domingo, 28 de noviembre de 2021

DAL SASSO BIG BAND - AFRICA BRASS REVISITED


 Interpretada por una big band de estrellas, realzada por el tambor tradicional gwo-ka, Africa/Brass Revisited es una nueva versión de la obra maestra de John Coltrane de 1961, que ha sido el único álbum que grabó en formato de big band.

Combinando las inspiradas y ardientes trompas de tres de los más talentosos saxofonistas franceses -Sophie Alour, Géraldine Laurent y David El-Malek-, el arreglista, flautista y director de orquesta Christophe Dal Sasso logra el "tour de force" de restaurar toda la fuerza espiritual de los temas originales y revivir el espíritu africano, la calidez de los metales, la fuerza melódica de las canciones y la expresividad del blues, en un álbum intemporal grabado en directo en dos conciertos en el famoso Festival Jazz à La Villette de París.

En 1961, John Coltrane grabó su primer disco para el sello Impulse y publicó, en esta ocasión, un álbum único en su inmensa discografía, ya que es el único que el saxofonista ha grabado bajo su nombre con una big band: "Africa/Brass". Al frente de una orquesta dominada en gran parte por los metales, extrayendo su material del blues, los standars, los espirituales y el recuerdo de las canciones asociadas a la esclavitud. Coltrane interpretó una serie de melodías arregladas por Eric Dolphy, que aglutinaba la experiencia de la diáspora africana a través de la música.

Sesenta años más tarde, tras el éxito de su versión para big band de "A Love Supreme", el maestro de los arreglos Christophe Dal Sasso y su Big Band, seleccionada como "Grupo del Año" en los "Victoires du Jazz" de Francia en 2020, han vuelto a abordar este repertorio raramente explorado que interpretaron por primera vez en el escenario del festival "Jazz à La Villette de París". Este verdadero all-star del jazz francés restituye a lo largo de este doble álbum en directo toda la fuerza espiritual de la obra original, fiel al alcance universal del mensaje humanista que John Coltrane había inscrito en el corazón de su disco.

Considerado uno de los arreglistas más brillantes de Francia, Dal Sasso ha dirigido numerosos proyectos que van desde las bandas medianas hasta las grandes. Tras haber estudiado con el difunto Ivan Julien, en 1992 recibió el primer premio de orquesta en el Concurso de Jazz Heineken. Cuatro años más tarde, creó una big band que actuaba regularmente en los clubes parisinos, y que en parte quedó inmortalizada en 2002 en su primer disco "Ouverture". Su segundo álbum "Exploration" contó con la participación del saxofonista David Liebman, quien, tras esta experiencia, pidió a Dal Sasso que escribiera una serie de piezas interpretadas por l'Ensemble Intercontemporain (2009).

En el límite entre el jazz y la música clásica, publicó "Les Nébuleuses", compuesto para quinteto de jazz y trío de cuerda. En 2019, escribió los arreglos de "Bird With Strings Revisited" en homenaje a Charlie Parker, que se presentó en la Philharmonie de París.


domingo, 21 de noviembre de 2021

LA LLAMA QUE ENCIENDE LA LLAMA

 


La combinación de la inquieta energía pianística de Taylor y su espíritu artístico verdaderamente virtuoso cimentaron rápidamente su estatus indiscutible de verdadero pionero del movimiento del free jazz. Sin embargo, una sucesión de célebres lanzamientos de Blue Note significó que, a principios de la década de 1970, Taylor estaba entrando en un período de seguridad financiera sin precedentes. En 1973, Taylor, de 44 años, se había autoimpuesto un exilio discográfico durante cinco años, optando en su lugar por dedicarse al mundo académico. En ese tiempo, Taylor trabajó como profesor visitante en el Antioch College y en la Universidad de Wisconsin-Madison, además de dedicar tiempo a la composición.

A excepción de "Indent", un disco para piano solo grabado en Antioch a principios del 73, se trataba de un paréntesis total en la grabación -sorprendente quizás, dado el respeto que habían suscitado los recientes lanzamientos de Unit Structures y Conquistador-, por lo que la idea de un nuevo disco en directo grabado en Nueva York era una perspectiva tentadora. 

Y así fue. A principios de 1973, Fred Seibert, un estudiante de Columbia que trabajaba en la emisora de radio WKCR, de mentalidad aventurera, había sido contactado por una misteriosa figura de David Laura, que tenía una propuesta para el aspirante a productor discográfico Seibert. Iba a llevar a la Unidad Cecil Taylor al The Town Hall, y quería que Seibert la grabara.

"Estábamos conmemorando lo que se anunciaba como un regreso triunfal", dice Seibert en su nota de productor. El concierto de Unit fue un éxito masivo: reunió a Taylor con sus socios de siempre, Jimmy Lyons y Andrew Cyrille, junto con el recién llegado Norris Jones, más conocido como "Sirone" al contrabajo. Seibert grabó todo el concierto y, tras mezclarlo con la ayuda del legendario ingeniero Tony May, dio a conocer la grabación del segundo set de la banda, Spring of Two Blue-J's salió al mundo en 1974.

Desde el punto de vista de la crítica, Spring of Two Blue-J's fue un éxito. El crítico del Village Voice Gary Giddins nombró el álbum "Disco del año", y años más tarde comentó que "anunciaba el restablecimiento permanente de Taylor en el mundo de la música, el fin de su marginación y la evidencia de una madurez". Fue el disco del año para Giddins. Pero Blue J-s sólo representa un tercio del concierto que tuvo lugar esa noche. Debido a las limitaciones del formato LP, y al impacto que tendría en la realización de la visión del grupo, se tomó la decisión de no publicar el primer set continuo de 88 minutos.


Autumn/Parade" tiene muchos de los rasgos distintivos de las composiciones y actuaciones de Taylor de la época: espontaneidad sobrecargada, resistencia improvisadora, transgresión de los límites en su descarado compromiso de seguir adelante y un intercambio sin trabas de la expresión artística de cuatro socios iguales. Es una experiencia musical cruda y visceral para cualquiera que la escuche hoy, lo que habla de la frescura implacable del enfoque de Taylor.

Los aspectos más destacados de la nueva grabación son: El rebote del piano de Taylor a la hora de la apertura, que allana el camino para que algo imitativo vuele por un segundo; el revoloteo solista de Lyons, oscilaciones que abarcan todo el instrumento, y la media hora final de 'Autumn/Parade', dominada por el piano, que alcanza la cima de un pico musical colosal, antes de llegar a una conclusión muy reñida. Pero lo que surge en el transcurso de toda la grabación del concierto de regreso es una prueba más de que Taylor está rompiendo las últimas barreras de las convenciones del jazz en busca de la libertad artística. La nueva grabación completa es un completo y detallado ensayo de uno de los grandes en pleno vuelo.

The Complete, Legendary, Live Return Concert de Cecil Taylor estará disponible como lanzamiento digital el 11 de febrero de 2021 a través de Oblivion Records. Acompañando al lanzamiento digital hay un libreto de 23 páginas con un ensayo de Alan Goodman. Este lanzamiento marca un renacimiento para el sello Oblivion - el último lanzamiento anunciado del sello fue en 1975. A pesar de los años, la intensidad sigue presente.- 

Label: Oblivion Records (OD-8) 

Tracklisting: 

Autumn/Parade (88:00) (quartet)
Spring of Two Blue-J’s Part 1 (16:15) (solo)
Spring of Two Blue-J’s Part 2 (21:58) (quartet) 

Featuring: 
Cecil Taylor - compositions, piano 
Jimmy Lyons - alto saxophone
Andrew Cyrille - percussion 
Sirone - bass - 







domingo, 14 de noviembre de 2021

AYUMI TANAKA TRIO - RELEASES SUBAQUEOUS

Subaqueous Silence, el debut como líder de la pianista japonesa Ayumi Tanaka para ECM - tras dos trabajos aclamados por la crítica con Thomas Strønen- esta nueva aventura sonora es una declaración sorprendentemente original, que transmite una atmósfera musical propia, con sus intensidades y silencios, su sentido del misterio y la tensión dramática. Ningún otro trío de piano contemporáneo suena así.

Tanaka conoció al contrabajista Christian Meaas Svendsen y al baterista Per Oddvar Johansen poco después de llegar a Oslo, hace una década, y desde entonces han desarrollado juntos su lenguaje musical, explorando las implicaciones de las composiciones de Ayumi, que se inspiran en fuentes orientales y occidentales, en los sonidos de la naturaleza y en otras cosas. 

El profundo interés por el trabajo de los improvisadores noruegos llevó a Tanaka a Escandinavia. "La primera vez que escuché jazz noruego sentí que la expresión de los músicos era muy personal", recuerda, "la calidad de los tonos hacía que el aire se sintiera vivo. Así que vine a Noruega para entender cómo evolucionaba esta música única". 

Nacida en Wakayama (Japón), Ayumi comenzó sus estudios musicales a los tres años, tocando inicialmente el órgano electrónico. Recuerda haber improvisado, casi desde el principio, en paralelo a sus estudios. "Tocaba de todo, desde música de películas hasta obras de Bartók y Ravel. A solas, me encontraba improvisando, a veces sobre historias que imaginaba, a veces para liberar mis emociones. O simplemente tocaba con el sonido de un pájaro, el viento, el agua...". 

En la Academia Noruega de Música, Tanaka estudió jazz con Misha Alperin, Anders Jormin y Helge Lien, entre otros. Pronto hizo importantes contribuciones al mundo de la improvisación de Noruega: tocando en un conjunto de tres pianos con Christian Wallumrød y Johan Lindvall, asumiendo el papel de pianista en Time Is A Blind Guide de Kit Downes, y cofundando un trío de improvisación de forma abierta con Thomas Strønen y Marthe Lea.

Junto a toda esta actividad, ha habido una creciente conciencia de sus propias raíces culturales; hay un rigor ascético en su forma de tocar, así como un sentido del espacio que sugiere afinidades con la tradición musical japonesa. "Me siento en la antigua música clásica japonesa", reconoce, "aunque estoy muy influenciada por los músicos noruegos. Mi difunto maestro Misha Alperin siempre me decía 'Encuentra tu propia voz', que es algo que sigo buscando".

Las piezas descarnadas y poéticas que escribe para el trío marcan una dirección musical para la libre interpretación creativa. "Pretendo que el grupo sea más bien un conjunto de cámara. Compartimos un flujo de energía, incluso en los silencios, como se refleja en el título del álbum". El silencio es a menudo una fuerza dinamizadora en la música, que ayuda a determinar la forma del contenido y abre nuevas vías de enfoque.

Per Oddvar Johansen, desde hace mucho tiempo uno de los bateristas más ingeniosos y versátiles de Noruega, es una presencia familiar para los seguidores de la música del sello germano través de sus contribuciones en los álbumes de; Trgyve Seim, The Source, Christian Wallumrød y Mette Henriette. Es un maestro a la hora de tocar en contextos muy abiertos, poniendo en movimiento los pulsos con un platillo suavemente salpicado o con delicadas escobillas en una caja, generando música poderosa a partir de gestos discretos.

Christian Meaas Svendsen, que debuta en el sello, utiliza tanto la contención zen como la exploración textural ferozmente física en sus improvisaciones, atento a las necesidades cambiantes del momento. Su intenso y expresivo arco-bajo en "Black Rain" es uno de los aspectos más destacados del trabajo.

Subaqueous Silence es el segundo álbum del trío (el primero, Memento, se publicó en 2016) y se grabó en el Nasjonal Jazzscene Victoria de Oslo en junio de 2019.

Ayumi Tanaka: Piano
Christian Meaas Svendsen: Double Bass
Per Oddvar Johansen: Drums.

lunes, 8 de noviembre de 2021

ANTOINE VIARD - TUMULUS

"Tumulus" es un solo de saxofón amplificado. Se trata también de una arquitectura subterránea, construida para lo invisible, la memoria y el devenir. Esta idea se desarrolla en la música de "tumulus". 

El viejo sonido del saxofón es tratado, triturado y estrujado para convertirse en un instrumento eléctrico cuyas sonoridades nos remiten a un universo inexplorado. 

"Tumulus" maneja una madeja de sonidos crudos, con evoluciones lentas que parecen ser materia física, como un arte plástico sonoro.

El corpus de esta música no excluye la abstracción y cierta ruptura de formas poco ortodoxas vinculadas al noise. Lester Bowie acuñó una frase muy clara y premonitoria  que esclarece este tipo de vanguardia, que es la continuadora de las formas anteriores. "La mejor forma de preservar la tradición está en la innovación".

TUMULUS

lunes, 1 de noviembre de 2021

ENRICO RAVA - EDIZIONE SPECIALE


Enrico Rava, figura clave del jazz europeo desde hace mucho tiempo, ha sido el mentor de sucesivas generaciones de músicos italianos. Su especial Edizione, grabado en directo en el Festival de Middelheim en Amberes, reúne a un equipo de jóvenes improvisadores que tocan su música con fuego, acompañando su fuente de ideas melódicas, al tiempo que aprovechan el espacio libre que abren las extensas formas musicales.

Ocupa un lugar destacado entre los trompetistas/compositores contemporáneos de las últimas cinco décadas. Ha sido alabado por su increíble facilidad para incorporar la tradición del jazz y las libertades de la vanguardia en su música tan personal. Este nuevo trabajo para ECM, grabado en directo hace dos años en el Jazz Middelheim de Amberes con un sexteto italiano de músicos de gran talento, muestra su extraordinaria versatilidad a través de una música que avanza con personalidad y estilo.

El repertorio del grupo incluye material de las primeras grabaciones del trompetista y flautista Enrico Rava Quartet (1978) y Wild Dance (2015), además de una interpretación de "Once Upon a Summertime" - la versión inglesa de "La valse des lilas" de Michel Legrand-, así como la universalmente conocida canción cubana "Quizas, Quizas, Quizas".

Esta nueva inmersión del trompetista comulga en el entusiasmo por la exploración desde un enérgico tratamiento estético del material con madurez y fuerza interior.

Enrico Rava: trompeta y flugelhorn

Francesco Bearzatti: saxofón tenor

Francesco Diodati: guitarra

Giovanni Guidi: piano

Gabriele Evangelista: contrabajo

Enrico Morello: batería