchill, «How Long Has This Been Going On» de Gershwin, «Golden Earrings» de Victor Young y «The Old Country» de Nat Adderley.

COLIN VALLON + PATRICET MORET + JULIAN SARTORIOUS - SAMARES

El lirismo y la melancolía de las composiciones de Colin Vallon, así como la discreta interacción a tres bandas de su trío, siguen siendo una marca registrada de Samares. Sin embargo, mucho ha evolucionado  el sonido del grupo del pianista suizo desde su último disco para ECM, Danse de 2017, ya que la química de la banda se ha fortalecido aún más; profundizando en gruesos tapices sonoros de trío. Se exploran los extremos dinámicos y los ganchos afinados -algunos melódicos, otros armónicos, otros basados en el ritmo- se ensamblan pacientemente, a menudo completados de manera hipnotizante.  Sutiles giros rítmicos y progresiones armónicas construidas en torno a tríadas de piano recuerdan inspiraciones vanguardistas del mundo del art-rock, otras exposiciones revelan un trío de jazz muy unido que elabora un sonido de cámara centrado en la escucha atenta y la reacción. En conjunto, los diversos impulsos están conectados por un tema subyacente que impregna la música como un latido.

«Racine» (raíz), “Ronce” (zarza o mora), “Brin” (ramita o brizna de hierba), “Samares”... la idea aglutinante del nuevo álbum en trío de Colin Vallon está claramente deletreada, tanto en las canciones que lo componen como en su propio título. El término francés «Samares» hace referencia al fruto de la samara que, mezcla de semilla y hoja, se caracteriza por sus alas, como las de los arces, que caen de sus ramas en graciosas piruetas y aterrizan siempre con elegancia. 

Esta imaginería no podría encajar mejor con los mundos sonoros contemplativos que se despliegan a lo largo de este disco. Acompañado de nuevo por el contrabajista Patrice Moret y el baterista Julian Sartorius, el pianista descubre un programa que refleja inspiraciones de la naturaleza con surcos orgánicos y una interacción aparentemente telepática. 

«Creo que el desarrollo de nuestro trío siempre ha ido encaminado a encontrar un sonido colectivo y no a centrarse en interpretaciones individuales», dice Colin. «Compartimos el amor por las texturas y las mezclas. Julian es un maestro a la hora de crear una atmósfera única y tiene un gran sentido del espacio para cada pieza musical. Su paleta sonora va mucho más allá de la batería y su forma de tocar es extremadamente original. Y el apoyo de Patrice, pero también su forma de orquestar la música y sus ideas creativas a la hora de dar forma a las canciones; son elementos esenciales para nuestra identidad colectiva.»

Con «Racine», el álbum comienza con una nota solemne e introspectiva, con escobillas contra la caja que parecen emular suaves olas rompiendo contra la orilla. Funciona como preámbulo para las grandes ondas líricas de piano que dominan «Mars», una progresión única desarrollada dinámicamente en un crescendo constante. Profundamente compenetrado, el trío fluye y refluye, formando un único aliento.

«Lou» y “Timo” llevan el nombre de los hijos de Vallon, lo que marca otro cambio que ha marcado la vida del pianista desde el último álbum: la paternidad. Primero rumiativa, espaciosa, «Lou» desarrolla un pulso firme en torno a una progresión melancólica, mientras que el furor rítmico animado de «Timo» constituye el telón de fondo de una improvisación silenciada de piano preparado. 

Dotada del ritmo más contundente del disco, «Ronce» se inscribe en la línea de las composiciones del tipo de «Timo» y «Mars» antes mencionadas, presentando un movimiento en espiral hacia delante, donde la energía del trío construye un arco largo y cautivador. Aquí, Vallon altera el tono del piano con ligeras modulaciones de sintetizador para conseguir un efecto inquietante. «Étincelle» puede considerarse el polo opuesto en su diseño de rubato, con su suave arpegio de piano acompañado de agudas salpicaduras de platillos y firmes punteos de contrabajo que crean un impulso inesperado; en su conclusión, los frenéticos platillos se desvanecen con la misma naturalidad con la que entraron en escena.

Mientras tanto, la experiencia del grupo en directo ha aumentado exponencialmente, debido entre otras cosas a la serie de conciertos quincenales del trío en Thun, que «cambió radicalmente el sonido de la banda, reforzando una enorme complicidad en nuestra forma de tocar». Diría que entre Le Vent y Samares desarrollamos una conexión más profunda, así como una forma más libre de tocar. El material evolucionó de forma natural, juntos y con el tiempo, permitiendo más exploraciones y más contrastes». 

WILLIAM PARKER + COOPER MOORE + HAMID DRAKE - HEART TRIO

El baterista vanguardista estadounidense Hamid Drake dice de su hermano rítmico, el contrabajista William Parker, que posee el maravilloso don de la música creativa con cualquier instrumento. Este nuevo álbum lo demuestra una vez más magníficamente. El trío  reúne en este doble acto ideal, a Cooper Moore, que cambió su piano favorito por instrumentos propios fabricados con materiales reciclados.

Hamid Drake utiliza una batería minimalista y su famosa pandereta. Parker abandona su legendario contrabajo y se expresa libremente con un n'goni, un tambor de Oriente Medio y toda una variedad de flautas étnicas de bambú, cedro y nogal.

Fortalecidos por su complicidad forjada desde 2012 en el seno del cuarteto Parkin Order: "To Order To Survive' y su fenomenal destreza; estos tres ágiles felinos improvisan espontáneamente y esculpen con cariño una deliciosa mezcla de música  orgánica y global.  Toman prestado generosamente de los folclores de África, Oriente Medio y Serbia en un un viaje extraordinario, fascinante y reconfortante. Muy recomendable, para buscadores de rarezas. 

YAMA KAWA UMI

Yama Kawa Umi significa en japonés montaña, río, océano. Es un título apropiado para el segundo lanzamiento del trío formado por la pianista Satoko Fujii, el trompetista Natsuki Tamura y el baterista Ramón López; una grabación de composiciones e improvisaciones expansivas, conmovedoras y profundas. La grabación verá la luz el 6 de diciembre de 2024 a través de Not Two Records.

Los tres músicos se reunieron por primera vez en el año 2020 para Mantle, que Ivana Ng de DownBeat calificó como «una asociación dinámica que traza un nuevo territorio en la música creativa, mientras que Troy Dostert de All About Jazz encontró que »... incluso en sus momentos más extremos, este trío todavía puede encontrar ese equilibrio difícil de alcanzar entre la energía cruda y la elegante moderación.» 

Ahora se han reunido para Yama Kawa Umi, que mezcla originales de Fujii y Tamura con una improvisación en grupo, y amplía el arte del trío incluso más allá de la alta marca que establecieron con su debut. 

 

BRAD MEHLDAU - UN CANON PERSONAL

Como pianista innovador y constantemente inventivo, Brad Mehldau ha atraído a un ingente número de seguidores a lo largo de los años, quienes aguardan una experiencia singular e intensa en sus actuaciones. Con este libro, Brad busca extender esa experiencia, compartiendo elementos muy personales de su vida y cómo se fusionaron para convertirlo en el músico y persona que es hoy. 

Esta obra dibuja un retrato vibrante del mundo del jazz en Nueva York a finales de los 80 y principios de los 90, mostrando cómo una generación de músicos llevó su arte hacia nuevas direcciones, aprovechando un sinfín de influencias pero manteniendo la tradición, tanto la arraigada en el mundo del jazz como en el clásico. La atmósfera de los clubes, la escena creativa en Manhattan y Brooklyn están brillantemente plasmadas. 

Se evoca la formación del cuarteto con Joshua Redman, así como de los propios grupos de Brad, que lleva a su aclamada serie de grabaciones Art of the Trio con el bajista Larry Grenadier y el baterista Jorge Rossy, y sus posteriores revisiones de Bach o Brahms. Brad no esconde nada cuando aborda el período de adicción a la heroína; su dolorosa decadencia y su redención final hacen que la lectura sea emotiva y, a menudo, angustiosa. Sus lecturas y audiciones son una constante referencia, desde las obras de James Joyce y Thomas Mann hasta el rock progresivo y Bob Dylan, sin olvidar a críticos como Harold Bloom. 

El libro traslada una experiencia vivida intensamente. Íntimo, vulnerable y profundo, ofrece una mirada al interior de la mente de un artista en la cima de su talento y con sus propias palabras. "Una escritura increíble, libre y afilada como un cuchillo. Brad escribe palabras como toca el piano, con una fuerza delicada y el don de acceder a recuerdos para convertirlos en emociones. 

Me siento afortunado al ser contemporáneo de Brad. Amo su escritura tanto como su música".Dice  "Brad Mehldau es el Jefe de nuestra generación. Su música es magia, un asombroso prodigio de comunión creativa y empática, del cual he sido testigo una y otra vez. En estas memorias penetrantes y provocadoras comparte con nosotros algunos de los secretos ocultos tras sus numerosos sortilegios. Una lectura valiosa para cualquiera que esté intrigado por el origen del genio". 

Se consigue en el país, a los valores actuales, es decir caro!! 

QUETZAL - ABACAXI

Los quetzales son aves de colores llamativas de la familia de los trogones. Sus alas son adecuadas para camuflarse en condiciones de lluvia. El nombre quetzal , del náhuatl mesoamericano, hace referencia a «un penacho de plumas erguido» en términos de ponerse de pie. 

El origen de los churros no está claro. Una teoría sugiere que el concepto fue traído a Europa desde China por los portugueses Otra teoría es que el churro fue hecho por los pastores españoles para sustituir a los productos horneados frescos. La pasta de churro era fácil de hacer y freír en un fuego abierto en las montañas, donde los pastores pasan la mayor parte del tiempo.

Carton Records, es un sello, que viene abriéndose paso, demostrando que sus propuestas, hay que echarles el oído con atención.

CECIL TAYOR - IN THE BREWING LUMINOUS

«La vida de Cecil Taylor fue una cadena de misterios que formaron un hermoso collar de preciosos sonidos, danzas y poesía que él llamó música. El libro de Philip Freeman In the Brewing Luminous nos ofrece una maravillosa visión de la vida y la música de Cecil. Esperemos que este libro nos inspire a todos de formas que no podemos imaginar». (William Parker).

Durante 60 años, la música de Cecil Taylor marcó la frontera más lejana del jazz de vanguardia. Sus volcánicas improvisaciones al piano, ejecutadas con un asombroso dominio técnico y una potencia implacable a ritmo de maratón, se consideraban lo máximo del free jazz. Pero Taylor era mucho más que eso: Fue uno de los grandes compositores y arreglistas del jazz (y de Estados Unidos), que desarrolló una voz compositiva única e instantáneamente reconocible y un método radical de transmitir sus ideas que, en efecto, enseñó a los miembros de sus conjuntos a hablar un lenguaje musical totalmente nuevo.

In the Brewing Luminous es la primera biografía completa de Cecil Taylor. In the Brewing Luminous lleva al lector desde su nacimiento en 1929 hasta su muerte en 2018 y más allá. Ofrece un análisis detallado de su extensa obra, que abarca actuaciones en solitario y conjuntos de todos los tamaños, desde dúos hasta grandes bandas, e incluye obras destinadas a acompañar a bailarines y representaciones teatrales.

También explora su poesía y el entorno más amplio del que formó parte. Taylor no era una isla; era un fijo de la escena cultural neoyorquina y fue recibido con los brazos abiertos en Alemania, Italia, Japón y otros lugares. Y no trabajaba aislado: sus grupos eran colaboradores cruciales, y su música era imposible de imaginar sin las contribuciones de músicos como el saxofonista alto Jimmy Lyons, el contrabajista William Parker y el baterista Andrew Cyrille, de todos los cuales y de muchos más se habla aquí también.

¡Philip Freeman es un veterano periodista musical y autor de New York Is Now! The New Wave Of Free Jazz, Running The Voodoo Down: The Electric Music Of Miles Davis y Ugly Beauty: Jazz In The 21st Century. Vive en Montana.

"I am very thankful to Philip Freeman for sending me this book. I recommend it to everyone reading!!

Estoy muy agradecido con Philip Freeman por enviarme este libro. ¡Se lo recomiendo a todos los lectores!

NODES - MELDS

MELDS es el segundo lanzamiento de NODES, un conjunto colectivo que combina un «tenor-trío» tradicional con electrónica en directo. Este álbum trata de combinaciones distintivas y profundas , de una interacción en escalas temporales cortas y largas. 

Los miembros acústicos del grupo amplían su paleta sonora estándar con efectos de audio y percusión auxiliar. Una configuración electrónica personalizada añade una nueva dimensión mediante síntesis en directo, efectos de audio aplicados a los miembros del trío , grabación y reproducción en directo, con manipulación del material musical creado por los instrumentos acústicos. 

Esta capa se combina con el trío para crear texturas únicas e impresiones sónicas de otro mundo que, a su vez, hacen que los demás miembros del conjunto reaccionen y toquen de nuevas maneras.

Este disco es una evolución de la primera grabación, Incubated Dilemma Machine. Hay más desarrollo temático y un mayor nivel de confianza y escucha. La electrónica se integra y combina a la perfección con los músicos. La espontaneidad y la sorpresa son dos cosas que valoramos mucho en la música; esta banda y su material presentan sorpresas a cada paso, creando una estructura satisfactoria y puntos de llegada en un contexto de improvisación libre.

Las primeras 21 pistas se agrupan en tres formas más amplias, cada grupo termina con una pregunta. Entre muchas de esas pistas hay pistas postproducidas que recontextualizan y combinan materiales circundantes, para crear transiciones  relacionadas con la identidad de cada grupo. 

El álbum termina con la interpretación de la hermosa partitura gráfica de Lisa Renée Coons, She/Storm; que colaboró en la interpretación del texto, los insectos, las imágenes médicas y la poesía negra, recitada por John Hébert. 

Este proyecto supuso una nueva aventura  y su evocadora imaginería suscitó algunas interpretaciones notables por parte de los músicos, una de cuyas versiones se recoge en este disco y proporciona una hermosa terminación que sigue las numerosas elipsis.

 

TORD GUSTAVSEN TRIO - SEEING

Con Seeing, Tord Gustavsen inicia un intrincado nuevo capítulo en su serie de aclamadas grabaciones en trío, iniciada en 2003 con Changing Places, un álbum que hoy se considera un clásico. La nueva grabación, con sus canciones compactas y concentradas, «refleja mi desarrollo personal a medida que envejezco, buscando lo esencial en la vida y en la música», afirma el pianista noruego. El álbum es también el décimo lanzamiento de Gustavsen en ECM Records, un logro digno de mención.

A lo largo de cinco temas originales de Gustavsen, dos corales de Johann Sebastian Bach, un himno tradicional de la iglesia noruega y el coral inglés del siglo XIX «Nearer My God, to Thee», Tord, junto con su viejo aliado Jarle Vespestad a la batería y Steinar Raknes al contrabajo, profundiza en su mezcla única de jazz, blues, gospel, folk escandinavo y música religiosa. «Apreciando las melodías», como dice Tord, la interacción del grupo saca fuerza de la contención, construyendo la música paciente pero concisamente hacia su clímax, mientras el pianista, entretanto un experimentado maestro del formato de trío, dirige con su delicado toque y su sutil brillo gospel.

De este modo, Seeing se caracteriza no sólo por un encantador aire hogareño, sino también por lo que Gustavsen denomina la «eficacia de la forma»: «En este disco no hay muchos solos. En su lugar, hemos intentado invertir nuestra musicalidad en la interacción y la configuración de pequeñas partes improvisadas y en «maximizar» los detalles fundamentales. De este modo, el álbum contrasta con nuestros conciertos en directo, en los que a menudo optamos por formas más épicas y suites más extensas, juntando varios temas y realizando largas improvisaciones libres. 

Pero lo que lo une todo, es que todo consiste en intentar ir a por lo que se siente más vibrante y esencial en el momento; y no seguir un plan o un guión a menos que se sienta realmente bien hacerlo». De particular interés es el trabajo de contrapunto entre el contrabajo y el piano, y el sonido cálido y lleno de madera del contrabajo, sorprendentemente captado en los Estudios La Buissonne, que el trío visitó por primera vez con esta grabación.

AVISHAI COHEN - ASHES TO GOLD

Los primeros momentos de «Ashes to Gold» -la dramática suite en cinco partes que abre el nuevo álbum de Avishai Cohen- presentan el sonido desconocido del gran trompetista de Tel Aviv tocando la flauta, estableciendo un ambiente onírico, casi pastoral, que pronto se desgarrará. Lo que sigue es algo de la música más intensa y concentrada que Cohen y su banda de amigos han grabado hasta la fecha, reflejo de las profundas tensiones de una época convulsa.

Ashes to Gold: la imagen del título está tomada del antiguo arte japonés del kintsugi, el trabajo de reparación de cerámica «en el que se toma lo viejo y lo roto y se intenta juntar las piezas para hacer algo dorado y bello a partir de los fragmentos», dice Avishai Cohen.  «En cierto modo, creo que ahí es donde habitamos. Nuestra realidad. Y aunque esta música no puede evitar reflejar los tiempos en que vivimos, también -en mi imaginación- tiene algo de esperanza. Al menos no es sólo oscura».

El otoño pasado, Cohen tenía intención de tomarse un mes de vacaciones en Israel para escribir la música de su nuevo álbum y tocar las piezas en conciertos de camino a la sesión de grabación en el sur de Francia.  Sin embargo, los cataclismos del 7 de octubre interrumpieron bruscamente los planes de composición:

«No podía escribir nada. No podía tocar la trompeta. A principios de noviembre, le dije a Yonathan [el pianista Yonathan Avishai] que iba a tener que cancelar la gira y la grabación, pero me dijo: 'No. Tenemos que ir a tocar música'. La forma en que lo dijo fue poderosa. Sabía que tenía razón».  

La mayor parte de la suite «Ashes to Gold» se escribió finalmente en el comprimido periodo de tiempo de una semana, «en ese momento en plena locura bélica. Con cohetes volando sobre mi cabeza, alarmas y sirenas sonando, etc.».  ¿Cómo no iba a afectar todo esto a la música? En consecuencia, la suite recorre toda la gama de emociones, desde la ira a la cautela, pasando por una profunda melancolía, y suscita conmovedoras interpretaciones en cada uno de sus registros expresivos.  

Durante la gira, Cohen fue añadiendo secciones a la música y aprovechó las pruebas de sonido para ensayarlas. «Después de un ensayo en Rumanía, supe que me faltaba un tema. Tenía el timbre y el sonido en la cabeza, pero aún tenía que escribirlo.  El promotor local me encontró un estudio que tenía un pequeño Casio, y escribí la música en él». Esto se convirtió en la Parte III de la suite, donde la línea tiernamente lírica de Avishai flota sobre la grave meditación del contrabajo y el piano.

NALA SINEPHRO - ENDLESSNESS

No conocía a la artista en cuestión y debo decir, que me gusto lo que escuche.Es el segundo trabajo de la compositora belga de ambient - jazz  álbum de Nala Sinephro ; un viaje de 45 minutos un latido de arpegios de sintetizador.

Incluye una completa sección rítmica y de vientos, así como  un potente conjunto de 21 cuerdas a cargo de la londinense  Orchestrate Sinephro , que arregla  y dirige todo en Endlessness, y la vez que toca los sintetizadores y el piano. Es una obra conmovedora y envolvente que sigue el ciclo de la vida y el renacimiento. Cruda y emocional, la  atmósfera y melodía, cada movimiento  rebosante de optimismo juvenil.

MIKLÓS LUKÁCS - TIMELESS

Tras sus proyectos contemporáneos y de jazz de los últimos años, Miklós Lukács, embajador del cimbalom en Hungría y en todo el mundo, ha vuelto a la belleza pura en su nuevo álbum en solitario Timeless, arreglando canciones conocidas de John Lennon y Paul McCartney, Sting, Ennio Morricone, Leonard Bernstein, Keith Jarrett, Harold Arlen y Rezső Seress, para expresar la intemporalidad de la música dentro de un marco acústico y tonal. 

Sin embargo, hacer arreglos no significa que intente llegar a un público más amplio tocando canciones populares en el cimbalom. Al contrario, se une a los compositores originales como cocreador, lo que le permite interpretar canciones conocidas con el mismo valor que el canon contemporáneo, en consonancia con su propia personalidad y resaltando la versatilidad de su instrumento. 

La historia musical del pasado se cuela una y otra vez en sus arreglos como un dulce condimento, ya sea bajo el ropaje de la música clásica, del jazz o de las culturas musicales tradicionales. Sin embargo, se centra principalmente en el presente y no en los precursores musicales, por lo que las melodías cantables atrapan la memoria emocional del oyente y al mismo tiempo nos proporcionan el placer de una primera audición. Los arreglos se complementan con una composición original, Aura - Hommage à Péter Eötvös, en la que Miklós Lukács crea una nueva cualidad al fusionar el melodicismo accesible y la experiencia en la música contemporánea.

Miklós Lukács es un auténtico embajador de su instrumento: ha llevado el cimbalom como instrumento solista a la vanguardia de la música contemporánea y el jazz tanto en su país como en el extranjero, y ha desarrollado una serie de técnicas más allá del estilo tradicional de interpretación para conseguir sonidos únicos. Hace casi treinta años, Péter Eötvös le pidió que tocara el cimbalón como solista en el próximo álbum de BMC Records, Atlantis, y desde entonces ha sido un miembro clave de la comunidad artística de BMC. 

Compositores como Eötvös y Béla Szakcsi Lakatos han escrito piezas para él, y ha tocado con músicos y orquestas como Archie Shepp, Bill Frisell, Chris Potter, Uri Caine, Frank London y la Orquesta Sinfónica de la BBC. 

Ha aparecido en más de una docena de álbumes de BMC Records, primero como músico de acompañamiento de grupos internacionales, y luego dando un paso al frente para realizar sus propios proyectos, por ejemplo con su Cimbiosis Trio, y ahora en el álbum en solitario Timeless. 

Tras sus logros en la música contemporánea y el jazz, había llegado el momento de centrar su atención en la vertiente popular del repertorio, en la que vuelve a ser pionero: nunca antes se había publicado un álbum que mostrara la diversidad y el potencial del cimbalom solista interpretando canciones conocidas.

 

LUCIAN BAN + MAT MANIERI - TRANSYLVANIAN DANCE

Danza transilvana toma como punto de partida transcripciones de canciones populares y melodías de danza recopiladas por Béla Bartók hace un siglo. Para Lucian Ban y Mat Maneri, estas piezas se han convertido en "trampolines y fuentes de material melódico" para interpretaciones "que capturan el espíritu del original pero nos permiten improvisar y aportarles nuestro propio mundo...". explica Ban: "En nuestro proceso no tenemos nociones preconcebidas de cómo debemos arreglar estas canciones. Algunas tienen un enfoque muy improvisado. Otras están más definidas compositiva y armónicamente. Otras combinan material folk con motivos originales nuestros. Si profundizas en el material original, se abren nuevas perspectivas".

Grabado en directo en octubre de 2022 en el contexto del proyecto Retracing Bartók en Timisoara, el álbum también da fe de la fina sintonía que Ban y Maneri han logrado en su larga colaboración musical.

El pianista de origen rumano y el violinista estadounidense tocaron juntos por primera vez en 2009, cuando el Festival George Enescu de Bucarest invitó a Ban a "reimaginar" la música de Enescu para un elenco de músicos de jazz. La particular formación de Maneri en música clásica y contemporánea, así como en improvisación, le convirtieron en el socio ideal para el proyecto. Pronto apareció un álbum a dúo, Transylvanian Concert  y desde entonces Ban y Maneri han colaborado en numerosos proyectos, a menudo tocando en los conjuntos del otro. 

El desarrollo de la música a partir de transcripciones folclóricas de Transilvania se ha convertido en una prioridad en los últimos años, con ambos intérpretes encontrando nuevas libertades en el material. En el presente álbum, Mat Maneri, teniendo presentes las observaciones de Bartók sobre el "tejido conectivo" que une las músicas del mundo, extrae sutilmente influencias de la música árabe, occidental africana y coreana, así como de las ricas y divergentes fuentes folclóricas transilvanas en su forma de tocar la viola, de una liquidez única.

Lucian Ban se trasladó de Rumanía a Estados Unidos en 1999 para acercarse al mundo del jazz que le había inspirado durante tanto tiempo, pero últimamente ha recurrido a recuerdos anteriores en su trabajo. Criado en la comunidad rural transilvana de Teaca, algunos de los primeros sonidos que Ban recuerda son los de la música tradicional que se tocaba en los pueblos. En Transylvanian Dance afloran estos recuerdos. Pero el jazz, por supuesto, nunca está lejos. En "The Boyar's Doina", por ejemplo, el dúo se inspira en "Fleurette Africaine" de Duke Ellington y explora las conexiones entre doina y blues.

Mat Maneri apareció por primera vez en ECM hace casi 30 años, en Three Men Walking de 1995, uno de los varios álbumes con su padre saxofonista y clarinetista, el improvisador, compositor y poeta sonoro Joe Maneri. Entre las grabaciones posteriores con Joe se incluyen In Full Cry y el álbum a dúo Blessed. Tales of Rohnlief y Angles of Repose presentaron las colaboraciones de los Maneri con el bajista Barre Phillips. Mat también ha participado en álbumes de ECM con Robin Williamson y Ches Smith, así como en su propio álbum para violín solo Trinity.

Lucian Ban y Mat Maneri llevarán la música de Transylvanian Dance de gira en los próximos meses, con conciertos a ambos lados del Atlántico.

PATRICIA BRENNAN – BREAKING STRETCH

En su tercer álbum, ferozmente original, la imaginación creativa de la vibrafonista, marimbista y compositora Patricia Brennan se expande de nuevo, con un septeto formado por Brennan, la contrabajista Kim Cass, el baterista Marcus Gilmore y el percusionista Mauricio Herrera, además de un aventurero trío de vientos: Jon Irabagon a los saxos alto y sopranino, Mark Shim al tenor y Adam O'Farrill a la trompeta y la electrónica. 

Se trata de un enriquecimiento de los temas e influencias que hicieron de More Touch una experiencia memorable: música clásica contemporánea y jazz de vanguardia, tradiciones folclóricas del México natal de Brennan y una gran cantidad de inspiraciones rítmicas de su juventud, desde sonidos afrocaribeños hasta funk, salsa y bandas de rock con metales. Imprescindible!!!!!

LEO GENOVESE - FORWARD

Durante más de 20 años, el maestro pianista Leonardo Genovese ha viajado por todo el mundo tocando inolvidable música cósmica para la gente.  Como uno de los principales colaboradores de 577 Records, ha realizado muchos álbumes populares con el sello.  Ahora vuelven a formar equipo para su debut en solitario con la compañía.

Forward, un álbum onírico de dos canciones, presenta una cautivadora música abstracta que sólo puede describirse como salvaje, libre y viva.  Se grabó en directo en su actuación de marzo de 2024 en el New York Forward Festival de Brooklyn, un evento centrado en las artes que se ha convertido en un fenómeno mundial.

El talentoso pianista ha tocado el piano desde una edad temprana y también ha dominado otros instrumentos a lo largo de su trayectoria profesional. Nacido y criado en Venado Tuerto (Argentina), Leo vive ahora en Nueva York.  Es conocido por su música experimental y aventurera, y recientemente ha ganado un premio Grammy al "Mejor Solo de Jazz Improvisado".

Leo Genovese: solo piano

A NEW DAY - GIOVANNI GUIDI

Reavivando la familiar y fluida interacción con sus compañeros de viaje Thomas Morgan y João Lobo (la asociación musical del trío se remonta ya a más de una década). En A New Day el pianista italiano Giovanni Guidi amplía además el alcance instrumental del grupo con la introducción del saxofonista americano James Brandon Lewis, que hace aquí su debut con ECM. No sólo se amplía el alcance del conjunto; con Brandon Lewis a bordo, se exploran nuevos dialectos y nuevas perspectivas, y se toman diferentes caminos instrumentales, inspirados por un mayor sentido general de la comunicación y el tono inconfundible y seguro de Lewis.

El rubato no es sólo el principio rector, sino la consecuencia inevitable de la unión de estas fuerzas individuales, y el resultado es mucho mejor por ello. A lo largo del conjunto, un pulso relativo, más que un tiempo estricto, dicta el flujo y reflujo orgánico de la expresión musical, a medida que los cuatro músicos, muy compenetrados, intercambian ideas, miradas o incluso simples atisbos de pensamiento, desarrollados -como puntos de conexión- para un todo mayor. Mientras navegan por este laberinto de impulsos y reacciones, se entonan melodías poderosas, a menudo melancólicas, que se elevan de forma natural -casi autónoma- desde las respectivas estructuras como picos montañosos que se abren paso entre las nubes. 

El trío de Guidi -completado por el contrabajista estadounidense Thomas Morgan y el batería brasileño Joao Lobo- debutó en 2013 con City Of Broken Dreams, al que siguió en 2015 con This Is The Day (ambos ECM). Los dos álbumes labraron un nicho para el grupo: abstracto pero bellamente lírico, sobrio, frecuentemente rubato y poseedor de un grado de interacción entre los músicos cercano al celular. En 2019, Guidi, deseoso de ampliar la paleta sónica del trío, trajo a bordo al saxofonista tenor invitado Francesco Bearzatti y al guitarrista Roberto Cecchetto para su tercer álbum, Avec Le Temps (ECM).

Mientras tanto, de vuelta en el rancho, el otrora especialista en música gospel Lewis estaba haciendo una transición al jazz informado por la fe, debutando en 2014 con Divine Travels (Okeh). Aunque por los pelos, el apogeo de esta trayectoria es posiblemente la obra maestra de 2023 For Mahalia With Love (Tao). En 2024, Lewis, deseoso de ampliar su paleta, participó como invitado en The Messthetics And James Brandon Lewis (Impulse!), un mash-up de rock/jazz en toda regla.

Giovanni Guidi: Piano

Brandon Lewis: Saxofón

Thomas Morgan: Contrabajo

Joao Lobo: Batería

BLACK DIAMOND - FURNITURE OF THE MIND REARRANGING

El grupo de Chicago Black Diamond debuta en "We Jazz Records" con su nuevo trabajo Furniture Of the Mind Rearranging el 5 de julio. Codirigido por Artie Black y Hunter Diamond (compositores, saxos y otras maderas), Black Diamond aparece tanto en formaciones de cuarteto como de dúo. 

Las tres primeras caras del álbum presentan al cuarteto, completado con los miembros veteranos de la banda Matt Ulery (contrabajo) y Neil Hemphill (batería), contrabajo el título Furniture Of the Mind. Las dos pistas restantes de la cara D llevan por título The Mind Rearranging, con Black y Diamond presentando un meditativo encuentro a dúo de dos saxos tenores.

Furniture Of the Mind Rearranging es un ensamblaje de nuevas composiciones e improvisaciones que desarrollan el sonido establecido de la banda y ejemplifican la forma en que esta banda se integra en la comunidad musical creativa de Chicago. 

El cuarteto transita por sus rangos estéticos familiares entre el groove fuera de lo común, el minimalismo quejumbroso y la música de cámara íntima, con el espíritu siempre presente del jazz en pequeños grupos y una influencia flotante de la cultura de la música improvisada de Chicago.

Y aunque esta colección representa tres álbumes anteriores y más de una década de estrecha relación y evolución artística entre los colíderes Black y Diamond, ninguno de los dos se muestra demasiado preciado por ningún elemento del álbum. Se trata sencillamente del último trabajo de lo que sigue siendo una obra en expansión basada en un principio rector: el cultivo sin expectativas.

Empezando por la canción que abre el álbum, "Carrying the Stick", Black Diamond comparte nueva música que engancha de inmediato. Una instrumentación ligera con mucho espacio, un potente experimentalismo basado en el groove y un sentido de introspección meditativa conviven sin esfuerzo en el trabajo de la banda. 

Es música que se sale de la línea temporal, actual por pertenecer a un continuo mucho más amplio que algo específicamente "actual" y efímero. Aunque adobados en los conceptos fundacionales de la música creativa y la rica tradición musical de Chicago, Black Diamond no teme buscar nuevos caminos en su música.

"Zoetic", relacionada con la vitalidad y la naturaleza de lo vivo, fue compuesta por Diamond con motivo de una exposición interdisciplinar (del mismo nombre) celebrada en la Elastic Arts Foundation de Chicago. En este evento, la banda celebró el lanzamiento de nueva música, la artista visual Marine Tempels inauguró una muestra de nuevos cuadros en la galería visual, y todo el recinto fue decorado por un artista botánico local. 

La composición se inspiró en dúos improvisados en vivo anteriores entre Black y Diamond, incluida una actuación particularmente exploratoria en el Festival de Jazz de Chicago de 2018. La intro de dos tenores utiliza una ronda cíclica para integrar al resto de la banda, y luego se despliega en una melodía lastimera pero reforzada.

"Say to Yourself" personifica la flexibilidad de Black Diamond, moviéndose con una sensación de inevitabilidad entre grooves bailables e improvisaciones abstraídas. En este tema la banda desarrolla material en colaboración, hablando un lenguaje compartido nacido de una década de crecimiento como conjunto. El tema principal de la pieza enfatiza la mezcla distintiva de los tenores de Black y Diamond, desplegada a través de la estratificación rítmica y la permutación, a menudo evidentes en la voz compositiva de Black.

Las dos largas improvisaciones a dúo "Mycelium" y "Motor Neurons" que componen The Mind Rearranging rebosan de estímulos visuales y poemas sonoros en miniatura. En este caso, la música da un salto adelante como un diálogo descarnado a dos saxofones que recuerda las austeras y matizadas grabaciones a dúo de los saxofonistas del BAG (Black Artists Group) Oliver Lake y Julius Hemphill's Buster Bee o la canción que da título al disco de los saxofonistas de la "AACM" (Association for the Advancement of Creative Musicians) Joseph Jarman y Anthony Braxton's Together Alone.

Las cuatro caras con dos formaciones fluyen juntas de manera natural, formando una entidad musical idiosincrásica que seguro crecerá con cada nueva vuelta en el tocadiscos. Imprecindible.!!!!!!!

Artie Black; tenor saxophone, bass clarinet

Hunter Diamond; tenor saxophone, flute

Matt Ulery, double bass

Neil Hemphill, drums

ODED TZUR - MY PROPEHT

Hay una intensidad astuta que habita en este trabajo de cinco piezas extensas más una miniatura introductoria, presentando al saxofonista Oded Tzur en una luz que equilibra los extremos: inflexiones brillantes de estribillos ardientes van de la mano con largos pasajes de interacción rumiativa y profundamente sentida. 

En este proceso, el saxofonista exhibe una de sus mejores interpretaciones hasta la fecha. Acompañado por su cuarteto, formado por el pianista Nitai Hershkovits, el contrabajista Petros Klampanis y el nuevo miembro del grupo Cyrano Almeida a la batería, el saxofonista continúa por la senda musical idiosincrásica que se ha labrado -un lenguaje de jazz fluido que combina a la perfección múltiples formas de expresión-, al tiempo que profundiza en el ámbito meditativo y altamente concentrado de la improvisación.

John Fordham, de The Guardian, calificó el último álbum de Tzur, Isabela, como "una sesión hechizante" y "una joya en el calado de jugadas de hacer más con menos", al tiempo que observaba cómo sus "tonos de saxofón se materializan imperceptiblemente,  sus notas frágiles y meticulosamente formadas parecen flotar en el aire quieto". 

En efecto, el tono singularmente suave y aflautado del saxofonista neoyorquino no se parece a ninguno de sus contemporáneos, y su determinación inflexible a la hora de forjarse un camino singular en el reino del jazz y la improvisación es inconfundiblemente suya, y ha alcanzado un nuevo nivel de maduración en My Prophet. Hermosa joya musical,que te envuele como la niebla. 

ODED TZUR  -    TENOR SAXOPHONE

NITAI HERSHKOVITS -    PIANO

PETROS KLAMPANIS    DOUBLE BASS

CYRANO ALMEIDA    DRUMS

INFINITE COSMOS CALLING YOU YOU YOU, VOL. 1

Federico Ughi explora junto a Leo Genovese y Brandon López las vías espaciales su nuevo trabajo "Infinite Cosmos Calling You You You, Vol. 1.  Federico Ughi, mago de la batería y productor, vuelve con un álbum bajo su propio nombre por primera vez en cinco años.

El proyecto cuenta con músicos excepcionales: Leo Genovese, originario de Argentina pero ahora afincado en Brooklyn, a los teclados y sintetizadores, y Brandon López, de NYC, al contrabajo.

Este álbum celebra el avanzado diálogo creativo entre estos artistas sumergiendo por completo al oyente en el mundo sonoro conjurado por el trío. El alcance expansivo de esta experiencia sugiere que la empresa artística de Ughi va más allá de la música en sí y se extiende a la idea de conexión entre los artistas, la música y el público. 

En esta concepción, los músicos son conductos que transmiten el sonido cósmico, del mundo de la música, la dimensión cósmica del sonido y la luz. 

El mensaje se lanza hacia el público y se refracta a través de él, aspirando a alcanzar una especie de conciencia universal a través de la presencia y la participación. 

El trío se aleja de un género específico, abriéndose a posibilidades ilimitadas. Todo es posible cuando estos improvisadores se escuchan tan atentamente. Esta música es dinámica y desafía las etiquetas particulares. Es el lenguaje universal del sonido, las frecuencias, el ritmo y la vibración.

El proyecto está fuertemente influenciado por la música, la filosofía y la personalidad de Sun Ra, a quien está dedicado uno de los temas. Al álbum le seguirá próximamente el Vol. 2, que contendrá la otra mitad del material grabado en su día en "Sear Sound, el estudio de grabación más antiguo de Nueva York.

 

Leo Genovese - Teclados

Brandon Lopez - Bajo

Federico Ughi - Batería

TOMASZ STANKO 4TET - SEPTEMBER NIGHT

Grabado en el Muffathalle de Múnich en septiembre de 2004, este álbum en directo inédito del cuarteto de Tomasz Stanko es un documento fascinante, que capta un capítulo evolutivo de la música del grupo: entre las formas de canción del repertorio de Suspended Night y las áreas de improvisación que los músicos polacos explorarían en Lontano.  El concierto de Múnich fue uno de los momentos culminantes de un año en el que el Cuarteto Stanko dio un número récord de conciertos, con extensas giras por Estados Unidos y Europa. 

El gran trompetista está en su mejor momento carismático, tocando magníficamente, claramente inspirado por el apoyo enérgico y el poder comunicativo de Marcin Wasilewski, Slawomir Kurkiewicz y Michal Miskiewicz, los jóvenes y dinámicos músicos de los que ha sido mentor. 

El trabajo con su cuarteto polaco elevó a Tomasz Stanko a un nuevo nivel de reconocimiento.  Tras la grabación de Soul of Things, el primero de sus discos en ECM con Wasilewski, Kurkiewicz y Miskiewicz, el trompetista ganó el Premio Europeo de Jazz. Del acta del jurado: "Aunque es evidente que Stanko se ha inspirado en modelos americanos, ha desarrollado un sonido único y una música personal que se reconoce al instante y que es inconfundiblemente suya, arraigada en su herencia eslava, su educación romántica y clásica, que recibió en Cracovia antes de iniciar su carrera en el jazz a principios de los años 60. 

Su tono áspero y distintivo transmite una sensación de libertad y de libertad. Su característico tono áspero transmite dramatismo, melancolía, tristeza y dolor existencial. Pionero del free-jazz, se convirtió en uno de los mejores trompetistas, un intérprete de talla mundial, un estilista, un carismático ejecutante y un compositor original, y su música adquiere ahora la sencillez de formas y la suavidad que dan los años de trabajo, exploración y experiencia. Tomasz Stanko: un verdadero maestro y líder del jazz europeo".

"Mi mayor maestro fue, por supuesto, Tomasz Stanko", recordaría el pianista Marcin Wasilewski, tras la muerte del trompetista en 2018. "Crecíamos a su lado y él nos observaba.  Cada concierto que tocábamos con él era importante, el más importante, casi como si fuera el último. Ese es el enfoque que nos enseñó: 'cuando toques música, tócala al mil por cien'".

El proceso de "tutoría" de Stanko tenía lugar sobre todo dentro de la propia música. "Tomasz no hablaba mucho con nosotros", dice Michal Miskiewicz, en una entrevista recién publicada en Modern Drummer. "Siempre se trataba de tocar lo que sientes. Ese era el tipo de artista y director de banda que era.  Nos sentíamos muy libres para hacer lo que hacemos. Suponía que si no hablábamos de cómo debíamos tocar, lo haríamos mejor".

Aunque Stanko lideró varias bandas sólidas al mismo tiempo en sus últimos años, el cuarteto polaco resultó ser su formación más duradera: empezaron a tocar juntos en 1993 y su último concierto fue en Varsovia en 2017.

El especial entendimiento musical entre Stanko y Wasilewski fue destacado a menudo por la prensa. "La compenetración de Stanko y Wasilewski es asombrosa", escribió Alyn Shipton en The Times, "los dos se deslizan casi a la perfección entre pasajes de melodía intrincadamente compuesta y la improvisación libre sobre los ritmos modales preferidos en la composición".

En 2004, Wasilewski, el contrabajista Slawomir Kurkiewicz y el batería Michal Miskiewicz también se habían labrado una sólida reputación internacional como fuerza potente por derecho propio.  Tras una década como Simple Acoustic Trio, un grupo formado cuando eran adolescentes en Koszalin, estaban en proceso de transición hacia una nueva identidad como Marcin Wasilewski Trio, y cada vez más fuertes artísticamente. "En toda la historia del jazz polaco, nunca hemos tenido un grupo como éste", declaró Tomasz Stanko en su momento. "Estos músicos me sorprenden cada día.  Y cada vez son mejores". 

Entre los últimos lanzamientos del Wasilewski Trio figuran En Attendant y Arctic Riff, este último una colaboración con Joe Lovano. El trío celebra actualmente su trigésimo aniversario.

El concierto del Cuarteto Stanko en el Muffathalle, en septiembre de 2004, se presentó en el marco de un simposio de música improvisada bajo el título Unforeseen, organizado conjuntamente por el Kulturreferat de Munich y el departamento de musicología de la Universidad Ludwig Maximillian. El evento, de una semana de duración, también sirvió de fuente para otras dos grabaciones en directo publicadas anteriormente por ECM: Boustrophedon de Evan Parker y Composition/Improvisation Nos. 1, 2 &3 de Roscoe Mitchell.

Grabado en el Muffathalle de Múnich en septiembre de 2004, este álbum en directo inédito del cuarteto de Tomasz Stanko plasma un documento fascinante, que capta un capítulo evolutivo de la música del grupo: entre las formas de canción del repertorio Suspended Night y las zonas improvisadas que los músicos polacos explorarían en Lontano.  La actuación de Múnich fue un momento culminante en un año en el que el Cuarteto Stanko estaba en estado de gracia. 

Tomasz Stanko Trumpet

Marcin Wasilewski Piano

Slawomir Kurkiewicz Double Bass

Michal Miskiewicz Drums

BRIAN ENO + HOLGER CZUKAY + CAN Y J. PETER SCHWALM

Este experimento ensamblado de más de tres horas de improvisaciones en directo grabadas en Bonn en 1998 celebra el encuentro entre tres extraordinarios creadores: Brian Eno, genio productor e inventor de esta música instrumental conocida como “Ambient”, J. Peter Schwalm experto en música electrónica y miembro del grupo Slop Shop - ambos comparten la misma fascinación por los discos de vinilo que Miles Davis grabó entre 1969 y 1975- y el fallecido Holger Czukay (1938-2017), cofundador del grupo Can, virtuoso manipulador de cintas y casetes de todo tipo. 

Cada uno detrás de sus teclados y máquinas, rivalizan en inventiva mezclando texturas y ritmos (como los típicos del drum & bass) y intercalando muestras de voz, todo ello apoyado por una sección rítmica clásica - bajo y batería  y  groves arropados por los  surcos de las bandejas de vinilo que contrastan con estrategias oblicuas (tomando prestado un término estrategias de los tres pioneros de la velada. 

Tres años después de aquel memorable concierto, Eno y Schwalm grabaron el magnífico «Drawn From Life", sin olvidarse de invitar a Czukay. Indispensable para surfeadores de rarezas.

 

ZTB 3RIO - SPIRITUS MUNDI

EL ZBT Trio  es un grupo europeo consolidado que ha hecho del lenguaje musical de vanguardia su firma estilística y poética. Spiritus Mundi nació de la necesidad de combinar la experiencia acústica del trío con el uso de la electrónica. 

El resultado es un álbum conceptual en el que los diferentes materiales sonoros se mezclan y dialogan entre improvisación libre, como fuerza dominante. También en este trabajo, dialogan con la parte electrónica pregrabada y preelaborada por Ondrey Zintaer, que arregló toda la obra.

La investigación musical es empujada hacia la frontera entre el sonido y el ruido, entre el gesto extemporáneo y el gesto compositivo.

Spiritus Mundi es un álbum multidimensional en el que el trío busca romper el horizonte convencional de la música para explorar nuevos territorios. 

Ondrey Zintaer - Tenor and soprano saxes, electronics and voice, Paolo Tognola Piano 

ARILD ANDERSEN + DANIEL SOMMER + ROB LUFT

Arild Andersen,  contrabajista noruego desde hace más de 30 años, leyenda viva de ECM, forja prometedoras relaciones con dos estrellas emergentes: Daniel Sommer en batería) y Rob Luft en guitarra en una exploración expansiva y lúdica de la canción y la improvisación colectiva. 

Dirigido por Sommer, el evento supone el primer capítulo de la muy esperada trilogía nórdica del baterísta , cuyo objetivo es capturar y documentar la improvisación y composición nórdicas a través de tres conjuntos cuidadosamente seleccionados.

La carrera del contrabajista Arild Andersen se remonta a la década de los 70 como uno de los primeros artistas de ECM, colaborando con nombres muy conocidos del género como Jan Garbarek, Don Cherry, Bill Frisell, John Taylor, Sonny Rollins, Chick Corea, y la lista continúa.

El conjunto nació cuando Daniel Sommer seleccionó a Andersen para un proyecto durante sus estudios en la Academia Nacional de Música de Dinamarca. Más tarde, impresionado por las actuaciones de Luft en Irlanda y Noruega, Andersen sugirió ampliar la pareja para formar un trío.

"As Time Passes", es un viaje musical trascendental, desdibuja los roles convencionales de un trío y celebra la evolución del jazz como forma de expresión fluida y versátil. Al dar a cada músico la libertad de convertirse en un colaborador clave en el discurso melódico, el trío canaliza el espíritu de veteranos del jazz como el Bill Evans Trio y el conjunto de free-jazz Air, al tiempo que se hace eco de los sonidos e innovaciones del jazz contemporáneo paneuropeo. 

La claridad compositiva del disco, combinada con la espontaneidad de una actuación en directo, fluye a través de géneros, fronteras y generaciones por igual, mezclando un ambiente de rubato pensativo con grooves enérgicos, destreza instrumental, y un sonido moderno similar al de ECM  y matices folk. Las intrincadas capas de guitarras acústicas sobregrabadas de Luft,  es un gran logro del proyecto. Las vastas reverberaciones y las melodías contrapuntísticas expanden el sonido del trío hacia un mundo inmersivo de texturas.

Plasmado en la belleza descarnada de las líneas del contrabajo de Andersen, los trazos matizados de la batería de Sommer cerrando con los timbres exuberantes y expansivos de la guitarra de Luft, «As Time Passes» es un testimonio de  maravilla perdurable y en constante evolución del jazz europeo. 

Arild Andersen Contrabajo + Daniel Sommer: Batería Rob Luft: Guitarra

ORCHESTRA NAZIONALE DELLA LUNA - SELENE'S VIEW

Fundada por el teclista finlandés Kari Ikonen y el instrumentista de viento belga Manuel Hermia, la "Orchestra Nazionale della Luna" hunde sus raíces en la tradición del jazz, pero está abierta a nuestro tiempo y a todos los horizontes de nuestro vasto mundo.

Sus miembros amplían el campo de un cuarteto clásico invitando a los sonidos de la India y la música árabe, así como a los efectos más electrónicos. Una embriaguez de swing mecido por el modernismo, con la sospecha a veces de una profundidad espiritual en la música, a veces de un humor estrafalario, casi felliniano, hacen de esta "Orchestra Nazionale della Luna" un meteorito musical bastante singular. 

El segundo álbum de la banda, "There's Still Life On Earth" es una declaración musical sobre la crisis ecológica-  y se publicó en 2020 en BMC Records. Su nuevo álbum, Selene's View, cuestiona los trastornos sociales causados por las nuevas tecnologías y la inteligencia artificial, equilibrando composición e improvisación, sonidos acústicos y electrónicos, orden y caos.

Manuel Hermia – Saxophones + flute, Bansouri

Kari Ikonen – piano, moog

Sébastien Boisseau – double bass

Teun Verbruggen – drums

 

 

MÚSICA EXPERIMENTAL ARGENTINA

Un interesante trabajo con entrevistas a importantes artistas y que permite conocer más sobre la experimentación. 

Omar Grandoso y Eugenio Fernández publicaron el libro “Música Experimental Argentina”. Un minucioso trabajo, producido y editado en forma autogestiva, donde detalla el recorrido de la música experimental en nuestro país. Una libre improvisación para generar un contexto sonoro a la hora de componer.

Los autores plantean a lo largo de la obra que nuestro país tiene una de las más activas escenas de música experimental del mundo, aunque a veces esto pasa desapercibido para la gran mayoría de la gente. 

Para entender todo esto, en este último año se realizaron más de 500 eventos relacionados con arte sonoro, improvisación libre, música contemporánea, noise, música electrónica, drone, livecoding, rock experimental, etc.

Omar Grandoso y Eugenio Fernández realizaron un interesante trabajo con entrevistas a importantes artistas del genero. 

Para Grandoso y Fernández, este trabajo nació de la necesidad de saber cómo surgió, se desarrolló y se sigue desarrollando la experimentación musical en la Argentina a través de la voz de sus protagonistas. Para dicho objetivo, los autores realizaron entrevistas a los músicos más relevantes de la escena y a grupos como “Avión negro”, “Capitanes de la Industria”, “Los Síquicos Litoraleños” y “Reynols”.

Además, la obra "Música Experimental Argentina" trae 57 textos de músicos convocados especialmente y textos inéditos de Carolina Rizzi (pianista, compositora y musicoterapeuta) y Adrián Cangi (filósofo, ensayista y docente).

 “Nos gustaría que este libro sea una fuente de información sobre el pasado y el presente de la música experimental en nuestro país y además funcione como una caja de herramientas para músicos y lectores interesados en profundizar en las infinitas posibilidades de la música y el sonido”, describieron sobre el interesante libro.

LOS AUTORES

Omar Grandoso es un músico, diseñador gráfico y docente de Morfología en la UBA desde 1998. En el terreno musical, se interesó mayormente en la improvisación libre como pianista y trombonista, además de incursionar en el uso de otros instrumentos de manufactura propia usando métodos de composición electroacústica.

Tiene varios discos editados como solista y con diferentes ensambles junto a músicos nacionales e internacionales. En el 2019 comenzó a traducir el libro “Free Jazz” de Ekkehard Jost, posteriormente editado por la editorial Letra Sudaca.

Por su parte, Eugenio Damián Fernández es músico, diseñador, dibujante y editor independiente. Codirigió la revista digital de cultura afro “Quilombo” durante siete años. Organizó el festival de publicaciones y músicas libres “Arteria” I y II. Editó “Entrevistas a músicos libres”, una serie de entrevistas a músicos experimentales. Formó parte de varios grupos musicales y en los últimos años se dedicó a la improvisación libre.