lunes, 15 de julio de 2024

BLACK DIAMOND - FURNITURE OF THE MIND REARRANGING

El grupo de Chicago Black Diamond debuta en "We Jazz Records" con su nuevo trabajo Furniture Of the Mind Rearranging el 5 de julio. Codirigido por Artie Black y Hunter Diamond (compositores, saxos y otras maderas), Black Diamond aparece tanto en formaciones de cuarteto como de dúo. 

Las tres primeras caras del álbum presentan al cuarteto, completado con los miembros veteranos de la banda Matt Ulery (contrabajo) y Neil Hemphill (batería), contrabajo el título Furniture Of the Mind. Las dos pistas restantes de la cara D llevan por título The Mind Rearranging, con Black y Diamond presentando un meditativo encuentro a dúo de dos saxos tenores.

Furniture Of the Mind Rearranging es un ensamblaje de nuevas composiciones e improvisaciones que desarrollan el sonido establecido de la banda y ejemplifican la forma en que esta banda se integra en la comunidad musical creativa de Chicago. 

El cuarteto transita por sus rangos estéticos familiares entre el groove fuera de lo común, el minimalismo quejumbroso y la música de cámara íntima, con el espíritu siempre presente del jazz en pequeños grupos y una influencia flotante de la cultura de la música improvisada de Chicago.

Y aunque esta colección representa tres álbumes anteriores y más de una década de estrecha relación y evolución artística entre los colíderes Black y Diamond, ninguno de los dos se muestra demasiado preciado por ningún elemento del álbum. Se trata sencillamente del último trabajo de lo que sigue siendo una obra en expansión basada en un principio rector: el cultivo sin expectativas.

Empezando por la canción que abre el álbum, "Carrying the Stick", Black Diamond comparte nueva música que engancha de inmediato. Una instrumentación ligera con mucho espacio, un potente experimentalismo basado en el groove y un sentido de introspección meditativa conviven sin esfuerzo en el trabajo de la banda. 

Es música que se sale de la línea temporal, actual por pertenecer a un continuo mucho más amplio que algo específicamente "actual" y efímero. Aunque adobados en los conceptos fundacionales de la música creativa y la rica tradición musical de Chicago, Black Diamond no teme buscar nuevos caminos en su música.

"Zoetic", relacionada con la vitalidad y la naturaleza de lo vivo, fue compuesta por Diamond con motivo de una exposición interdisciplinar (del mismo nombre) celebrada en la Elastic Arts Foundation de Chicago. En este evento, la banda celebró el lanzamiento de nueva música, la artista visual Marine Tempels inauguró una muestra de nuevos cuadros en la galería visual, y todo el recinto fue decorado por un artista botánico local. 

La composición se inspiró en dúos improvisados en vivo anteriores entre Black y Diamond, incluida una actuación particularmente exploratoria en el Festival de Jazz de Chicago de 2018. La intro de dos tenores utiliza una ronda cíclica para integrar al resto de la banda, y luego se despliega en una melodía lastimera pero reforzada.

"Say to Yourself" personifica la flexibilidad de Black Diamond, moviéndose con una sensación de inevitabilidad entre grooves bailables e improvisaciones abstraídas. En este tema la banda desarrolla material en colaboración, hablando un lenguaje compartido nacido de una década de crecimiento como conjunto. El tema principal de la pieza enfatiza la mezcla distintiva de los tenores de Black y Diamond, desplegada a través de la estratificación rítmica y la permutación, a menudo evidentes en la voz compositiva de Black.

Las dos largas improvisaciones a dúo "Mycelium" y "Motor Neurons" que componen The Mind Rearranging rebosan de estímulos visuales y poemas sonoros en miniatura. En este caso, la música da un salto adelante como un diálogo descarnado a dos saxofones que recuerda las austeras y matizadas grabaciones a dúo de los saxofonistas del BAG (Black Artists Group) Oliver Lake y Julius Hemphill's Buster Bee o la canción que da título al disco de los saxofonistas de la "AACM" (Association for the Advancement of Creative Musicians) Joseph Jarman y Anthony Braxton's Together Alone.

Las cuatro caras con dos formaciones fluyen juntas de manera natural, formando una entidad musical idiosincrásica que seguro crecerá con cada nueva vuelta en el tocadiscos. Imprecindible.!!!!!!!

Artie Black; tenor saxophone, bass clarinet

Hunter Diamond; tenor saxophone, flute

Matt Ulery, double bass

Neil Hemphill, drums



domingo, 7 de julio de 2024

ODED TZUR - MY PROPEHT

Hay una intensidad astuta que habita en este trabajo de cinco piezas extensas más una miniatura introductoria, presentando al saxofonista Oded Tzur en una luz que equilibra los extremos: inflexiones brillantes de estribillos ardientes van de la mano con largos pasajes de interacción rumiativa y profundamente sentida. 

En este proceso, el saxofonista exhibe una de sus mejores interpretaciones hasta la fecha. Acompañado por su cuarteto, formado por el pianista Nitai Hershkovits, el contrabajista Petros Klampanis y el nuevo miembro del grupo Cyrano Almeida a la batería, el saxofonista continúa por la senda musical idiosincrásica que se ha labrado -un lenguaje de jazz fluido que combina a la perfección múltiples formas de expresión-, al tiempo que profundiza en el ámbito meditativo y altamente concentrado de la improvisación.

John Fordham, de The Guardian, calificó el último álbum de Tzur, Isabela, como "una sesión hechizante" y "una joya en el calado de jugadas de hacer más con menos", al tiempo que observaba cómo sus "tonos de saxofón se materializan imperceptiblemente,  sus notas frágiles y meticulosamente formadas parecen flotar en el aire quieto". 

En efecto, el tono singularmente suave y aflautado del saxofonista neoyorquino no se parece a ninguno de sus contemporáneos, y su determinación inflexible a la hora de forjarse un camino singular en el reino del jazz y la improvisación es inconfundiblemente suya, y ha alcanzado un nuevo nivel de maduración en My Prophet. Hermosa joya musical,que te envuele como la niebla. 

ODED TZUR  -    TENOR SAXOPHONE
NITAI HERSHKOVITS -    PIANO
PETROS KLAMPANIS    DOUBLE BASS
CYRANO ALMEIDA    DRUMS

domingo, 30 de junio de 2024

INFINITE COSMOS CALLING YOU YOU YOU, VOL. 1


Federico Ughi explora junto a Leo Genovese y Brandon López las vías espaciales su nuevo trabajo "Infinite Cosmos Calling You You You, Vol. 1.  Federico Ughi, mago de la batería y productor, vuelve con un álbum bajo su propio nombre por primera vez en cinco años.

El proyecto cuenta con músicos excepcionales: Leo Genovese, originario de Argentina pero ahora afincado en Brooklyn, a los teclados y sintetizadores, y Brandon López, de NYC, al contrabajo.

Este álbum celebra el avanzado diálogo creativo entre estos artistas sumergiendo por completo al oyente en el mundo sonoro conjurado por el trío. El alcance expansivo de esta experiencia sugiere que la empresa artística de Ughi va más allá de la música en sí y se extiende a la idea de conexión entre los artistas, la música y el público. 

En esta concepción, los músicos son conductos que transmiten el sonido cósmico, del mundo de la música, la dimensión cósmica del sonido y la luz. 

El mensaje se lanza hacia el público y se refracta a través de él, aspirando a alcanzar una especie de conciencia universal a través de la presencia y la participación. 

El trío se aleja de un género específico, abriéndose a posibilidades ilimitadas. Todo es posible cuando estos improvisadores se escuchan tan atentamente. Esta música es dinámica y desafía las etiquetas particulares. Es el lenguaje universal del sonido, las frecuencias, el ritmo y la vibración.

El proyecto está fuertemente influenciado por la música, la filosofía y la personalidad de Sun Ra, a quien está dedicado uno de los temas. Al álbum le seguirá próximamente el Vol. 2, que contendrá la otra mitad del material grabado en su día en "Sear Sound, el estudio de grabación más antiguo de Nueva York.
 
Leo Genovese - Teclados
Brandon Lopez - Bajo
Federico Ughi - Batería


sábado, 22 de junio de 2024

TOMASZ STANKO 4TET - SEPTEMBER NIGHT

Grabado en el Muffathalle de Múnich en septiembre de 2004, este álbum en directo inédito del cuarteto de Tomasz Stanko es un documento fascinante, que capta un capítulo evolutivo de la música del grupo: entre las formas de canción del repertorio de Suspended Night y las áreas de improvisación que los músicos polacos explorarían en Lontano.  El concierto de Múnich fue uno de los momentos culminantes de un año en el que el Cuarteto Stanko dio un número récord de conciertos, con extensas giras por Estados Unidos y Europa. 

El gran trompetista está en su mejor momento carismático, tocando magníficamente, claramente inspirado por el apoyo enérgico y el poder comunicativo de Marcin Wasilewski, Slawomir Kurkiewicz y Michal Miskiewicz, los jóvenes y dinámicos músicos de los que ha sido mentor. 

El trabajo con su cuarteto polaco elevó a Tomasz Stanko a un nuevo nivel de reconocimiento.  Tras la grabación de Soul of Things, el primero de sus discos en ECM con Wasilewski, Kurkiewicz y Miskiewicz, el trompetista ganó el Premio Europeo de Jazz. Del acta del jurado: "Aunque es evidente que Stanko se ha inspirado en modelos americanos, ha desarrollado un sonido único y una música personal que se reconoce al instante y que es inconfundiblemente suya, arraigada en su herencia eslava, su educación romántica y clásica, que recibió en Cracovia antes de iniciar su carrera en el jazz a principios de los años 60. 

Su tono áspero y distintivo transmite una sensación de libertad y de libertad. Su característico tono áspero transmite dramatismo, melancolía, tristeza y dolor existencial. Pionero del free-jazz, se convirtió en uno de los mejores trompetistas, un intérprete de talla mundial, un estilista, un carismático ejecutante y un compositor original, y su música adquiere ahora la sencillez de formas y la suavidad que dan los años de trabajo, exploración y experiencia. Tomasz Stanko: un verdadero maestro y líder del jazz europeo".

"Mi mayor maestro fue, por supuesto, Tomasz Stanko", recordaría el pianista Marcin Wasilewski, tras la muerte del trompetista en 2018. "Crecíamos a su lado y él nos observaba.  Cada concierto que tocábamos con él era importante, el más importante, casi como si fuera el último. Ese es el enfoque que nos enseñó: 'cuando toques música, tócala al mil por cien'".

El proceso de "tutoría" de Stanko tenía lugar sobre todo dentro de la propia música. "Tomasz no hablaba mucho con nosotros", dice Michal Miskiewicz, en una entrevista recién publicada en Modern Drummer. "Siempre se trataba de tocar lo que sientes. Ese era el tipo de artista y director de banda que era.  Nos sentíamos muy libres para hacer lo que hacemos. Suponía que si no hablábamos de cómo debíamos tocar, lo haríamos mejor".

Aunque Stanko lideró varias bandas sólidas al mismo tiempo en sus últimos años, el cuarteto polaco resultó ser su formación más duradera: empezaron a tocar juntos en 1993 y su último concierto fue en Varsovia en 2017.

El especial entendimiento musical entre Stanko y Wasilewski fue destacado a menudo por la prensa. "La compenetración de Stanko y Wasilewski es asombrosa", escribió Alyn Shipton en The Times, "los dos se deslizan casi a la perfección entre pasajes de melodía intrincadamente compuesta y la improvisación libre sobre los ritmos modales preferidos en la composición".

En 2004, Wasilewski, el contrabajista Slawomir Kurkiewicz y el batería Michal Miskiewicz también se habían labrado una sólida reputación internacional como fuerza potente por derecho propio.  Tras una década como Simple Acoustic Trio, un grupo formado cuando eran adolescentes en Koszalin, estaban en proceso de transición hacia una nueva identidad como Marcin Wasilewski Trio, y cada vez más fuertes artísticamente. "En toda la historia del jazz polaco, nunca hemos tenido un grupo como éste", declaró Tomasz Stanko en su momento. "Estos músicos me sorprenden cada día.  Y cada vez son mejores". 

Entre los últimos lanzamientos del Wasilewski Trio figuran En Attendant y Arctic Riff, este último una colaboración con Joe Lovano. El trío celebra actualmente su trigésimo aniversario.

El concierto del Cuarteto Stanko en el Muffathalle, en septiembre de 2004, se presentó en el marco de un simposio de música improvisada bajo el título Unforeseen, organizado conjuntamente por el Kulturreferat de Munich y el departamento de musicología de la Universidad Ludwig Maximillian. El evento, de una semana de duración, también sirvió de fuente para otras dos grabaciones en directo publicadas anteriormente por ECM: Boustrophedon de Evan Parker y Composition/Improvisation Nos. 1, 2 &3 de Roscoe Mitchell.

Grabado en el Muffathalle de Múnich en septiembre de 2004, este álbum en directo inédito del cuarteto de Tomasz Stanko plasma un documento fascinante, que capta un capítulo evolutivo de la música del grupo: entre las formas de canción del repertorio Suspended Night y las zonas improvisadas que los músicos polacos explorarían en Lontano.  La actuación de Múnich fue un momento culminante en un año en el que el Cuarteto Stanko estaba en estado de gracia. 

Tomasz Stanko Trumpet

Marcin Wasilewski Piano

Slawomir Kurkiewicz Double Bass

Michal Miskiewicz Drums

domingo, 2 de junio de 2024

BRIAN ENO + HOLGER CZUKAY + CAN Y J. PETER SCHWALM

Este experimento ensamblado de más de tres horas de improvisaciones en directo grabadas en Bonn en 1998 celebra el encuentro entre tres extraordinarios creadores: Brian Eno, genio productor e inventor de esta música instrumental conocida como “Ambient”, J. Peter Schwalm experto en música electrónica y miembro del grupo Slop Shop - ambos comparten la misma fascinación por los discos de vinilo que Miles Davis grabó entre 1969 y 1975- y el fallecido Holger Czukay (1938-2017), cofundador del grupo Can, virtuoso manipulador de cintas y casetes de todo tipo. 

Cada uno detrás de sus teclados y máquinas, rivalizan en inventiva mezclando texturas y ritmos (como los típicos del drum & bass) y intercalando muestras de voz, todo ello apoyado por una sección rítmica clásica - bajo y batería  y  groves arropados por los  surcos de las bandejas de vinilo que contrastan con estrategias oblicuas (tomando prestado un término estrategias de los tres pioneros de la velada. 

Tres años después de aquel memorable concierto, Eno y Schwalm grabaron el magnífico «Drawn From Life", sin olvidarse de invitar a Czukay. Indispensable para surfeadores de rarezas.

 

domingo, 26 de mayo de 2024

ZTB 3RIO - SPIRITUS MUNDI

EL ZBT Trio  es un grupo europeo consolidado que ha hecho del lenguaje musical de vanguardia su firma estilística y poética. Spiritus Mundi nació de la necesidad de combinar la experiencia acústica del trío con el uso de la electrónica. 

El resultado es un álbum conceptual en el que los diferentes materiales sonoros se mezclan y dialogan entre improvisación libre, como fuerza dominante. También en este trabajo, dialogan con la parte electrónica pregrabada y preelaborada por Ondrey Zintaer, que arregló toda la obra.

La investigación musical es empujada hacia la frontera entre el sonido y el ruido, entre el gesto extemporáneo y el gesto compositivo.

Spiritus Mundi es un álbum multidimensional en el que el trío busca romper el horizonte convencional de la música para explorar nuevos territorios. 

Ondrey Zintaer - Tenor and soprano saxes, electronics and voice, Paolo Tognola Piano 


lunes, 20 de mayo de 2024

ARILD ANDERSEN + DANIEL SOMMER + ROB LUFT


Arild Andersen,  contrabajista noruego desde hace más de 30 años, leyenda viva de ECM, forja prometedoras relaciones con dos estrellas emergentes: Daniel Sommer en batería) y Rob Luft en guitarra en una exploración expansiva y lúdica de la canción y la improvisación colectiva. 

Dirigido por Sommer, el evento supone el primer capítulo de la muy esperada trilogía nórdica del baterísta , cuyo objetivo es capturar y documentar la improvisación y composición nórdicas a través de tres conjuntos cuidadosamente seleccionados.

La carrera del contrabajista Arild Andersen se remonta a la década de los 70 como uno de los primeros artistas de ECM, colaborando con nombres muy conocidos del género como Jan Garbarek, Don Cherry, Bill Frisell, John Taylor, Sonny Rollins, Chick Corea, y la lista continúa.

El conjunto nació cuando Daniel Sommer seleccionó a Andersen para un proyecto durante sus estudios en la Academia Nacional de Música de Dinamarca. Más tarde, impresionado por las actuaciones de Luft en Irlanda y Noruega, Andersen sugirió ampliar la pareja para formar un trío.

"As Time Passes", es un viaje musical trascendental, desdibuja los roles convencionales de un trío y celebra la evolución del jazz como forma de expresión fluida y versátil. Al dar a cada músico la libertad de convertirse en un colaborador clave en el discurso melódico, el trío canaliza el espíritu de veteranos del jazz como el Bill Evans Trio y el conjunto de free-jazz Air, al tiempo que se hace eco de los sonidos e innovaciones del jazz contemporáneo paneuropeo. 

La claridad compositiva del disco, combinada con la espontaneidad de una actuación en directo, fluye a través de géneros, fronteras y generaciones por igual, mezclando un ambiente de rubato pensativo con grooves enérgicos, destreza instrumental, y un sonido moderno similar al de ECM  y matices folk. Las intrincadas capas de guitarras acústicas sobregrabadas de Luft,  es un gran logro del proyecto. Las vastas reverberaciones y las melodías contrapuntísticas expanden el sonido del trío hacia un mundo inmersivo de texturas.

Plasmado en la belleza descarnada de las líneas del contrabajo de Andersen, los trazos matizados de la batería de Sommer cerrando con los timbres exuberantes y expansivos de la guitarra de Luft, «As Time Passes» es un testimonio de  maravilla perdurable y en constante evolución del jazz europeo. 

Arild Andersen Contrabajo + Daniel Sommer: Batería Rob Luft: Guitarra