sábado, 1 de enero de 2022

RECESO


En un año para el olvido, en lo personal y como consecuencia lógica para el programa nos tomamos el descanso habitual hasta Marzo, esperando que el 2022, sea para mejor y poder llevar una vida normal y no la locura y muerte por la que atravesamos y regresar a una "normalidad" aceptable ya que nada volverá a como vivíamos antes. Es mi deseo de todo corazón. Que así sea!!    

domingo, 26 de diciembre de 2021

ROSWELL RUDD + DUCK BAKER


Una colaboración íntima entre el legendario trombonista de jazz Roswell Rudd y el célebre guitarrista Duck Baker. La improbable combinación de trombón y guitarra se presenta aquí con facilidad, delicadeza y un asombroso equilibrio indicativo de un dúo del más alto calibre. 

Esta emocionante y reducida grabación permite al público escuchar a Rudd en su momento más empírico e innovador. El fallecido pionero del jazz de vanguardia disfrutó de una carrera que abarcó más de sesenta años y vio fructíferas colaboraciones entre Rudd y iconos como Gil Evans, Cecil Taylor, Archie Shepp, Don Cherry, Carla Bley y Charlie Haden. El trombonista y compositor aparece aquí junto a Baker, uno de los guitarristas de fingerstyle más apreciados de su generación, que se nutre de sus variadas experiencias en el blues y la música folk para crear su característico sonido de fingerstyle. En esta edición en vinilo, el dúo ofrece reflexivas y potentes interpretaciones de composiciones emblemáticas de los pianistas Thelonious Monk y Herbie Nichols.

Se trata de dos maestros en acción, dirigiendo sus bien sobradas dotes a la arquitectura interna del dúo, de implacable lógica armónica y de gran diversidad de ideas, forman una dupla sin quiebres. Tanto Baker como Rudd tienen vínculos con el jazz tradicional. Rudd solía comentar que la polifonía de una banda de jazz tradicional era el entrenamiento perfecto para el free jazz. "En el fondo, para toda la música, se trata de tocar unos con otros y ser conscientes de los demás, tener esa llamada y respuesta en conjunto es lo que hace el sonido". El rico bagaje de Baker y Rudd en el contrapunto improvisado y no premeditado que proviene tanto de la tradición del trad-jazz como de la vanguardia es quizá la razón de la sinergia e interacción sin parangón que tiene lugar en cada tema de este lanzamiento.

Baker señala: "Conocí la música de Roswell Rudd cuando era un adolescente a mediados de los años 60. Participó en el primer disco de free jazz que escuché, "Four For Trane" de Archie Shepp, y compartió la primera línea en el increíble LP "New York Art Quartet en ESP-Disk". Desde entonces seguí su carrera discográfica tan de cerca como pude". No fue hasta 1996, cuando Baker estaba investigando para su publicación : "Spinning Song: Duck Baker Plays the Music of Herbie Nichols", que Baker y Rudd conectarían. Baker comenta: "Me ponía nervioso pedir ayuda a uno de los héroes de mi juventud, pero Roswell demostró una paciencia infinita y la voluntad de responder a innumerables preguntas sobre Nichols, el músico y el hombre. 

Finalmente nos conocimos en persona en 1999, cuando Roswell vino a San Francisco... Por supuesto, me emocioné cuando me invitó a visitarle a él y a su compañera Verna Gillis en Nueva York con la idea de tocar música juntos". Lo que resultó de este encuentro fue el concepto de embarcarse en un territorio emocionante y sonoramente agitado. "La combinación trombón-guitarra es naturalmente complicada, pero Roswell siempre consideró cualquier posible dificultad como un reto".

El audio estelar que compone este conjunto de vinilos se grabó en directo en dos actuaciones del gran dúo: las pistas 1-2 y 6-8 se grabaron en "The Outpost" en Albuquerque, en 2004, mientras que las pistas 3-5 y 9-10 se grabaron en Tonic, en Nueva York, en 2002. Dot Time Records tiene el orgullo de sacar a la luz este encuentro de mentes musicales en estado de gracia por primera vez en formato físico.

Musicalmente, "Live" es una colección de ocho dúos de trombón y guitarra centrados en el material de dos artistas que tienen una importancia particular para Rudd: Thelonious Monk y Herbie Nichols. Rudd era un querido amigo y colaborador de Nichols y, tras la prematura muerte del pianista a causa de leucemia a los 44 años, Rudd se convirtió en el portador del estilo y las composiciones características de Nichols. El amor de Rudd por Thelonious Monk surgió cuando se trasladó a Nueva York en los años 50 y empezó a tocar en el grupo de Steve Lacy. Allí tuvo la oportunidad de conocer a Monk y escucharle tocar con frecuencia. Rudd tenía una extraña habilidad para escuchar al icono del piano y luego ser capaz de replicar lo que estaba tocando exactamente. Rudd retomaría el material de Monk una y otra vez a lo largo de su ilustre carrera, interpretando las composiciones del gran maestro con una fluidez e ingenio inigualables e  implacables. Este álbum marca la última incursión de Rudd en la tierra de Monk, así como su última interpretación de la música de su antiguo director de banda y amigo, Herbie Nichols.

El reflexivo acompañamiento de Baker y sus encantadoras y atrevidas reflexiones armónicas actúan como el complemento perfecto para la improvisación libre de Rudd, mostrando su inigualable maestría vanguardista. Baker recuerda: "Todo el proceso fue enormemente desafiante y estimulante. Todavía recuerdo lo sorprendido que me quedé cuando Roswell dijo al público, después de tocar una de nuestras piezas , que yo era la única persona que podía hacer esto con él. Mi reacción fue: "¿Puedo hacer esto?". Todavía no estoy seguro de ello, pero fui uno de los muchos, muchos músicos más jóvenes que adquirieron conocimientos inestimables trabajando con este gran espíritu musical. Nos conectó no sólo con los inicios del free jazz, sino con todos los demás.Sin dudas el jazz inteligente lo definen los músicos inteligentes.He aquí un claro ejemplo.

 Roswell Rudd: Trombón + Duck Baker: Guitarra

domingo, 19 de diciembre de 2021

TONY MALABY - THE CAVE OF WINDS


La pandemia de 2020 nos obligó a la mayoría de nosotros a encerrarnos en casa, incluidos los músicos, lo que dio lugar a un exceso de nuevos proyectos en solitario y grabaciones caseras. Tony Malaby adoptó el enfoque contrario. Después de organizar sesiones periódicas en su casa durante años, lo que dio lugar a innumerables colaboraciones y avances inspirados, decidió sacar estas reuniones creativas a la calle (tanto como antídoto para la fiebre de cabina como por consideración a sus vecinos repentinamente confinados en casa).

Al frente de un trío con el contrabajista John Hébert y el baterista Billy Mintz, Malaby invitó a luminarias de la improvisación como Tim Berne, Mark Helias, Ches Smith, William Parker y otros se unieron a él en un enclave cubierto de grafitis y donde  zumbaba el sonido de los peatones cercanos, el tráfico aéreo y la colisión habitual de la naturaleza y la humanidad que alimenta la ciudad.

"Mi disciplina artística proviene de las sesiones que tocamos", dice Malaby. "No podía dejarlo pasar. Era algo que necesitaba para mantenerme a flote con todo lo que estaba ocurriendo con la pandemia y las elecciones [presidenciales]. Todo era una locura, así que tenía que ir allí y componer con mi grupo. Eso me ayudó a salir adelante y me mantuvo positivo".

Las sesiones resultaron ser no sólo un respiro de la locura del revuelo relacionado con el Covid, sino también una fuente de inspiración considerable para Malaby. El saxofonista se sintió rejuvenecido por la libertad y las cualidades sónicas únicas del espacio, elementos que quería trasladar al estudio. 

Sintiendo que un cuarteto de guitarra sería el escenario ideal, volvió a reunir a Sabino, el grupo con el que Malaby grabó su álbum de debut en 2000. Con el bajista Michael Formanek, el baterísta Tom Rainey y el guitarrista Ben Monder (que sustituyó a Marc Ducret en el álbum original), grabó el nuevo y aventurero álbum : "The Cave of Winds", que saldrá a la venta el 7 de enero de 2022 a través de Pyroclastic Records.

Aunque hay formaciones rocosas naturales que comparten el nombre tanto en las cataratas del Niágara como en Colorado, "The Cave" es el apodo cariñoso de Malaby para el puente de la autopista que convirtió en su hogar musical durante la mayor parte de un año. "Era como un túnel", recuerda Tony. "Pasaban cosas locas y salvajes mientras tocábamos en esa caverna. Pasaban camiones, sonaban sirenas, los pájaros cantaban. Estábamos allí abajo con 30 grados de temperatura en febrero y el viento aullaba. Era increíble".

Las composiciones se inspiraron directamente en la estancia de Malaby bajo el puente. Con el espacio literal y figurativo que le ofrecía ese entorno, se vio impulsado a escribir piezas mínimas listas para ser ampliadas por el trío y sus invitados; al mismo tiempo, también están coloreadas por un retorno a contextos de jazz más tradicionales por parte de este improvisador libre empedernido.

"Billy Mintz y John Hébert me hicieron volver a tocar estándares y repertorio de jazz", explica Malaby. Eso entra en juego aquí. Seguimos tocando libremente, pero hacer eso me llevó a pensar en el color armónico, en la riqueza de mis raíces y en la alegría de tocar cambios con alguien como Ben Monder".

Uno de los ejemplos más llamativos de esta colisión entre la tradición y el espíritu intrépido de Malaby es el tema que cierra el álbum, "Just Me, Just Me". Un contrafacto basado en los cambios de acordes del clásico "Just You, Just Me" (memorablemente grabado por artistas de la talla de Nat King Cole y Thelonious Monk, entre otros innumerables), la melodía es una experiencia mucho más agitada que su alegre predecesor, y aunque el título es un juego de palabras con el original, también capta la ferviente individualidad de estos cuatro músicos.

La Cueva de los Vientos marca el cierre de algunos capítulos para Malaby. Por un lado, supone el fin de las sesiones de la autopista y del periodo de investigación y exploración que representaban. Coincidiendo con el levantamiento de las restricciones de la época de la pandemia, Malaby también ha dejado la zona de Nueva York tras más de 25 años para trasladarse a Boston, donde ha aceptado un puesto en la facultad del Berklee College of Music.

El álbum también cierra el círculo de la carrera de Malaby al embarcarse en esta nueva aventura. 20 años después de la publicación de "Sabino", vuelve a visitar ese cuarteto con tres de sus colaboradores más antiguos. Malaby conoció a Formanek cuando el saxofonista aún era estudiante en la Universidad William Paterson, cuando ambos tocaban con la Mingus Big Band. Ambos fueron reclutados por el saxofonista Marty Ehrlich para una banda que también incluía a Tom Rainey en la batería, forjando una conexión que se mantendría fuerte durante las siguientes tres décadas.

Si bien Ducret apareció en el álbum de 2000, Ben Monder le precede en realidad como guitarrista de Sabino, en una primera versión del cuarteto que contaba con Jeff Williams y Ben Street. Malaby había escuchado inicialmente al brillante guitarrista en la efímera banda de Marc Johnson, "Right Brain Patrol", y luego se acercó a él en el bar de la Knitting Factory. Se reencontraron una semana después en una sesión dirigida por Guillermo Klein y desde entonces han trabajado juntos de forma regular y fructífera.

Al igual que el espacio primigenio que implica su nombre, The Cave of Winds es vasto y tempestuoso, abriéndose a un depósito de misterio e invitando a los curiosos a aventurarse en las profundidades. Animados por la intrépida curiosidad de Malaby, estos cuatro músicos estelares se adentran en los confines más lejanos y emergen con inspiradas riquezas. 

Tony Malaby - Tenor and Soprano Saxophones
Ben Monder - Guitar
Michael Formanek - Double Bass
Tom Rainey - Drums

lunes, 13 de diciembre de 2021

UGLY BEAUTY


Freeman lleva 25 años escribiendo sobre jazz, metal, músicas del mundo y música clásica moderna. Nate Chinen, de la WBGO, lo describe como "un crítico de jazz de pensamiento libre, receloso de la opinión de la mayoría y alérgico a la sabiduría convencional" y Giovanni Russonello, del New York Times, ha elogiado su "crítica musical reflexiva, que da prioridad al oído y que está en sintonía con la sociedad". 

Su trabajo se ha publicado en DownBeat, Jazziz, The Wire, Jazznytt, L.A. Times y Village Voice, y en Stereogum, Bandcamp Daily y muchos otros sitios. ¡Es cofundador del sitio web de arte y cultura independiente, podcast y sello discográfico Burning Ambulance, y sus libros anteriores incluyen New York is Now! 

The New Wave of Free Jazz (The Telegraph Company, 2001), Running the Voodoo Down: The Electric Music of Miles Davis (Backbeat, 2005) y la antología Marooned: The Next Generation of Desert Island Discs (Da Capo, 2007).

Ugly Beauty, que comparte título con la columna mensual que Freeman escribe para Stereogum desde 2017, consta de perfiles y análisis de 43 músicos, divididos en cinco secciones. Como dice Freeman en la introducción del libro, "os animo a pensar en [Ugly Beauty] menos como una enciclopedia y más como una colección de postales".

Los artistas de la primera sección son tradicionalistas y se sitúan en el linaje creativo del jazz tal y como se interpreta desde los años 50, e incluso antes. Son el trompetista Jeremy Pelt, los saxofonistas JD Allen y Wayne Escoffery, y los pianistas Orrin Evans, Victor Gould, Ethan Iverson y Jason Moran.

El segundo grupo de artistas desdibuja las líneas entre el jazz y la composición moderna, creando piezas totalmente anotadas o plataformas para la improvisación basada en reglas, y ampliando los parámetros del "jazz". 

Se trata del trompetista Taylor Ho Bynum, la flautista Nicole Mitchell, el pianista Vijay Iyer, la guitarrista Mary Halvorson, la chelista Tomeka Reid, la bajista Linda May Han Oh y el baterista Tyshawn Sorey.

domingo, 5 de diciembre de 2021

JORGE ROSSY - PUERTA


Jorge Rossy debuta como líder para ECM con el vibráfono y la marimba, elaborando un programa musical diversificado en interacción con Robert Landfermann al contrabajo y Jeff Ballard a la batería. El cambio del músico español a las marimbas se produce después de su contribución en la batería en el trío del guitarrista Jakob Bro con Arve Henriksen en "Uma Elmo" trabajo junto a : Jakob Bro y  Arve Henriksen. En Puerta, Jorge dirige a su trío a través de un conjunto de composiciones originales.

El origen del álbum se remonta al creciente interés de Jorge por el vibráfono, que se remonta a más de una década. "Con este trío el objetivo era dejar mucho espacio para que los instrumentos respiraran y se desplegaran tocando menos notas esenciales. También es algo que por fin me sentí preparado para hacer, después de haber tocado seguro en la comodidad de alineaciones armónicamente densas en el pasado", explica Jorge. De este modo, "Puerta" es una colaboración basada en la igualdad, en la que cada instrumento comparte el protagonismo en la misma medida. 

Al igual que su enfoque como baterista -que antes era el papel principal del músico en cualquier formación y, sobre todo, en la primera encarnación del Brad Mehldau Trio-, las elaboraciones de Jorge con el vibráfono se despliegan en elegantes ondas, compuestas por frases mínimas y un vocabulario conmovedor. Su sección rítmica responde en consecuencia. El vibrafonista no deja nada al azar, sino que elige sus líneas cuidadosamente y con un dominio absoluto de sus vehículos melódicos. 

"Tiendo a ser minimalista con el vibráfono y la marimba, a tocar pocas notas y a aprovechar más el espacio que separa los sonidos individuales entre sí. Fui trompetista durante diez años, cuando todavía era muy joven. Las lecciones de melodía que aprendí en esa época también se trasladan muy bien al vibráfono o a la marimba".

En consecuencia, "Puerta" encuentra a Jorge esculpiendo melodías claras en torno a alegres vamps a una velocidad suave, alternativamente interrumpidos o acompañados por inspirados sidemen que inyectan a la música sus propias firmas. "Jeff y Robert captan muy bien la esencia de mis temas, y al mismo tiempo creo que se sienten muy cómodos siendo ellos mismos", señala Jorge, "para este trío sabía que necesitaba algo más que una sección rítmica. Necesitaba tres solistas para que fuera un asunto completamente equilibrado". 


Jorge Rossy - Vibraphone & Marimba
Robert Landfermann - Double Bass
Jeff Ballard - Drums

domingo, 28 de noviembre de 2021

DAL SASSO BIG BAND - AFRICA BRASS REVISITED


 Interpretada por una big band de estrellas, realzada por el tambor tradicional gwo-ka, Africa/Brass Revisited es una nueva versión de la obra maestra de John Coltrane de 1961, que ha sido el único álbum que grabó en formato de big band.

Combinando las inspiradas y ardientes trompas de tres de los más talentosos saxofonistas franceses -Sophie Alour, Géraldine Laurent y David El-Malek-, el arreglista, flautista y director de orquesta Christophe Dal Sasso logra el "tour de force" de restaurar toda la fuerza espiritual de los temas originales y revivir el espíritu africano, la calidez de los metales, la fuerza melódica de las canciones y la expresividad del blues, en un álbum intemporal grabado en directo en dos conciertos en el famoso Festival Jazz à La Villette de París.

En 1961, John Coltrane grabó su primer disco para el sello Impulse y publicó, en esta ocasión, un álbum único en su inmensa discografía, ya que es el único que el saxofonista ha grabado bajo su nombre con una big band: "Africa/Brass". Al frente de una orquesta dominada en gran parte por los metales, extrayendo su material del blues, los standars, los espirituales y el recuerdo de las canciones asociadas a la esclavitud. Coltrane interpretó una serie de melodías arregladas por Eric Dolphy, que aglutinaba la experiencia de la diáspora africana a través de la música.

Sesenta años más tarde, tras el éxito de su versión para big band de "A Love Supreme", el maestro de los arreglos Christophe Dal Sasso y su Big Band, seleccionada como "Grupo del Año" en los "Victoires du Jazz" de Francia en 2020, han vuelto a abordar este repertorio raramente explorado que interpretaron por primera vez en el escenario del festival "Jazz à La Villette de París". Este verdadero all-star del jazz francés restituye a lo largo de este doble álbum en directo toda la fuerza espiritual de la obra original, fiel al alcance universal del mensaje humanista que John Coltrane había inscrito en el corazón de su disco.

Considerado uno de los arreglistas más brillantes de Francia, Dal Sasso ha dirigido numerosos proyectos que van desde las bandas medianas hasta las grandes. Tras haber estudiado con el difunto Ivan Julien, en 1992 recibió el primer premio de orquesta en el Concurso de Jazz Heineken. Cuatro años más tarde, creó una big band que actuaba regularmente en los clubes parisinos, y que en parte quedó inmortalizada en 2002 en su primer disco "Ouverture". Su segundo álbum "Exploration" contó con la participación del saxofonista David Liebman, quien, tras esta experiencia, pidió a Dal Sasso que escribiera una serie de piezas interpretadas por l'Ensemble Intercontemporain (2009).

En el límite entre el jazz y la música clásica, publicó "Les Nébuleuses", compuesto para quinteto de jazz y trío de cuerda. En 2019, escribió los arreglos de "Bird With Strings Revisited" en homenaje a Charlie Parker, que se presentó en la Philharmonie de París.


domingo, 21 de noviembre de 2021

LA LLAMA QUE ENCIENDE LA LLAMA

 


La combinación de la inquieta energía pianística de Taylor y su espíritu artístico verdaderamente virtuoso cimentaron rápidamente su estatus indiscutible de verdadero pionero del movimiento del free jazz. Sin embargo, una sucesión de célebres lanzamientos de Blue Note significó que, a principios de la década de 1970, Taylor estaba entrando en un período de seguridad financiera sin precedentes. En 1973, Taylor, de 44 años, se había autoimpuesto un exilio discográfico durante cinco años, optando en su lugar por dedicarse al mundo académico. En ese tiempo, Taylor trabajó como profesor visitante en el Antioch College y en la Universidad de Wisconsin-Madison, además de dedicar tiempo a la composición.

A excepción de "Indent", un disco para piano solo grabado en Antioch a principios del 73, se trataba de un paréntesis total en la grabación -sorprendente quizás, dado el respeto que habían suscitado los recientes lanzamientos de Unit Structures y Conquistador-, por lo que la idea de un nuevo disco en directo grabado en Nueva York era una perspectiva tentadora. 

Y así fue. A principios de 1973, Fred Seibert, un estudiante de Columbia que trabajaba en la emisora de radio WKCR, de mentalidad aventurera, había sido contactado por una misteriosa figura de David Laura, que tenía una propuesta para el aspirante a productor discográfico Seibert. Iba a llevar a la Unidad Cecil Taylor al The Town Hall, y quería que Seibert la grabara.

"Estábamos conmemorando lo que se anunciaba como un regreso triunfal", dice Seibert en su nota de productor. El concierto de Unit fue un éxito masivo: reunió a Taylor con sus socios de siempre, Jimmy Lyons y Andrew Cyrille, junto con el recién llegado Norris Jones, más conocido como "Sirone" al contrabajo. Seibert grabó todo el concierto y, tras mezclarlo con la ayuda del legendario ingeniero Tony May, dio a conocer la grabación del segundo set de la banda, Spring of Two Blue-J's salió al mundo en 1974.

Desde el punto de vista de la crítica, Spring of Two Blue-J's fue un éxito. El crítico del Village Voice Gary Giddins nombró el álbum "Disco del año", y años más tarde comentó que "anunciaba el restablecimiento permanente de Taylor en el mundo de la música, el fin de su marginación y la evidencia de una madurez". Fue el disco del año para Giddins. Pero Blue J-s sólo representa un tercio del concierto que tuvo lugar esa noche. Debido a las limitaciones del formato LP, y al impacto que tendría en la realización de la visión del grupo, se tomó la decisión de no publicar el primer set continuo de 88 minutos.


Autumn/Parade" tiene muchos de los rasgos distintivos de las composiciones y actuaciones de Taylor de la época: espontaneidad sobrecargada, resistencia improvisadora, transgresión de los límites en su descarado compromiso de seguir adelante y un intercambio sin trabas de la expresión artística de cuatro socios iguales. Es una experiencia musical cruda y visceral para cualquiera que la escuche hoy, lo que habla de la frescura implacable del enfoque de Taylor.

Los aspectos más destacados de la nueva grabación son: El rebote del piano de Taylor a la hora de la apertura, que allana el camino para que algo imitativo vuele por un segundo; el revoloteo solista de Lyons, oscilaciones que abarcan todo el instrumento, y la media hora final de 'Autumn/Parade', dominada por el piano, que alcanza la cima de un pico musical colosal, antes de llegar a una conclusión muy reñida. Pero lo que surge en el transcurso de toda la grabación del concierto de regreso es una prueba más de que Taylor está rompiendo las últimas barreras de las convenciones del jazz en busca de la libertad artística. La nueva grabación completa es un completo y detallado ensayo de uno de los grandes en pleno vuelo.

The Complete, Legendary, Live Return Concert de Cecil Taylor estará disponible como lanzamiento digital el 11 de febrero de 2021 a través de Oblivion Records. Acompañando al lanzamiento digital hay un libreto de 23 páginas con un ensayo de Alan Goodman. Este lanzamiento marca un renacimiento para el sello Oblivion - el último lanzamiento anunciado del sello fue en 1975. A pesar de los años, la intensidad sigue presente.- 

Label: Oblivion Records (OD-8) 

Tracklisting: 

Autumn/Parade (88:00) (quartet)
Spring of Two Blue-J’s Part 1 (16:15) (solo)
Spring of Two Blue-J’s Part 2 (21:58) (quartet) 

Featuring: 
Cecil Taylor - compositions, piano 
Jimmy Lyons - alto saxophone
Andrew Cyrille - percussion 
Sirone - bass -