lunes, 8 de agosto de 2022

THE COMET IS COMING - HYPER-DIMENSIONAL EXPANSION BEAM

El trío londinense de sintetizadores, saxofones y tambores , formado por DANALOGUE (Dan Leavers), SHABAKA (Shabaka Hutchings) y BETAMAX (Max Hallett), anuncia su cuarto álbum de estudio "Hyper-Dimensional Expansion Beam", que saldrá a la venta el 23 de septiembre a través del legendario sello Impulse! Records. Su primer single "CODE" - un head-banger - intergaláctico que explora el significado oculto y los códigos en los seres humanos (ADN) y la tecnología.

The Comet te agarran la cabeza y no te sueltan con su implacable y ardiente sonido, que provoca a la vez pensamientos de inminente fatalidad y posible esperanza. Los ingredientes de este menú se componen de: maquetas de sintetizador de los 80, saxofón y batería, salpicados de punk rock visceral, ráfagas de jazz interestelar y trances de pista de baile.

En su cuarto álbum, Hyper-Dimensional Expansion Beam, The Comet Is Coming - el mago de los sintetizadores/productor Danalogue, el baterista-productor Betamax, y el saxofonista/riffólogo espiritual Shabaka- arden con fuerza, marcando el ritmo de nuestra época de cambio de un modo que sus contemporáneos simplemente no intentan.

El proceso: saliendo directamente de su encierro, el trío se dirigió al estudio de Peter Gabriel, ( el mítico Realwold adornado con el mundo real y escondido en la campiña inglesa. Con la ayuda del ingeniero de la banda, Kristian Craig Robinson, el trío se embarcó en un proceso de grabación de cuatro días de duración guiado por la intuición colectiva, la pura habilidad y la improvisación trascendental.

A continuación, Danalogue y Betamax muestrearon meticulosamente las propias creaciones de la banda, tejiendo alquímicamente las colisiones musicales fuera del cuerpo con una atención microscópica al detalle en la sala de producción. Este proceso de destilación produce un profundo y coherente mensaje musical sobre el futuro de la tecnología, la humanidad, la espiritualidad y la conectividad del universo. Y resulta que el rock.

Temas como "Pyramids", empapado en capas de sintetizadores controlados y el icónico minimalismo de Shabaka, y "Atomic Wave Dance", son canciones de gran calidad, hechas para un club nocturno en una estación espacial. "Lucid Dreamer", por otro lado, es una meditación guiada vulnerable y emocional dirigida por el sintetizador Ensoniq de Danalogue, que evoca inquietantemente las votaciones de coros humanoides a través de la tecnología. Este álbum tiene el músculo implacable, impulsor y ardiente por el que es conocido Comet, pero crea un espacio en el que pueden existir ideas sobre el futuro - distópico o esperanzador-, la tecnología, la inteligencia artificial, los significados ocultos y las transformaciones trascendentales.

The Comet se formó cuando Soccer 96 - el dúo de sintetizadores y tambores de Betamax- estaba tocando y captó la atención del saxofonista de jazz Shabaka Hutchings. Tras algunas conversaciones tentativas entre el dúo y Shabaka, éste se subió al escenario en un concierto de prueba y nació la energía entre el trío y Comet. Esta unión fue el resultado de, como lo describe Danalogue, "el algoritmo del destino".

Todos asistieron a la Guildhall School of Music, donde Dan y Max se conocieron, pero Dan y Shabaka fueron una historia de conexiones perdidas, ya que compartieron el mismo profesor de saxofón. Afortunadamente, el algoritmo del destino guio al trío hasta su unión. 

Hyper sigue a su disco de 2019 "Trust In The Life Force of the Deep Mystery", que cosechó elogios de los medios especializados. Este es su tercer álbum de estudio y expresa el talento de este gran trío en plenitud de sus facultades.

The Comet Is Coming 

https://www.thecometiscoming.co.uk/ 

IG - https://www.instagram.com/cometcoming/?hl=en 

FB - https://www.facebook.com/thecometiscoming








 

domingo, 31 de julio de 2022

JULIA HÜLSMANN QUARTET - "THE NEXT DOOR"


"Nuestras distintas responsabilidades dentro del cuarteto son más abiertas y libres que en el trío. Aunque haya un músico más, no es necesario asignar papeles más estrictos. Hay mucho espacio para que yo me mueva en el piano, para que pase de aportar líneas al unísono a un acompañamiento melódico, y para que pase a tocar las líneas de contrabajo, todo ello sin problemas, porque siempre nos escuchamos unos a otros. Esa es nuestra primera y principal prioridad" - Julia Hülsmann.

La continuación de "Not Far From Here" de 2019 ve a Julia Hülsmann volver a reunirse con la misma alineación que la última vez, en Studios La Buissonne, y entrar en una intensa interacción con una banda que ha sido ampliamente trabajada en la carretera. 

The Guardian calificó el debut del cuarteto de "sobresaliente, por la reinvención discreta de lo familiar y el fresco virtuosismo" y habló de "un jazzmaking inteligente, reflexivo e inquisitivamente contemporáneo". Estas virtudes se han refinado aún más y se han añadido nuevos lenguajes a la mezcla en la segunda posición del cuarteto, con cada miembro -el saxofonista tenor Uli Kempendorff, Heinrich Köbberling a la batería, Marc Muellbauer al contrabajo y Julia- aportando material original a The Next Door.

"Desde el último álbum hemos estado mucho tiempo en la carretera", señala Julia. "Hemos tenido tiempo para seguir desarrollando nuestra compenetración como cuarteto y, como resultado, nuestra interacción se ha vuelto aún más intuitiva". Incluso cuando la mayor parte de la actividad en directo se cerró de forma intermitente, Julia y su cuarteto participaron en proyectos de actuación alternativos y pasaron muchas semanas ensayando enérgicamente nuevo material. El fruto de su trabajo, presentado en este álbum, es tan polifacético como inflexible, con un fuerte énfasis en un sonido de conjunto íntimo. Los destellos de la tradición del jazz, entre el costumbrismo modal de los 60 y el swing post-bop, atraviesan The Next Door como una luz de guía, pero lo que destaca es cómo el grupo transforma posteriormente estas nociones y las hace suyas.

"Empty Hands", el primer tema del álbum, es un lienzo en blanco que se rellena gradualmente con tiernos toques de teclado, melodías de búsqueda y un delicado acompañamiento. Como explica Julia, autora de la canción: "Cuando tienes las manos llenas, tienes que hacer malabarismos con todo, tienes demasiadas cosas que tratar simultáneamente. Las manos vacías, en cambio, son como una pizarra limpia: tienes todas las posibilidades del mundo para hacer lo que quieras". "Made of Wood" contrasta este diseño impresionista con un tono terrenal, situado en un marco modal e impulsado por un swing directo: "Una y otra vez me apetece escribir algo sólido, conciliador en cierto modo. Esta pieza hace referencia a mis cimientos interiores, que asocio con algo hecho de madera, algo reconfortante".

La breve exposición a dúo del pianista en intercambio con el saxofonista Uli Kempendorff en "Jetzt Noch Nicht" -que luego se repite como variación con todos los miembros del grupo- es un tema malhumorado con una melodía retorcida, que invita a la interpretación más expresiva de los músicos. En "Fluid", de Julia, la banda presenta una unidad ajustada y animada en una hipnotizante interpretación de un arco suave y en constante crescendo: "Esta pieza se basa en un sonido de piano grueso y en capas que se introduce después de un par de compases. Las melodías pueden cristalizar sobre este tapiz fluido y fluir en olas. El agua es un elemento importante para mí, que aparece con frecuencia en mis imágenes". 

El tono cálido de Uli complementa el trío de Julia con una calidez excepcional, entrando en una simbiosis natural con la sutil acción del piano, y su propia pieza, "Open Up", se encuentra entre los puntos más destacados del conjunto: Cuando escribí "Open Up" me centré exclusivamente en el movimiento de avance de la melodía. La línea teje danzantemente su camino a través de tres octavas. La parte del bajo está anotada y crea un contrapunto, mientras que el piano y la batería son libres de intervenir, comentar y mezclarse a voluntad. Hay mucho espacio para la libre interpretación y la alteración en todo momento".

Las contribuciones compositivas de Marc Muellbauer pasan por varias pulsaciones - "Polychrome" es un ejercicio de rubato construido en torno a una melodía, en su mayoría, diatónica que quiere escapar de su marco tonal. Por otro lado, "Wasp at the Window" encuentra al grupo conspirando en un extenso ejercicio en nueve tiempos con un ostinato que se dobla y abulta al ritmo del cuarteto. De nuevo diferente por diseño, Marc escribió la bossa nova "Valdemossa" pensando en el compositor Frédéric Chopin: "Se basa en la armonía del conocido Preludio Nro 4 en mi menor de Chopin, de su ciclo de 24 Preludios, op.28. Escribí una nueva melodía ampliando las sugerencias cromáticas de la armonía y explotando su ambigüedad al modular en otras dos tonalidades lejanas. Lleva el nombre del hermoso lugar de Mallorca donde Chopin escribió su pieza..."

Con una inclinación lúdica y ligeramente deconstruida, el primer original del programa del baterista Heinrich Köbberling, "Lightcap", sugiere inicialmente el marco de un boceto de una melodía de Paul Motian. En realidad, la pieza se inspira en los primeros intentos de trío de Köbberling en los años 90 con la saxofonista Lisa Parrott y el bajista Chris Lightcap, lo que da nombre a la canción. La otra composición del baterista es "Post Post Post", una sutil improvisación de grupo con una melodía velada que ha ocupado al baterista durante varios años.

Se ha convertido en costumbre que los discos de Julia destaquen las renovaciones de canciones conocidas del mundo del pop, y con "Sometimes it Snows in April" de Prince el cuarteto descubre otro bonito regalo. La pegadiza melodía de la pieza, su inmediato gancho armónico y su relajado groove son explorados cuidadosamente por toda la banda, con el suave toque de Julia en el centro de atención. 

The Next Door, se grabo en los estudios "La Buissonne" en el sur de Francia en marzo de 2022, y se publica mientras el cuarteto se embarca en una gira europea, con conciertos en Alemania, Suiza, Austria y Noruega.


Julia Hülsmann: Piano
Uli Kempendorff: Tenor Saxophone: 
Marc Muellbauer: Double Bass
Heinrich Köbberling: Drums











domingo, 24 de julio de 2022

NEIL SWAINSON - FIRE IN THE WEST

Vía Cellar Music Group el próximo el 19 de agosto de 2022 verá la luz el conmovedor trabajo del contrabajista, compositor y director de orquesta Neil Swainson, "Fire In The West". Este es el primer lanzamiento del visionario contrabajista desde 1987 que ve la  luz, acompañado de piezas que representan las audaces interacciones del compositor en lugares cruciales en el espacio y el tiempo, y con los innovadores músicos de jazz cuyos caminos se cruzaron con el suyo a lo largo del camino. 

Fire in the West es una rara mirada al mundo interior de un músico que ha pasado gran parte de su vida como acompañante dependiente y brillante de músicos tan notables como Woody Shaw, George Shearing y Roberta Gambarini. Swainson está muy bien acompañado en este incendiario quinteto, con la pianista Renee Rosnes y el baterista Lewis Nash a su lado en la sección rítmica, el trompetista Brad Turner y el saxofonista tenor Kelly Jefferson formando la primera línea del grupo.

"Fire in the West" es, en muchos sentidos, un análogo sonoro del debut discográfico de Swainson, 49th Parallel, publicado hace 35 años. Fue entonces cuando el público conoció la evocadora estética compositiva del contrabajista y su notable agudeza para hacer arreglos teniendo en cuenta el contexto del quinteto. 

En 49th Parallel, Swainson se unió a los inimitables titanes del jazz Joe Henderson, Woody Shaw, Jerry Fuller y Garry Williamson. El regreso de Swainson a las grabaciones, y a su icónico sonido de quinteto, se inspiró en un concierto de Bamfield, Columbia Británica, "Music by the Sea", donde se enamoró por primera vez de la singular pareja tenor- trompeta de Kelly Jefferson y Brad Turner. 

Admirador desde hace mucho tiempo de las parejas de la primera línea de las bandas de los años 50 de Miles Davis, Art Blakey y Horace Silver (a quien está dedicada su melodía "Silver Mine"), Swainson dio forma tanto a sus composiciones como a la sección rítmica de primera línea de la pianista Renee Rosnes (con quien había trabajado en la banda transfronteriza de los años 90 Free Trade) y Lewis Nash en torno a esta concepción estilística post-bop. "Para mí, ese es un sonido de jazz clásico", afirma Swainson definitivamente.

Estos cinco maestros de sus respectivos instrumentos, unidos en la intersección del swing, el gusto y la fantástica forma de tocar, se reunieron para un concierto (y esta grabación) organizado por Cory Weeds, del grupo Cellar Music, en el hermoso Kay Meek Arts Center de North Vancouver.  "Había conocido y tocado con todos antes", dice Swainson, pero nunca todos juntos. Sin embargo, envié las partituras con antelación, y todos hicieron su trabajo con estas melodías bastante exigentes y, como resultado, no hubo estrés. Simplemente navegamos durante el concierto y la grabación". 

Con dedicatorias a influencias musicales (la ya mencionada "Silver Mine"), a lugares impactantes ("Kyushu", un reflejo musical del tiempo que Swainson pasó en esta isla japonesa), a personas ("Fell Among Thieves") hace referencia a una parábola bíblica que Swainson relaciona con algunas personas "maravillosas" que ha conocido y que cayeron en compañías y circunstancias difíciles), esta nueva grabación ofrece un vistazo personal al interior de la mente musical y compositiva de Swainson.

En cuanto al tema que da nombre al trabajo "Fire In The West" se me ocurrió cuando volaba a Vancouver en el verano de 2021. Aunque estábamos a dos mil pies de altura, volamos a través del humo y sobre los incendios generalizados que estaban causando estragos en el valle de Okanagan en ese momento". Para una parte de Canadá que -entre catástrofes naturales, inundaciones e incendios interiores, por no hablar de COVID- ha sufrido tanto últimamente, el hecho de que esta inspiración pueda manifestarse en un nuevo disco del jazz canadiense, convincente e importante es una noticia muy bienvenida. 

El esperado segundo disco del músico canadiense cuenta con un elenco de músicos que interpretan un material tan profundamente arraigado en la ética y los fundamentos sonoros de la música de jazz como su célebre compositor, que revive el interés desde una música cálida, sincera y elegante.

Neil Swainson - Bass
Renee Rosnes  - Piano
Lewis Nash - Drums
Brad Turner -Trumpet
Kelly Jefferson - Tenor Saxophone

domingo, 17 de julio de 2022

GORDON GRDINA'S NOMAD TRIO - 'BOILING POINT' AND 'PATHWAYS


Gordon Grdina, un artista incansablemente prolífico e inventivo que cuenta con una envidiable lista de colaboradores y proyectos de gran alcance, ha disfrutado en los últimos meses de uno de los períodos más ambiciosos y fructíferos de su carrera. A partir del lanzamiento de su propio sello Attaboygirl Records a finales de 2021, el guitarrista, compositor, improvisador y maestro del laúd afincado en Vancouver ha publicado una serie de nuevos álbumes aventureros, eclécticos y muy aclamados. 

La notable racha de Grdina continúa con un par de nuevos lanzamientos en los que participan algunos de los más venerados improvisadores del jazz moderno y la música creativa; ambos encuentran a Grdina volviendo a convocar tríos exploratorios que amplían los descubrimientos de sus respectivos debuts. El 17 de junio de 2022 el sello Astral Spirits publicará "Boiling Point", el esperado segundo trabajo del explosivo Nomad Trio de Grdina con el pianista Matt Mitchell y el baterista Jim Black; mientras que Attaboygirl publicará Pathways, la segunda reunión de Grdina con el legendario pianista Matthew Shipp y el innovador contrabajista Mark Helias. 

El autotitulado debut de 2020 del Nomad Trio de Grdina fue aclamado por establecer "estructuras sueltas para la improvisación salvaje [mientras que también incluye] un saludable menú de calientes licks al unísono y melodías fugaces".Something Else! alabó la capacidad del trío para "vagar sin un mapa claro a través de un vasto terreno musical que pocos pueden siquiera intentar, y llegar al otro lado ileso". Estos elogios no son sorprendentes, ya que Grdina reclutó a dos de los artistas más inventivos y técnicamente versátiles de la música moderna para este trío. 

Matt Mitchell se ha consolidado como uno de los pianistas más audaces y solicitados de la escena neoyorquina, forjando importantes relaciones con artistas de la talla de Tim Berne, Rudresh Mahanthappa, Dave Douglas, Dan Weiss y John Hollenbeck. Jim Black, por su parte, es famoso por ser el baterista propulsivo, inspirado en el rock y la electrónica, detrás de bandas tan influyentes como Berne's Bloodcount, Human Feel y AlasNoAxis, al tiempo que ha trabajado ampliamente con artistas como Dave Douglas, Uri Caine, Carlos Bica, Ellery Eskelin, Hilmar Jensson, Chris Speed y Satoko Fujii. 

"Puedo escribir cualquier cosa para esta banda", dice Grdina. "Es una música muy compleja, rítmica, armónica, melódica y en la forma en que cada pieza encaja. Estos chicos realmente pueden hacer cualquier cosa". Desde el último álbum, el grupo ha consolidado su sonido único, que es emocionante escuchar desarrollar en este segundo disco." 

El trío formado por Grdina, Matthew Shipp y Mark Helias es igualmente audaz, aunque se aventura en terrenos menos feroces. Pathways revela rápidamente la evolución colectiva del trío desde la reunión inicial de 2019, Skin and Bones. Mientras que solo dos de los siete temas de ese álbum duraban menos de diez minutos, las nueve piezas de Pathways nunca superan la marca de diez minutos y rara vez se acercan a ella. El resultado es un conjunto de piezas muy bien enrolladas y centradas, con abundantes ideas concentradas en intensos estallidos de energía creativa. 

Sorprendentemente, dado su extenso historial, Helias y Shipp nunca habían tocado juntos antes de la gira por la Costa Oeste que condujo a la grabación de Skin and Bones, aunque ambos vivían en el East Village y hablaban a menudo de boxeo, una pasión compartida. Contando con esa familiaridad casual (por no hablar de su estimable imaginación) para hacer saltar la chispa en el escenario, Grdina invitó a los dos a unirse a él y descubrió una química instantánea. 

"Para este segundo álbum nos reunimos en el East Side Sound tres años después y lo retomamos justo donde lo dejamos", señala Grdina. "Este álbum es muy diferente al primero, ya que cada pieza presenta de forma más concisa las ideas musicales y la interconexión del grupo. Hay muchos momentos en los que no puedo distinguir qué es piano y qué es guitarra o bajo, ya que los papeles cambian y los instrumentos se mezclan para crear algo colectivo. Me encanta cuando eso ocurre y te pierdes y te conviertes en algo más grande".

Buscando una nueva salida que pueda seguir el ritmo de su lista de proyectos en curso y nuevas colaboraciones, Grdina lanzó Attaboygirl Records en octubre de 2021. El proyecto se llevó a cabo en colaboración con su pareja, la fotógrafa Genevieve Monro, que se encarga del estilo visual distintivo del sello. El sello debutó con el lanzamiento simultáneo de las dos primeras entradas de su catálogo: Pendulum, el tercer álbum en solitario de Grdina y el segundo compuesto para guitarra clásica y oud; y Klotski, el debut en estudio de Square Peg de Gordon Grdina, un cuarteto de exploración que cuenta con Grdina a la guitarra y el oud, Mat Maneri a la viola, Shahzad Ismaily al bajo y el Moog, y Christian Lillinger a la batería. 

En febrero de 2022 se publicaron otros dos discos: "Night's Quietest Hour" documentó el encuentro del guitarrista experimental Marc Ribot con el conjunto de música árabe Haram de Grdina, mientras que Oddly Enough estrenó una nueva colección de piezas del saxofonista y compositor Tim Berne para guitarra acústica y eléctrica solista con instrumentos de sampler Midi.

Gordon Grdina es un excelente ejecutante del oud/guitarrista ganador de un premio JUNO cuya carrera ha abarcado continentes, décadas y una constante exploración de géneros a través del jazz de vanguardia, la improvisación de forma libre, el rock indie contemporáneo y el árabe. 

Su singular enfoque de los instrumentos le ha valido el reconocimiento de las más altas esferas del mundo del jazz/improvisación. Grdina ha actuado y colaborado con una amplia gama de artistas de primera línea, como Gary Peacock, Paul Motion, Marc Ribot, Mark Helias, Mats Gustafsson, y un alargado etc. Formo un grupo de música árabe de vanguardia que revisa el repertorio árabe, persa y sudanés de los años 50 y 60 desde la óptica del improvisador moderno.

Gordon Grdina - Guitar, Oud
Matt Mitchell - Piano
Jim Black - Drums

gordongrdina.bandcamp.com

astralspirits.bandcamp.com


domingo, 10 de julio de 2022

GARD NILSSEN ACOUSTIC UNITY - ELASTIC WAVE

Gard Nilssen es uno de los bateristas improvisadores más creativos de Europa, con un enfoque fresco del ritmo y la libertad. En ECM, ha aparecido en aclamadas grabaciones con el "Maciej Obara Quartet" (Unloved, Three Crowns) y con Mathias Eick (Skala). Ahora la Elastic Wave presenta el potente trío del músico noruego, Acoustic Unity. La interacción dinámica, aborda un sentido del pulso oscilante y temas audaces -los tres músicos aportan composiciones- son algunos de los atributos que definen a un grupo que aborda con garbo y convicción himnos ardientes y baladas conmovedoras.

La flexibilidad estilística del grupo se basa en la experiencia compartida. Nilssen y el saxofonista y clarinetista André Roligheten crecieron juntos en su ciudad natal de Skien, en la región noruega de Telemark. En 2005 se encontraron con el contrabajista sueco Petter Eldh dentro de un "gran conjunto nórdico para jóvenes músicos" dirigido por Django Bates, y encontraron una compenetración inmediata. En 2014, tras diversas colaboraciones, Nilssen, Roligheten y Eldh se unieron como trío, y desde entonces han realizado numerosas giras. "Elastic Wave" es el cuarto álbum del trío, tras los lanzamientos que hicieron en Clean Feed y Odin.

En su música confluyen muchas influencias. Los primeros modelos de André Roligheten fueron Ornette Coleman, John Coltrane y Archie Shepp, pero su gran sonido se inspira en múltiples fuentes. "The Other Village", por ejemplo, en el que Roligheten toca simultáneamente los saxofones tenor y soprano, toma su impulso de un recuerdo de los giros de las gaitas mediterráneas. "Influx Delight" tiene un rebote ágil y danzante de Ornette en el tenor, pero se mueve sobre un sentimiento rítmico con elementos de samba brasileña, o en opinión de Gard, "la forma en que Charlie Haden y Paul Motian tocan la música latina". Esta amplia visión de la historia del jazz moderno es característica del trío. En "The Room Next To Her", Roligheten toca el saxo bajo con una potencia ritualista, mientras que en "Dreignau" destaca su elegante forma de tocar el clarinete.

El contrabajista Petter Eldh es un conocido en el sello germano. Participo en contextos que incluyen al trío Belovèd de Django Bates (The Study of Touch, 2016). Un músico de gusto musical omnívoro, que canaliza los modismos desde el bebop hasta el hiphop y la improvisación libre. Su enérgica y empática forma de tocar el contrabajo,no hacen más que sumar atributos evidentes a lo largo de este gran trabajo. El álbum se abre con el tema de Eldh "Altaret", cuyo título, que significa "el altar" en sueco, y hace referencia a la vista de la sala de ensayo de Gard en Oslo, adornada con un retrato de Coltrane. Es una pieza libremente contrapuntística que abre la puerta al concepto del trío, que es vehículo de independencia y unión en la improvisación.

Gard ha citado el impacto de escuchar a Tony Williams. Elvin Jones, Ed Blackwell, Roy Haynes y Jack DeJohnette como formativos para su estilo individualista de batería. Pero también ha sido tocado por el enfoque de ondas de sonido de Jon Christensen en la batería de jazz. Para subrayar las tradiciones de la batería de ECM, llevó uno de los platillos de Christensen a la sesión de Elastic Wave, integrándolo en el sonido total de su kit como un segundo platillo ride. La melodía de Nilssen en"Lokket til Jon, og skjerfet til Paul" también alude a un pañuelo que Paul Motian dejó una vez en el estudio de La Buissonne, utilizado aquí para quitarle el filo a los sobretonos del bombo. Explorando estructuras, este trabajo se merece que esté en lo más notable de lo que va del año.FANTASTICO!!


André Roligheten: tenor + Soprano & basssaxophones + Clarinet

Petter Eldh: Double Bass

Gard Nilssen: Drums




 

domingo, 3 de julio de 2022

MILES DAVIS - THE BOOTLEG SERIES


El último capítulo de la aclamada serie "Miles Davis Bootleg Series" de Columbia/Legacy arroja una nueva luz sobre un período infravalorado de la inquieta carrera del músico en busca de sonidos sublimes y trascendentes.  El box-set de 3CD incluye dos discos de material de estudio inédito de las sesiones de "Star People, Decoy y You're Under Arrest" y un tercer disco que muestra a Miles Davis en directo en Montreal el 7 de julio de 1983.  La colección se presenta en un estuche con minijuegos individuales de los álbumes y un folleto con notas de Marcus J. Moore y nuevas entrevistas reveladoras con los músicos de Miles de los años 80, como Vince Wilburn, Jr. (baterista y compañero de banda), John Scofield (guitarra), Darryl Jones (bajista), Marcus Miller (bajista) y Mike Stern (guitarrista). 

Ocho de los diez temas del CD 1 de Miles Davis - That's What Happened 1982-1985: The Bootleg Series Vol. 7 son temas de estudio inéditos de las sesiones que dieron lugar a "Star People" de 1983. Star People, el segundo álbum de estudio publicado después de que Miles dejara de grabar y actuar durante seis años, fue el último en el que el artista contó con la ayuda del productor de toda la vida de Miles, Teo Macero. Los músicos incluyen a J.J. Johnson (trombón), Bill Evans (saxofón soprano, saxofón tenor), Mike Stern (guitarra), John Scofield (guitarra), Marcus Miller (bajo eléctrico), Al Foster (batería) y Mino Cinélu (percusión) con Miles doblando en la trompeta y los teclados (sin sobregrabaciones). Los otros dos temas del CD1, "Freaky Deaky, Part 1" y "Freaky Deaky, Part 2", fueron producidos por Miles Davis (trompeta y teclados) y cuentan con la participación de John Scofield (guitarra), Darryl Jones (bajo eléctrico), Robert Irving III (programación de Linn Drum) y Mino Cinélu (percusión). Grabado el 30 de junio de 1983 en los A&R Studios de Nueva York durante las sesiones de Decoy, esta grabación en casete inédita procede de la colección de John Scofield.  

El disco 2 de Miles Davis - "That's What Happened 1982-1985": The Bootleg Series Vol. 7; contiene grabaciones de estudio inéditas de las sesiones que dieron lugar a "You're Under Arrest" de 1985. Producido por Miles Davis y Robert Irving III, You're Under Arrest reflejaba la polaridad de las pasiones de Miles, desde la política hasta la música pop; entre sus logros, el álbum transformó éxitos entonces contemporáneos como "Time After Time" de Cyndi Lauper y "Human Nature" de Michael Jackson en estándares de jazz permanentes. Entre los músicos se encuentran Miles (trompeta), Bob Berg (saxo soprano), John Scofield (guitarra), Robert Irving III (teclados), Darryl Jones (bajo eléctrico), Al Foster (batería), Vince Wilburn, Jr. (batería, programación de batería, percusión), Steve Thornton (percusión) y John McLaughlin (guitarra en "Katia [sesión completa]"). Las grabaciones inéditas de este conjunto fueron mezcladas por Steve Berkowitz y Dave Darlington en 2022 en Bass Hit Recording, NYC.

El disco 3 de Miles Davis - "That's What Happened 1982-1985: The Bootleg Series Vol. 7" presenta a Miles Davis en directo en el Theatre St. Denis de Montreal, Canadá, el 7 de julio de 1983. El conjunto se publica por primera vez en vinilo de 2LP 12", "Miles Davis - What It Is: Montreal 7/7/83", para el Día de las Tiendas de Discos 2022. La grabación muestra una de las últimas grandes bandas de Miles Davis, incluyendo a John Scofield a la guitarra, Bill "El otro Bill Evans" Evans en los saxos, la flauta y el piano eléctrico, Darryl Jones al bajo, Al Foster a la batería y el percusionista Mino Cinélu. "What It Is: Montreal" 7/7/83 cuenta con notas de presentación escritas por el incomparable periodista musical Greg Tate, que falleció el 7 de diciembre de 2021. El ensayo, uno de los últimos de Tate, ofrece una visión del proceso y la psique de Davis: "Cuando se le preguntó en los años 80 por qué cambiaba tantas veces su música, Miles respondió: 'Tú no cambias la música, la música te cambia a ti'. También afirmó con estridencia: 'No tocas lo que los críticos te dicen que toques, tocas lo que tu cuerpo te dice que toques'". 

Miles Davis - That's What Happened 1982-1985: The Bootleg Series Vol. 7 ha sido producido por un equipo de productores de alta escuela en estas lides:Steve Berkowitz, Michael Cuscuna y Richard Seidel, ganador de varios premios Grammy, y masterizado por el ingeniero Mark Wilder.



lunes, 27 de junio de 2022

MINGUS THREE: DELUXE EDITION

Rhino / Parlophone celebran el mes del jazz y honran el legado del icono con una nueva edición de lujo de su álbum de 1957, Mingus Three, con ocho sesiones inéditas recientemente descubiertas.

"Espero que llegue el día en que podamos trascender las etiquetas como el jazz y reconocer a Charles Mingus como el gran compositor estadounidense que es". - Fundación Guggenheim

"Por su pura originalidad melódica, rítmica y estructural, sus composiciones pueden igualar todo lo escrito en la música occidental del siglo XX". - The New Yorker.
"Mingus era algo más, tío. Un genio puro, me encantaba". - Miles Davis

LOS ÁNGELES - Rhino / Parlophone celebra el Mes de la Apreciación del Jazz con una de las figuras más influyentes de la música estadounidense del siglo XX, Charles Mingus, que habría cumplido 100 años hoy, 22 de abril. Este año, el legado de Mingus está en el punto de mira con el lanzamiento de la edición de lujo de su álbum, Mingus Three, por su centenario como bajista virtuoso, pianista consumado, director de banda y compositor. 

Rhino/Parlophone rinde homenaje a Mingus con una versión actualizada de su grabación en trío de 1957 con el pianista Hampton Hawes y el baterista Dannie Richmond. Los siete temas originales se han ampliado para el próximo lanzamiento, con ocho grabaciones de sesión inéditas descubiertas por casualidad recientemente en las bóvedas de Parlophone en Londres. Los temas extra incluyen diferentes tomas para todos los temas del álbum excepto uno ("Laura"), además de dos originales de blues. 

La música se presenta en una réplica de la funda original del disco emitida por "Jubilee Records" y un folleto con fotos de la época. El conjunto también incluye nuevas notas de presentación escritas por el pianista y arreglista de jazz Sy Johnson, que colaboró con Mingus en la década de 1970 y ayudó a arreglar su álbum de 1972, "Let My Children Hear Music". 

Escribe: "La sesión de los Mingus Three se reservó para el 9 de julio de 1957. Mingus y Hawes llevaron sus historias al estudio: Mingus, con un largo y poderoso historial de activismo, indignación y ataque político anclado en la creación musical seria, y la fanfarria de Hawes, con premios de jazz y un gran éxito, ¡y sabía tocar! La cita acabaría convirtiéndose en un diálogo entre Mingus y Hawes con la puntuación de Richmond". 

Mingus grabó la sesión en un día con Hawes, un amigo de la infancia que había estado en bandas con Charlie Parker y Dexter Gordon, y el baterista Dannie Richmond, cuya asociación con el bajista duró más de dos décadas. Mingus Three incluía cuatro estándares ("Yesterdays", "I Can't Get Started", "Summertime" y "Laura"), dos originales de Mingus ("Back Home Blues" y "Dizzy Moods"), y una jam en grupo "Hamp's New Blues". 

El material extra proporciona una nueva visión de los principales intérpretes y ofrece versiones alternativas -y no menores- de los temas del álbum, incluyendo tomas de swing de "Summertime" y "Hamp's New Blues". 

La música de Mingus sigue llegando a nuevas audiencias a través de artistas como la Mingus Big Band (dirigida por su viuda Sue Mingus), Kamasi Washington, Chrissie Hynde (cuyo último álbum incluye una versión de Mingus), Candace Springs, Elvis Costello, Gang Starr (que lo samplea) y Joni Mitchell (que escribió las letras de su música). Su legado musical sigue vigente y seguirá desempeñando un papel esencial en la historia de la música durante muchas generaciones.