domingo, 20 de noviembre de 2022

WOLFGANG LACKERSCHMID + CHET BAKER


Wolfgang Lackerschmid y Chet Baker se unen en "Welcome Back", una perla de archivo recién descubierta de dos maestros del jazz. 

Via Dot Time Records sello que se dedica a rescatar archivos perdidos o poco conocido por el aficionado abordo la empresa de dar a conocer "Welcome Back", el tercer documento de la vibrante colaboración musical entre el vibrafonista Wolfgang Lackerschmid y la leyenda de la trompeta Chet Baker. Esta colección de nueve temas incluye todas composiciones originales y muestra la notable sinergia entre estos dos titanes del jazz. El elenco de apoyo incluye a Nicola Stylo en la flauta y la guitarra en un tema, los contrabajistas Gunter Lenz y Rocky Knauer, el guitarrista Peri Dos Santos y el baterista Edir Dos Santos.

Grabado en agosto de 1987, este registro muestra vastos paisajes musicales, desde baladas conmovedoras hasta robustos ritmos latinos, siguiendo el paso de sus anteriores lanzamientos de Dot Time, Quintet Sessions 1979 y Ballads for Two.

En Welcome Back, Baker está en plena forma. Se muestra especialmente sensible, y pocas veces se ha observado a Baker en un estado de ánimo tan relajado. El ambiente del estudio, con una chimenea abierta, seguramente contribuyó a este entorno; de hecho, los oyentes pueden escuchar el crepitar de la leña en algunas pistas. Las composiciones son líricas y se combinan bien con su conocida y discreta interpretación, aunque no hay intervenciones vocales. 

Nueve nueve composiciones son la hoja de ruta perfecta para la trompeta de Baker y el formidable enfoque de los solos de Lackerschmid. Lackerschmikd y Baker están en sintonía aquí, emocional y musicalmente, formando una pareja emparejada en el cielo.

Cada una de las nueve selecciones proporciona un marco impresionante para que estos dos maestros muestren su trabajo. En las grabaciones de trío y cuarteto, Lackerschmid renuncia por completo a los matices rítmicos de la batería, y en su lugar da a los oyentes la oportunidad de escuchar profundamente la combinación de los vibráfonos de Lackerschmid y la trompa de Chet. "Un buen baterista es difícil de encontrar y muy caro de emplear", y "no necesito un baterista porque tengo el ritmo en mi cabeza", respondió Chet cuando se le preguntó durante las entrevistas por qué rara vez utiliza un baterista. 

Otra personalidad importante en estas grabaciones es el flautista italiano Nicola Stilo, que acompañó a Chet durante años. Conociéndose bien de numerosas actuaciones conjuntas, tienen una armonía perfecta y, al igual que Chet, toca sus melodías flotantes con elegancia, sin dominar nunca, como un digno acompañante.

Cada uno de los músicos restantes brilla aquí como representantes sobresalientes de sus instrumentos, sin los cuales a la actuación le habría faltado el condimento final. Dos contrabajistas, Lenz y Knauer, aparecen en "Gloria's Answer" y "Volta Trais", respectivamente, y los amigos brasileños Peri y Edir dos Santos se unen a la guitarra y la batería.

Un punto culminante es "Why Shouldn't You Cry", interpretada por el trío, incluido Guenter Lenz. Este tema se utilizó anteriormente como canto fúnebre en el "Ballet de Blancanieves" de Lackerschmid, que se estrenó en noviembre de 1988 en el teatro de la ciudad de Augsburgo. Este título se grabó originalmente con Chet en enero de 1979, para el álbum "Ballads For Two", más tarde el 29 de junio de 1979 en el concierto en vivo en Kongsberg, Noruega, y el 5 de diciembre de 1980 durante el Festival de Jazz de Innsbruck, de nuevo en versión dúo.

El romántico y sentimental "Waltz For Berlin" está dedicado a la palpitante ciudad. Cuando uno escucha la melancólica trompeta de Baker, esta vez acompañado por Stilo (pero a la guitarra), tiene la impresión de que también Baker dio rienda suelta a los recuerdos sentimentales de sus propios tiempos en Berlín... quizás inspirado por los "días frescos" de 1947/48 en la banda del Ejército con emocionantes paseos en barco por el Wannsee, o las noches de 1964 en el Blue Note. Aunque los oyentes nunca lo sabrán con certeza, Welcome Back les invita a fantasear, y a sacar sus propias conclusiones provocadas por esta excepcional musicalidad. 

Mientras Wolfgang Lackerschmid sigue caminando entre nosotros y tocando y componiendo activamente, Chet Baker murió trágicamente en Amsterdam el 13 de mayo de 1988. Estas actuaciones grabadas sirven como un maravilloso, aunque no melancólico, recuerdo de un músico extraordinario, que era único a su manera. Dot Time Records se enorgullece de cimentar aún más el legado de estos dos grandes músicos con su serie Legends.Está en Spotify;una verdadera perla!!!!!! 


domingo, 13 de noviembre de 2022

KRISTÓF BACSÓ + DANIELE CAMARDA - IMAGINARY FACES


Nacidas en el aislamiento de la epidemia, las piezas de Bacsó captan las impresiones de rostros cubiertos por máscaras o sólo visibles en su imaginación. La secuencia dramática de las canciones también revela una historia: cómo nuestras vidas se ven alteradas por un acontecimiento inesperado e imprevisible, cómo reaccionamos ante él -a veces con ironía burlona, a veces con miedo y agresividad-, cuánto anhelamos la esperanza, y cómo encontramos el camino de vuelta a nosotros mismos, en parte aprendiendo a ver el mundo de una manera más compleja, en parte deteniéndonos por un momento para enfrentarnos a nosotros mismos y a nuestras raíces. 

Las tres primeras canciones representan el punto de partida, las cuatro centrales representan los acontecimientos impactantes y las tres últimas representan el asentamiento de la nueva normalidad y el control. Abstracta y rica en capas, directa y atractiva, la música de Triad no es un fenómeno trascendente ajeno al mundo, sino una forma de comunicación que alimenta una estrecha relación con la realidad, reflexionando sobre el momento social, histórico y personal.

Kristóf Bacsó, uno de los principales saxofonistas de la generación intermedia de músicos de jazz húngaros, ha publicado seis álbumes como compositor y líder de banda en el sello BMC Records, y desempeña un papel destacado en la primera big band contemporánea de Hungría, la Modern Art Orchestra. 

Su interpretación también se puede escuchar en muchos otros CD, como "Different Garden" de Gábor Winand y Gábor Gadó. Una influencia decisiva en su carrera fueron las conexiones artísticas que hizo en Berklee: tocó en el Opus Jazz Club con Francesco Guaiana, y dio impactantes conciertos con David Dorůžka y Albert Sanz. Bacsó también tocó y grabó el álbum Pannon Blue con Lionel Loueke para BMC Records. Ahora, como siguiente paso de esta trayectoria artística, ha complementado su trío con Daniele Camarda, que toca el inusual bajo de siete cuerdas.

Kristóf Bacsó - Tenor Saxophone, Effects.

Áron Tálas - Fender Rhodes, Piano, Keyboards.

Márton Juhász - Drums.

Daniele Camarda - Electric Bass, Effects.



domingo, 6 de noviembre de 2022

SANTI DEBRIANO & ARKESTRA BEMBE


Santi Debriano, nacido en Panamá y afincado en Nueva York, huye de la simplicidad. El bajista-compositor, que emigró a Estados Unidos desde Panamá a la edad de cuatro años y posteriormente obtuvo un título de postgrado en etnomusicología por la Universidad de Wesleyan, se ha esforzado por trasladar la tradición afrocaribeña a su obra compositiva. Su última marca, Ashanti, tiene como núcleo el lenguaje y el ritual del África Occidental. Junto con su Arkestra Bembé, Debriano aprovechó el poder del bembé de la tribu yoruba -una celebración que incluye comida, bebida, música y danza- y fabricó su propia tradición de jam session, inspirada en la pandemia, de una intimidad similar. Incontables semanas de bembés dieron como resultado Ashanti, el octavo lanzamiento del bajista como líder y el primero a través de Jojo Records, que saldrá a la venta el 18 de noviembre de 2022.

Durante el cierre de la pandemia, Debriano creó un santuario para los músicos de jazz del área de Nueva York que carecían de un espacio de práctica común. En el sótano de su casa de Staten Island, organizaba bembés semanales, creando un salvavidas musical, un medio de supervivencia, para los artistas hasta que fuera seguro aventurarse de nuevo en el estudio. "Al principio, los bembés semanales eran sueltos y poco estructurados", explica Debriano. "Pero a medida que iban creciendo, me animaba a empezar a ampliar mis arreglos y a experimentar con ellos". 

Estas sesiones ofrecieron al director de la banda la oportunidad de crear composiciones para un elenco más numeroso, al tiempo que presenciaba fantásticas interacciones entre los instrumentistas. Con el paso de las semanas, la imaginación compositiva de Debriano se fue ampliando al mismo tiempo que lo que sería su Arkestra Bembé. Este elenco estelar tiene a Debriano como ancla en el bajo con Robby Ameen en la batería, TK Blue en el saxo alto, Andrea Brachfeld en la flauta, Tommy Morimoto en el saxo tenor, Ray Scro en el saxo barítono, Emile Turner en la trompeta, Adrian Alvárado en la guitarra y Mamiko Watanabe en el piano.

Forjada por desarrollos de acordes desafiantes y variaciones repentinas de tempo, una composición típica de Debriano es matizada e incluso difícil. A través de la participación rutinaria en el taller de estos bembés, los miembros de la banda encontraron una oportunidad íntima para entregarse a los notables escritos de Debriano.

El disco se abre románticamente con "Angel Heart", una dedicatoria a la esposa de Debriano. Con un pulso romántico, la composición es también una clase magistral de interacción intuitiva de las cuerdas, en la que se escucha al brasileño Adrian Alvarádo con sus adagios de guitarra flamenca, mientras Debriano introduce el fraseo africano y caribeño en el bajo. "En el núcleo de 'Angel Heart' hay una melodía que ha estado en mi cabeza durante quizá dos o tres años. La había reescrito y vuelto a escribir. Ahora me doy cuenta de que lo que estaba esperando era un guitarrista como Adrian", dice Debriano.

El tema que da título al disco, "Ashanti", es el más espiritualmente africano en sus intenciones de todos los temas del disco. Casualmente, esta melodía salió del subconsciente de Debriano, "casi completamente intacta", como él mismo describe, y su nombre procede de una conversación que mantuvo con un hombre en la nación de África Occidental, Togo, que le dijo a Debriano que se llamaba como la tribu Ashanti. Impregnado de la ascendencia de su homónimo, "Ashanti" arranca con los estruendos de Robby Ameen e incluye un extenso solo de bajo del líder de la banda.

No es de extrañar que un disco montado bajo la premisa de la supervivencia juegue con tanta imaginación. Los temas consecutivos "Imaginary Guinea" e "Imagined Nation" son místicos y exploratorios por naturaleza, el primero ofrece una oración en trance y espeluznante en compás de 6/8; su melodía está extraída de una creencia folclórica vudú haitiana según la cual cuando un haitiano muere, su alma sigue un río a través del océano Atlántico hasta Guinea, donde residirá permanentemente. Ray Scro se distingue en "Imaginary Guinea" con un solo de saxo bariano resonante y contundente.

Las imágenes del agua siguen fluyendo a lo largo del disco; el arreglo cambiante de "Till Then", del difunto y gran marimbista Bobby Hutcherson, se hizo realidad cuando Debriano pidió a la pianista Mamiko Watanabe que creara una apertura descendente, "como el agua cayendo por una cascada". El resultado es un testimonio de su arte. A continuación, "Spunky" se convierte en una mezcla directa de funk y swing con brillantes contribuciones de la sección de vientos, incluido el sabor de Nueva Orleans del trompetista Emile Turner, nacido en Luisiana. 

"Arkestra Bembé Boogaloo" introduce un ritmo latino alegre y palpitante sostenido por Ameen en la batería sobregrabada en el guiro cubano, sentando las bases de una contagiosa composición afrocaribeña. "Basilar" mantiene este espíritu latinoamericano, con los solos de Tommy Morimoto al saxo tenor y de la inimitable Andrea Brachfeld a la flauta, antes de que un desfile de ritmo culmine a manos de Ameen a la batería. 

Una virtuosa colaboración entre Debriano y el saxofonista Ray Scro da como resultado "Mr. Monk and Mr. Mingus". Escrita por Scro y arreglada por Debriano, la pareja rinde homenaje al uso que ambos gigantes del jazz hacen de la modulación métrica y a su afinidad por la quinta en bemol. Ambos músicos tenían un elevado sentido filosófico de lo que quería decir Mingus cuando afirmó célebremente que "la música tiene que tener El disco se cierra con un arreglo de dos minutos y medio de Charles Mingus, "Portrait", que fue escrito para su esposa, Sue, recientemente fallecida. Debriano rinde homenaje a ambos en este reflexivo solo. 

En el fondo, Ashanti es el producto de un compromiso, un estandarte de simpatía y entendimiento entre músicos nacido de una encrucijada. Con una fijación compartida por esta música, esta práctica de resistencia se convirtió en algo sagrado para los miembros de la Arkestra Bembé, que fusionan sin esfuerzo sus orígenes culturales y creativos en una llanura de comprensión espiritual. "Gracias al espacio físico compartido mientras elaborábamos los detalles de esto durante un largo periodo, creo que hemos podido lograr algo especial que nos ha llevado a todos a un lugar más profundo".



domingo, 30 de octubre de 2022

GONZALO DEL VAL - TORNAVIAJE



Nacido en Miranda de Ebro, inicia su formación musical a la temprana edad de siete años en el Conservatorio Municipal de su ciudad, trasladándose a Madrid donde cursa estudios de batería, composición y arreglos. Becado en el Conservatorio superior de música del Liceo de Barcelona, y obtiene el título Superior de Batería -Jazz” y edita su primer trabajo “Seis cuentos musicales” como proyecto fin de carrera. 

En 2009 es galardonado con la beca“Jóvenes Excelentes” para estudiar en escuela Manhattan School of music de Nueva York. Su dilatada carrera le ha llevado a grabar más de cuarenta discos, participando en multitud de proyectos y colaborando con un gran número de artistas de talla internacional. 

Viene compaginando además su actividad dentro del ámbito de la docencia con la edición de seis discos como líder, coronando su trayectoria con la elección como mejor disco de 2020 con su anterior trabajo “Cancionero”, consagrándose en la actualidad como uno de los músicos más valorados, inquietos y solicitados dentro del panorama del Jazz.

En 2016 se traslada a Dublín donde desarrolla su carrera musical a lo largo de tres años, colaborando con algunos de los músicos más importantes de la escena, fruto de esta experiencia nace “Tornaviaje”. Un disco en el que Gonzalo del Val no solo retoma su faceta de compositor sino que además, se aleja del formato acostumbrado de trio para adaptar y diseñar perfectamente cada una de las composiciones a un formato de cuarteto, considerando tanto el lenguaje como el aporte estilístico de cada uno de los integrantes de la banda. 

Un espectacular cuarteto integrado por Romain Pilon, uno de los guitarristas más destacados e influyentes de la escena francesa y colaborador entre otros de Brian Blade o Greg Hutchinson El reconocido y galardonado trompetista Raynald Colom cuya carrera transcurre al lado de nombres como Nicholas Payton, Greg Osby y Chano Domínguez entre otros y el joven y virtuoso contrabajista Manel Fortiá, toda una referencia y una de las figuras más prometedoras de su generación.

Una formación que transita de manera ágil y elegante a través de todas las composiciones escritas por Gonzalo del Val desde la trepidante “Es Bot” y la evocadora “Agrio de limón” para transitar por “Galeón” y “Los tres mulatos de esmeraldas” donde se ponen de manifiesto las diferentes influencias musicales de los integrantes de la banda. 

El trabajo discurre, en equilibrio perfecto bajo la dirección de Gonzalo del Val en clave de Jazz contemporáneo y ciertas reminiscencias al jazz de los 70´s, plagado de colores en “Azur” y Simple” haciendo ostensible el virtuosismo del cuarteto en “Big Nick” y poniendo punto y final a este trabajo la delicada “Gota d´agua”, con evidente influencia brasileña y única composición con aporte vocal de la espléndida Carme Canela.

“Tornaviaje” es el relato que habla sobre el retorno tras haber explorado otros horizontes vitales. Gonzalo del Val es ese artista que desplegó velas en busca del viento y de la corriente favorables y que volvió para contarlo. Ese que marchó para sondear los límites de la creatividad, cartografiando lo desconocido y que vuelve asumiendo el reto de abandonarse al cambio, a la transformación.














 

martes, 25 de octubre de 2022

JAKOB BRO + JOE LOVANO - ONCE AROUND THE ROOM - A TRIBUTE TO PAUL MOTIAN

Un homenaje profundamente sentido y totalmente original a una inspiración común y a un querido colega - el difunto y gran baterista-compositor Paul Motian- "Once Around the Room" es también el primer álbum codirigido por el guitarrista danés Jakob Bro y el saxofonista estadounidense Joe Lovano. 

Bro concibió una banda especial para el proyecto, convocando lo que Lovano llama "una mini orquesta" para la sesión de estudio de Copenhague, que tuvo lugar 10 años después de la fecha de la muerte de Motian en 2011, a los 80 años. 

El texturizado septeto cuenta con tres bajistas (Larry Grenadier y Thomas Morgan cada uno en el contrabajo, además de Anders Christensen en el contrabajo) y dos bateristas (Joey Baron y Jorge Rossy), todos músicos que han trabajado juntos en varias combinaciones, así como grabado para el sello en los últimos años.

Junto con dos originales influenciados por Motian de Bro y Lovano, Once Around the Room incluye una improvisación en grupo y una interpretación especialmente dinámica de una composición vintage de Motian: "Drum Music". 

Los anteriores trabajos de ECM de ambos colíderes han sido ampliamente elogiados, con The New Yorker declarando que "Lovano puede convertir una frase musical en un poema", y DownBeat señalando que "la guitarra de Bro es luminosa... su música es a la vez hipnótica y dramática".




 

domingo, 9 de octubre de 2022

TIMO VOLLBRECHT - GIVERS & TAKERS

"Fly Magic" es el nombre del grupo del saxofonista + compositor + director de orquesta y estudioso de Timo Vollbrecht. Una unidad que explota el género con un audaz sentido de la creatividad y la intención. Tras dos aclamados discos y actuaciones en más de 30 países, su tercer álbum, "Givers & Takers", marca un nuevo capítulo: Conjuga la delicadeza acústica con paisajes sonoros electrónicos de otro mundo de amplitud orquestal. Grabado en el estudio durante una gira de 12 fechas, capta la química única que los cuatro músicos desarrollaron en la carretera mientras utilizaban el escenario como laboratorio.

Originario de Alemania y afincado en Nueva York, Timo Vollbrecht es una célebre fuerza creativa en la escena musical de Brooklyn que fusiona el jazz con el post-rock, la electrónica y la composición instrumental.

Descrito como un "director de banda luminoso" por el NYC Jazz Record, ha actuado en escenarios emblemáticos como el Village Vanguard. También es el nuevo Director de Estudios de Jazz de la Universidad de Brown. Junto con Keisuke Matsuno (guitarra), Elias Stemeseder (piano y sintetizadores) y Dayeon Seok (batería), formó una banda sin bajista. En su lugar, Stemeseder -que acaba de dirigir su residencia en el emblemático local Stone de John Zorn- toca el sintetizador-bajo mientras su otra mano maneja otras teclas. 

Desde el punto de vista temático, Givers & Takers hace referencia al sentido de comunidad que subyace en Timo a través de la música: "La música es, ante todo, una práctica social", afirma, "se trata de la conexión humana y de la experiencia vivida de personas que se sienten juntas y se inspiran mutuamente". Estos aspectos sociales circundantes, tradicionalmente considerados "extramusicales", no son en realidad extramusicales en absoluto: forman parte esencial del tejido más interno de la música". El álbum surge de este lugar de interactividad humana. 

Presenta a cuatro amigos musicalmente sinérgicos de diversos orígenes que entran en un diálogo de improvisación marcado por la confianza mutua. Dar y recibir es una parte natural de este proceso. El hecho de que Givers & Takers sea también el nombre de su bar favorito en Brooklyn subraya la importancia que Timo y sus compañeros de banda asignan a la reunión cotidiana. "Es emblemático para lo que significa para nosotros formar parte de una escena".

De ahí que las piezas de Timo para este álbum celebren los grandes y pequeños gestos de la vida cotidiana. La primera pieza, Pau, lleva el nombre de su primogénito y muestra la tierna interacción de la banda con la improvisación. En cambio, Happy Happy destila gran energía y "es mi intención escribir una melodía feliz", explica Timo, "yuxtapuesta con elementos destructivos para lograr un final épico". Brighton Blues hace referencia a Brighton Beach, en Brooklyn. 

Este blues moderno pone de manifiesto el enfoque de los artistas hacia las ideas frescas en conexión con su identidad informada por la tradición. Art is Live es una suite que toma prestado su nombre de una serie de conciertos creada por unos amigos para mantener viva la comunidad artística durante los cierres pandémicos. Tres movimientos expresan la experiencia en medio de un futuro incierto durante ese tiempo: I. Solidaridad, II. Soledad, y III. Agencia, siendo este último un guiño al movimiento Black Lives Matter y a la música como fuerza de cambio.

Con Givers & Takers, Timo Vollbrecht presenta su visión de una banda realmente original, que evita la categorización fácil y que mezcla sonidos acústicos y electrónicos envueltos en intrincadas formas de canción.



 

domingo, 2 de octubre de 2022

ARILD ANDERSEN GROUP - AFFIRMATION


En noviembre de 2021, el contrabajista Arild Andersen llevó su nuevo cuarteto integrado por el saxofonista Marius Neset, el pianista Helge Lien y el baterista Håkon Mjåset Johansen al Rainbow Studio de Oslo. Las pandémicas restricciones de viaje de Noruega excluyeron en esta ocasión la participación del boss; Manfred Eicher, por lo que los músicos se quedaron solos, aparentemente para documentar algunas de las piezas de Arild. 

El segundo día de grabación, Andersen propuso una improvisación colectiva: "Sin nada planeado, grabamos una primera parte de unos 23 minutos, y una segunda parte de unos 14 minutos". Estos arcos musicales extendidos se convirtieron en el nuevo enfoque del álbum. "Affirmation Part I" y "Affirmation Part II" se presentan, sin editar, en su totalidad. El álbum se completa con la composición de Andersen "Short Story".

"Aunque el cuarteto ha dado bastantes conciertos, y hemos tocado mucho juntos, nunca habíamos hecho un set completo de sólo improvisación. La idea de escuchar antes de tocar está muy presente aquí, al igual que la forma en que cada uno aporta ideas en las que la interacción es el centro. Llamé al álbum Affirmation, donde tienes que confiar en ti mismo y confiar igualmente en los demás".

La música de libre improvisación, por supuesto, forma parte desde hace tiempo del método de trabajo de Andersen, desde las colaboraciones con Jan Garbarek y Edward Vesala en el proyecto Triptykon, o la enérgica interacción en el trío de Sam Rivers a principios de los años 70. Ahora, su nuevo grupo también acepta el reto a su manera, encontrando y moldeando sutilmente las formas en el momento. Para comodidad del oyente, los puntos de índice indican dónde la música toma una nueva dirección. Pero la mejor manera de escuchar Affirmation es seguirla desde el principio.

El contrabajo de Andersen pone en marcha las ideas desde el primer momento de "Affirmation Part I", ideas que pronto se ven embellecidas por el ondulante piano de Lien y las suaves salpicaduras de color de los platillos de Mjåset Johansen. Cuando Neset entra, inicialmente para meditar sobre un motivo iterativo, Andersen lo envuelve en un abrazo casi orquestal, primero con bajos de arco y luego brevemente con sus sonidos generados por pedales, mezclando timbres acústicos y electrónicos. La música sigue desarrollándose. 

El cuarteto tiene muchas opciones a su disposición. Los músicos saben cómo utilizar el espacio, cómo contenerse y mantener la tensión, pero cada uno de ellos tiene también una fuerte sensibilidad rítmica. 

Los cuatro conducen el conjunto, de hecho, e igualmente los cuatro son solistas; juntos, alcanzan algunos picos poderosos. "Affirmation Part II" parte de la batería de Mjåset Johansen, y pronto se convierte en una animada conversación a tres bandas con Andersen y Lien antes de la entrada de Neset, que intensifica la sensación de energía, que se mantiene hasta la sección final de la música improvisada, que se desenvuelve en una atmósfera elegíaca. La "Short Story" de Andersen, una pieza fuertemente melódica, concluye el álbum. Desde mi humide lugar digo que es uno de los músicos más carismáticos del jazz de los últimos tiempos.Y a no dudarlo.