martes, 31 de diciembre de 2013

domingo, 22 de diciembre de 2013

BLACK MUSIC - LEROI JONES


Caja Negra Editora ha tenido la buena idea de publicar un libro capital dentro del ámbito en que nos movemos, y sumando la fecha de festividades que se aproximan viene ideal regalárselo uno mismo y/o algún afecto cercano por quien sintamos especial aprecio; estas cosas no son para cualquiera, debe ser sentido y merecido.

Les dejo con gusto la sinopsis para que curiosos y aficionados que no lo conozcan aún, se  sumerjan en este magnífico libro muy recomendable:

"La mayoría de los críticos de jazz han sido hasta ahora americanos blancos, mientras que los músicos más importantes no." Con esta frase comienza la compilación que el lector tiene en sus manos, en la que se documenta uno de los ejercicios de crítica musical más radicales y salvajes que alguna vez se haya puesto en práctica.

En estos ensayos, reseñas, entrevistas, notas para discos, crónicas e impresiones personales publicados entre 1959 y 1967, Amiri Baraka retrata la floreciente escena del free jazz, un movimiento que implicó una profundización de las innovaciones sonoras del bebop y la recuperación del jazz como expresión autentica de la cultura afroamericana en un momento en el que su éxito comercial lo había vuelto un género estandarizado y digerible para la América blanca.


Figura central y aglutinante del movimiento beatnik en los años 50 y del Black Power en décadas posteriores, Amiri Baraka hace uso de un lenguaje eléctrico y furioso que refleja la libertad de improvisación del free jazz para dejar en claro que esta música solo puede ser comprendida como parte de un cuerpo de experiencias que a lo largo del siglo XX dieron forma a una nueva conciencia sobre lo que significaba ser negro en los Estados Unidos. Y que por ello sus intérpretes, entre quienes destaca a John Coltrane ("su música es una de las razones por las que el suicidio parece una cosa tan aburrida"), Ornette Coleman, Archie Shepp, Sun Ra, Thelonious Monk, Albert Ayler, Pharoah Sanders, Sonny Rollins, Don Cherry, Wayne Shorter y Cecil Taylor, deben ser considerados, además de grandes músicos, como "intelectuales o místicos, o ambas cosas". 

jueves, 12 de diciembre de 2013

PABLO BASEZ [ NOVO CUARTETO] – OTROS





He escuchando detenidamente, evitando comparaciones estériles con su anterior registro “Nius On”, la segunda entrega del contrabajista Pablo Basez y llego a la conclusión que “Otros” se presenta ante el oyente como una instancia superadora de la anterior. Moldea un crecimiento exento de ego por parte del líder, abrevando en la aportación colectiva junto a un grupo de jóvenes músicos, que poseen una técnica que se caracteriza por su sensibilidad y entusiasmo de compartir.

El repertorio gira en torno a temas escritos por Pablo, Gonzalo y Rodrigo muy bien estructurados, que sustentan el marco de desarrollo para desmenuzar poco a poco los escollos que recrean y estetizan los diez cortes; cuya sustancia nunca es pretenciosa o impenetrable. A esto cabe sumar el genuino aporte de los músicos invitados que  desde su lugar asisten a la evolución congruente para incrementar posibilidades expresivas.

La “otredad” en filosofía trata sobre el reconocimiento necesario del otro, del prójimo, como elemento constitutivo de la riqueza que puede aportar a pesar de las diferencias, al crecimiento de las personas. En este caso se cumple con temple, este ejemplo que deviene en una música construida desde una esencia orgánica, que conjura la potencia creativa de los firmantes para el resultado final. Una ocasión muy saludable para descubrir una propicia elección que seguro con el tiempo irá sumando nuevos seguidores.

Pablo Basez, contrabajo y dirección
Gonzalo Rodríguez Vicente, saxo tenor
Rodrigo Agudelo Covarrubias, guitarra
Luciano Casas, batería

Músicos invitados
Alan Zimmerman, piano
Fernando Isaia, trompeta
Héctor Sánchez, vibráfono

R:IDJ

miércoles, 4 de diciembre de 2013

ENTREVISTA - ALEJANDRO DEMOGLI



Dentro del gran panorama del jazz local motivado por  una situación que se ha mantenido progresiva y constante en cuanto a  ediciones de discos, festivales y lugares  donde mostrar las distintas propuestas actuales ; nos llega a las manos el último material de Ale Demogli, “Luna”. No es poco que siendo tan joven haya obtenido halagos de John Scofield o que la publicación “Down Beat” lo haya catalogado de virtuoso en su instrumento.

Con un estilo sofisticado influenciado por un toque cristalino, vertiginoso pero siempre cambiante y tenso por momentos, sumado a  una labor del conjunto muy estimulante, Ale ha hecho un disco sustancioso, generando espacio suficiente para el lucimiento grupal con momentos muy recordables que ponderan un intercambio de voces con el resto, en complejas estructuras que manejan con soltura sin perder un ápice de elegancia.


IDJ. Contanos como fue la grabación de “Luna” tu último registro, por lo que pude averiguar, fue grabado y editado casi a la velocidad de la luz

Si la verdad que fue un disco que se hizo súper rápido en un mes y medio…., y no es poca cosa, sobre todo  en la era de la “Edición”…. (todo esta súper editado y recontra producido!) Este cede no tiene absolutamente ni  una sola edición. Es lo que escuchas, ni siquiera hay una sola nota arreglada.
Eso tiene que ver con una postura que tome hace algún tiempo. En realidad los discos que más me gustan (hablando del Jazz) son discos en vivo o discos que si bien están en estudio, no hay nada editado, y son tomas en vivo de esa música tocada en estudio.

Creo que ese es el espíritu del jazz, y se estudia y se trabaja diariamente para que esa perfección se vea plasmada en los trabajos. Que sea algo natural del momento y no preconcebido en un estudio con maquinas.
Por eso creo que el jazz hay que escucharlo en vivo, los compactos solo reflejan el 15 o 20% de lo que la música es en realidad. Y esa realidad en la cual se refleja la interacción en vivo y la reacción del momento, es totalmente descontextualizada y sacrificada cuando se comienza un proceso de edición. La interacción y el groove que es lo que mas me atrajo del jazz (y particularmente creo que es lo que lo mantiene vivo en la actualidad) desparece con la edición, a mi modesto entender.

Hay muchas músicas que se las enrola en las vastas filas del jazz y responden a un espíritu mas cercano al rock  o a la música clásica que al jazz, (hay demasiada producción atrás y la música termina desdibujándose y perdiendo su frescura y naturalidad).


IDJ. ¿Qué experiencia recogiste de Europa y de tus clases en Estados Unidos?, ¿Cómo ven a los músicos Argentinos por aquellos lugares, jazzísticamente hablando?

Estudie en EEUU un tiempo y luego volví para acá unos años. Después de un tiempo decidí volver para allá para ver si podía tocar con los músicos que hacían jazz.
Creo sinceramente que el jazz (como cualquier música popular es netamente de trasmisión oral), es imposible aprenderla comprándote libros, escuchando un par de discos o estudiando en una escuela.

Aprendes a tocar esta música tocándola con los que la hacen, con los maestros, con los que tienen los secretos que ningún libro te va a revelar, salvo ellos (y que a veces ni te lo revelan directamente, sino que  los transmiten por el solo hecho de compartir momentos con ellos), ellos son los que viven a través de esa tradición y filosofía.
Y así fue que volví y tuve la suerte de tocar con Bob Moses, Richard Davis (unos de los mejores contrabajistas de la historia del Jazz), con Dave Liebman (lo mas cercano a Coltrane que escuche en mi vida y a Miles Davis), con Kenny Werner, Ari Hoenig, etc.

Creo que ninguno de estos músicos se plantea de donde venís, algunos ni siquiera sabían donde quedaba exactamente Buenos Aires y Argentina, vagamente….  tenes la suerte de poder tocar con ellos y ahí aprendes, quizás no te dicen mucho, pero si estas ahí es porque realmente podes estar ahí.

Hoy en día creo que el jazz es una música universal, no pertenece a ningún país u extracto social. Es como la música Clásica que en realidad era música europea, pero que se disemino por el mundo, por ser una música extremadamente atractiva. Con el jazz paso lo mismo y hoy en día escuchas músicos de todo el mundo tocando y grabando con los mejores músicos americanos. Creo que esa barrera que antes existía ya desapareció.


IDJ. Desde mi escucha los músicos que participan en el grupo, son geniales, pero destacaría al pianista por sobre los demás, sin desmerecer a nadie. ¿Ya venías trabajando con alguno de ellos?

Nick Hetko es un pianista de 23 años con un futuro increíble, ya esta tocando con lo mejores allá y sin duda en breve se va a comenzar a hablar de el. En el caso de Rick Syracuse, es un contrabajista de extensa trayectoria, toco y grabo con Michael Brecker, Joey Calderazzo, Nick Brignola, entre otros. En el caso del baterista es Jeff Siege Siegel baterista que ha tocado con Ron Carter, Pat Metheny, Sir Roland Hanna, etc.

A Rick y Jeff los conozco de tocar con ellos en Europa, EEUU y Sud America con distintas formaciones. Son músicos súper versátiles y con una solidez increíble!, y Nick sabia que iba a tocar tremendo!
No hubo ensayos y la música se trabajo un poco en el momento y se grabo, manteniendo el más fresco espíritu del Jazz.  En el disco van a encontrar cinco temas propios y arreglos de dos clásicos de Billy Strayhorn, el recordado compositor de la orquesta de Duke Ellington (uno de mis compositores preferidos). 

Los originales son músicas que compuse en los últimos 2 años y ya estaban listas para grabarse. En el caso de Pintando días es un canción en un clave variable 33222 que luego pasa a 3 y 6, etc. dedicado al gran Dino Saluzzi, Mr T (dedicado a Thelonious Monk)  tiene reminiscencias de un blues en 7 pero no. Luna es una balada dedicada a mi hija, Twilight,  es una canción con algunas métricas 7 en el medio, Prisma es un tema de jazz con reminiscencias de algo de los 60’ pero con armonías un poco más modernas.

Los standards que grabé son el hermoso tema "Day Dream" que hice un arreglo en 5 pero con claves que van cambiando a través de las secciones, y el clásico "Isfahan" que tiene un arreglo que modula constantemente.


IDJ. Te comento algo personal (y disculpa la auto referencia), soy muy fanático de Pat Metheny, por él a mis ya lejanos 21 años, entré a profundizar en el jazz, soy de la generación ECM. Y tu sonido tiene fecundos ecos, dicho esto elogiosamente, del aludido y de otros que fueron contemporáneos a él. ¿Qué huella te dejaron como oyente/músico esos artistas?

Creo que Pat popularizó masivamente el sonido de la guitarra limpia de jazz, guitarristas como John Abercrombie utilizaban ese mismo sonido antes (pero al no ser tan famoso) no profundizo el cambio. Pat hizo famoso ese toque y lo llevo a todo el mundo. Con lo cual cualquier guitarrista de jazz que toque una música más contemporánea y con sonido limpio termina bajo su influencia inevitablemente.

Hay un montón de guitarristas modernos que los escuchas tocando guitarras con sonido limpio y suenan así, Jonathan Kreisberg, Adam Rogers, Mike Moreno, Paul Bollenback, Peter Mazza,  incluso Mike Stern (confeso utilizar distorsión para apartarse un poco del sonido Pat).

Lo mismo creo que sucede con el sonido ECM, Manfred Eicher logro grabar con una calidad de sonido muy particular que termino influenciando a toda la industria de la grabación mundialmente. Este disco lo grabamos en NRS en New York, con Scott Petit que a la semana siguiente estaba grabando a John Scofield por ejemplo……. Scott grabo a Danilo Pérez, a Chick Corea, Jack DeJhonette, etc. y conoce mil técnicas de grabación, creo que el sonido que logro captando el momento y la música,  es el  que más mantiene el espíritu verdadero de lo que se toco en el momento.


IDJ. ¿Qué músicos locales están entre tus predilectos? 

Creo que uno de los problemas más  grandes que tenemos los músicos locales de jazz, es que no tenemos apoyo de nadie. Ni el estado, ni entidades privadas apoyan el jazz local, como si lo hacen con otra música como la música clásica o el rock, que si vamos al caso tampoco son músicas que nacieran por estos lugares.

Y eso hace que los músicos de jazz locales hagan todo a pulmón. Es realmente algo muy desgastante y hace que esta música no se desarrolle, ni crezca masivamente.
Este disco Luna por suerte tuve el apoyo de un nuevo sello, que se desprende de una escuela de música de acá de Buenos Aires,  el sello es TAMABA REC y esta producido por Gabriel Mourelos. 

Realmente necesitamos más gente como Gabriel, si vez el festival de Jazz de Buenos Aires el 2013 (pasaron 86000 personas por todos los conciertos y todas las actividades!!!!), esto te demuestra que si hay gente interesada!
Tenemos solo este festival anual y su homónimo en Córdoba (más pequeño). No hay mas nada…. el resto del año tocamos en clubes para 100 personas (en el mejor de los casos). Y esto no lo digo por mi (tengo la suerte de viajar tocando por Europa, EEUU y Sud America permanentemente) lo digo por la cantidad de músicos y estudiantes que hay en Argentina que son muchísimos, que no pueden desarrollarse como músicos cabalmente.

Hace 3 años formamos una Big Band con Daniel Camelo en un club de Jazz que se llama Boris en Buenos Aires. Hace 3 años que estamos tocando todos los domingos a las 20.30hs con muy buena afluencia de público. Eso te demuestra que si se apuesta a la continuidad de los proyectos siempre hay frutos, en esa Big Band hay parte de los mejores músicos argentinos como Juan Cruz de Urquiza, Cirilo Fernández, Gustavo Musso, Richard Nant, Mariano Sivori, etc.


Discografía Referencial:

Ale Demogli Quintet - Just Songs
John Stowell & Ale Demogli Duo - Textures & Counterpoints
Hill Greene+Ale Demogli+Oscar Giunta
Ale Demogli+John Lockwood+Bob Moses
Ale Demogli – Luna


© Impronta de Jazz
 



martes, 26 de noviembre de 2013

CHICO HAMILTON - 20|09|1921 - 25|11|2013


Chico Hamilton, uno de los más grandes bateristas del jazz de las últimas seis décadas ha fallecido a los noventa y dos años en Nueva York, según ha confirmado su representante, April Thibeault.

Baterista y músico realmente innovador y referente del cool jazz, Hamilton fue especialmente reconocido por su labor al frente de rompedores quintetos y por su habilidad para descubrir nuevos talentos. 

Educado musicalmente al lado de genios como Charles Mingus, Illinois Jacquet y Dexter Gordon, colaboró a lo largo de su carrera (en la que también tuvo numerosas bandas propias) con artistas como Lionel Hampton, Slim & Slam, Lester Young, Count Basie, Duke Ellington, Nat King Cole, Sammy Davis Jr., Billie Holiday y Gerry Mulligan.
Hamilton grabó su primer disco en 1955, al lado de George Duvivier y Howard Roberts. 

Ese mismo año ponía en marcha un peculiar quinteto con chelo, flauta, guitarra, bajo y batería, un grupo que fue considerado uno de los más importantes del sonido del jazz de la Costa Oeste, formación con la que trabajó durante varios años, y con la que hizo varias grabaciones como «With Strings Attached», «Gongs East»,«The Three Faces of Chico», y «That Hamilton Man». Considerado entonces como un artista de vanguardia, en 1966 formaba una nueva banda al lado de Larry Coryell.

Fuente : ABC

miércoles, 20 de noviembre de 2013

SAN LUIS JAZZ FESTIVAL







Con buena organización y  discreta programación se llevó a cabo la primera edición del San Luis Jazz Festival, 1er Festival Nacional de Jazz en la capital puntana el pasado Viernes 15 y Sábado 16 en el Centro Cultural Puente Blanco. La producción y organización estuvo a cargo de Alberto Neira, en una gesta que apuesta a futuro  con la intención de ir creciendo año tras año.

Para entendernos el jazz que pudimos ver y escuchar se movió por los costados más amigables o mainstream, aunque la oferta estuvo variada, dentro de dichos márgenes.  El “New Jazzy Trío” con la voz cantante de Fabián González en saxo tenor, ofreció en su set  un puñado de standards que fueron de Trane a la Bossa Nova estilo Stan Getz.

Continuó con “No Tan trío”, en clave fusión-jazz y luego “Silvio Páez Cuarteto” con una propuesta muy en vena de grupos como Mezzoforte. “Amy Z y No Rehab Band” fueron también una sorpresa, con la voz de Agustina Zárate, personificando en cuerpo y alma a Amy Winehouse, acompañada por unos músicos muy interesantes, destacándose en la sección de vientos el trompetista y el saxofonista tenor, éste último, con un look del Med Flory de Go West Young Med.
Y cerró Daniel Maza trío con toda su esencia Uruguaya, y su bajo eléctrico rindiéndole homenaje al mítico solo de Jaco “Slang” del 8:30, en algunos pasajes de su performance.

Por cuestiones laborales no pudimos asistir al segundo día y cierre del mismo. La conclusión que sacamos y el deseo que esperamos, es que se sostenga en el tiempo y así generar espacios que se nutran de está música para convertirse en todo un acontecimiento artístico y sociocultural.

De nuestra parte ahí estaremos para apoyarlo y desde aquí una felicitación a su organizador y esperar que siga en la brecha juntando voces que se sumen en futuras ediciones. Que así sea.  


R:IDJ

martes, 12 de noviembre de 2013

MARCO SANGUINETTI - 8



Cuarta producción del pianista, recompensa a la perseverancia, con una propuesta que surca diversos caminos y lenguajes; expresados con frescura de ideas, con anclaje estético tanto en lo impresionista como lo expresionista.
El disco abre con “Cuchillo” y desde ese comienzo Marco ya deja entrever sus pretensiones sobre el paradigma de su búsqueda sobre Nueva Música Argentina. Ataque directo sobre la composición con cuerdas, maderas, efectos especiales y lo necesario para asumir todo tipo de riesgos en ámbitos de experimentación y audacia.

“Ruedas” se vuelve más ácido  y violento a medida que se lo escucha. Cubierto de cierto espíritu indócil hacia una tendencia que  expande el dulce  caos, recordando que Marco le da un valor añadido a la aportación grupal. “Caminos” se construye sobre la melodía del armonio con tonos y texturas que la hacen sonar distinta al resto del material.

Sin dudas, lo mejor de este trabajo es “No lo sabemos” una delicada pieza melancólica, seductoramente densa  que provoca una gama de sentimientos contrapuestos, agitando los fantasmas del misterio y la tristeza cuyo título responde a la pregunta que le hiciera Henning Lohner a John Cage sobre que es el amor: “No lo sabemos, pensamos  que es el amor a alguien, pero sospechamos que puede ser a nosotros mismos. Simplemente no lo sabemos”. Los sonidos hechos por Migma  cumplen un papel  fundamental en la decoración final y  en general está muy marcada por cierto aire a lo Radiohead, dicho en un sentido laudatorio, cristalizando una redondez que con sus variantes acompaña la escucha y como condimento extra, llena de imágenes la película que cada uno quiera llevar consigo.

“La ventana” se abre y parece un amanecer a campo abierto, es el único tema cantado por Victoria Zotalis a medio camino entre la baguala y el folclore de proyección. “Navigator”, “San Telmo” y “Claramente” aúnan fineza y sensibilidad a esta excelente producción; quizás el segundo sea un intento de representar el mapa emocional del pianista, ese toque vivencial que encarnan las sensaciones del lugar donde vive.

Si me permiten decirlo, todos cumplen pero en el juego de las diferencias vaya desde aquí mención especial para Dj Migma, un verdadero artesano del color musical, que con mucho criterio crea un contraste sonoro encarando las composiciones con impecable imaginación.

Música ajena a los tópicos, con peso y valor propio, fiel testamento de la creatividad del pianista que materializa aristas ocultas y soñadas; brotando hacia un mundo que pide ser escuchado.
Ser auténtico en la vida implica una serie de riesgos a los que creo que Marco está muy acostumbrado a enfrentar.

Marco Sanguinetti - Piano, armonio, cucharas y tabla
Jerónimo Carmona - Contrabajo
Fermín Merlo - Batería
Migma - Bandeja de vinilos
Victoria Zotalis - Voz
Leila Cherro - Violoncelo
Mariano “Manza” Esain - Guitarra

R:IDJ

miércoles, 6 de noviembre de 2013

FRANK ZAPPA AND ENSEMBLE MODERN



G-Spot Tornado- Frank Zappa and Ensemble Modern-The Yellow Shark

lunes, 28 de octubre de 2013

LOU REED - 2|03|42 - 27|10|13





BUENOS AIRES (Télam) El músico, cantautor, compositor y poeta neoyorquino Lou Reed, fundador del grupo The Velvet Underground, falleció ayer a los 71 años, luego de haberse sometido a un trasplante de hígado en mayo.

Nacido como Lewis Allen Reed en Long Island, el 2 de marzo de 1942, fue una especie de figura renacentista dentro del ambiente del rock, porque no sólo se dedicó a la música, sino que funcionó como actor de cine, guionista de TV y hasta pintor.

Pionero del rock alternativo como líder de TVU y luego como solista, se colgó una guitarra en la adolescencia como miembro del grupo The Shades, con el que grabó un disco simple, al tiempo que se aficionaba al free jazz y se dejaba influir por escritores como Truman Capote y Francis Scott Fitzgerald.

Su entrada en la popularidad devino con The Velvet Underground, una banda tan influyente como de relativa duración (1964-70) que fundó en Nueva York y a la que aportó temas como I`m Waiting for the Man, Sweet Jane y el emblemático Heroin.

En 1972 grabó su primer vinilo como solista en Gran Bretaña, junto a Rick Wakeman (teclado) y Steve Howe (guitara), músicos del grupo Yes.
El álbum se llamó Lou Reed y fue seguido por Transformer (1972), Berlin (1973), Sally can`t Dance (1974), Metal Machine Music (1975), Coney Island Baby y Rock `n` Roll Heart (1976), y una quincena más, hasta llegar a Lulu (2011), en colaboración con Metallica, el grupo que en diciembre próximo tocará en la Antártida Argentina.
    
Enormes poesías. A Reed no le fue bien al principio con la venta de sus creaciones, aunque entre sus fanáticos hubo gran repercusión de Berlin, con temas que abarcaban la prostitución, el suicidio y el uso de drogas en los barrios bajos, todo con enorme poesía.

Esa sordidez temática fue una avanzada sobre lo que a finales de los 70 significó la cultura punk, con fuerte presencia del dolor físico a través de cuestiones como el sadomasoquismo, la confusión de géneros, el exhibicionismo y el uso de la heroína.
Personaje icónico de una cultura, se codeó con Andy Warhol y los individuos de su particular factoría pero nunca condescendió a la liviandad; sus criaturas estaban impregnadas de angustias evidentes, de búsquedas existenciales de los márgenes no elegidos.

Entre 1975 y 1980 produjo un disco extraño, Metal Machine Music, considerado por él mismo como "insoportable de escuchar".
Con el álbum The Blue Mask se casó con su primera esposa, Sylvia Morales.

A partir de entonces su entonación fue cada día más oscura, como presa de su aguda desilusión, en piezas como Magic and Loss (1992), Set the Twilight Reeling (1996), Ecstasy (2000) y The Raven (2003).

El espíritu de Reed permanecía en los sitios más oscuros de su Nueva York natal, donde vivió hasta sus últimos días.

miércoles, 23 de octubre de 2013

ENTEVISTA - JOAJU




De las tierras atravesadas por la melodía  del Pájaro Campana, desde ese punto neurálgico que es la triple frontera, de la suntuosa avenida Generalísimo Franco (hoy Avenida España)  donde Anastasio Somoza se encontró cara a cara con su final; nos llega “Joaju” que significa “juntos o en conjunto” en guaraní y que editaron un excelente comienzo de nombre “Jazz De Acá”.

Ellos son el cuarteto formado por : Víctor Morel en batería, Miguel Antar en contrabajo, Giovanni Primerano en piano y Bruno Muñoz en saxo tenor.
Desde que mi amigo Carlos Ceringale me envió este material me advirtió y cito textual: “esta gente es cosa seria”, dejándome pasmado por la fuerza de la propuesta y debo decirlo por provenir de un lugar que en mi ignorancia no sabía que generaba manifestaciones jazzeras.

Víctor Morel el hombre encargado de las baquetas acepto la entrevista y abrimos el juego para  escuchar atentos que se dice por aquellos pagos.


IDJ. Me interesaría que cuentes porque comienzan con una composición cuyo nombre parafrasea al mítico personaje Kunta Kinte de la novela Raíces. ¿Hay algún tipo de reivindicación hacia el personaje y su historia de vida?

La decisión fue más por la influencia y el gusto que tenemos por la composición misma, que por otra cosa.
Es un tema que nos divierte mucho, y en cierta forma creo que también, como que determina el ánimo del cuarteto y del disco en sí, de valorar, homenajear y tener en cuenta las tradiciones, a la hora de hacer música. Carlos Centurión me había hablado hace un tiempo sobre el tema, a todos nos llamaba la atención el nombre, y me había comentado que lo compuso camino a la quinta, que era la casa de un amigo amante del jazz en  donde se juntaban a tocar un poco, y que luego surgió la melodía silbándolo en el camino, y que el ritmo fue influido en cierta manera por el movimiento de su  camioneta, gracias a las pésimas condiciones de las calles asuncenas (jajaja). 

De ahí ese ritmo sincopado a lo second line de New Orleans, al llegar a la quinta le dió el feel al baterista y lo anotó en una servilleta y empezaron a tocarlo, por eso es que le puso Qunta kinta, es así que a la composición la veo también como una homenaje a la tradición del jazz y sus raíces en New Orleans, que se refleja en el ritmo y el espíritu del personaje de la novela kunta kinta el cual era un esclavo afro americano del sur, y  mencionándolo como bien lo dijiste con un juego de palabras entre kunta y la Quinta Adam, un espacio muy importante en su momento donde se compartía mucha música y bueno se hacía mucha música.

IDJ. ¿Qué músicos los han influenciado en su formación, tanto actual como histórica?
                                                                                                                          
Creo que sin duda los músicos a los cuales homenajeamos en el disco son parte importante de nuestras influencias, por mi parte mi viejo Toti Morel que es baterista, y bueno gracias a él tuve el privilegio de conocer al resto, de escuchar sus ensayos y de ir a los conciertos. Es así que tenemos una gran influencia de la música y la manera de hacer y/o encarar la música en el país, de Carlos Centurión, Remigio Pereira, Carlos Schvartzman, Gustavo Viera, Jorge Lobito Martínez, Oscar Cardozo Ocampo y otros. En cierta manera fueron ellos un puente para luego asimilar y admirar a artistas como Herbie Hancock, Michael Brecker, el quinteto de Miles, el cuarteto de Coltrane, Pat Metheny, Branford Marsalis Quartet y de lo actual entre otros la música de  Roy Hargrove, Warren Wolf, Dave Holland Quinet, Dave Douglas, y otros.  


IDJ. Fuera del género, ¿Qué otras actividades culturales los atraen?

Personalmente, vengo de una familia donde el arte está presente de manera diversa, bueno mi viejo como ya lo mencioné es músico baterista también, mi hermana mayor se desenvuelve dentro de las  artes visuales  y tengo otra hermana la cual se desempeña dentro de la danza contemporánea, ella  integra el ballet nacional contemporáneo, y mi hermana menor, está involucrada en lo que es fotografía, así que estos escenarios culturales suelo tener en cuenta o de tratar de asistir en lo posible.

IDJ. ¿Llegaron a tocar con algunos de los músicos que se homenajean aquí?

Fuera del cuarteto, todos hemos tocado en mayor o menor medida junto a los homenajeados del disco, a excepción de Jorge “lobito” Martínez que lamentablemente falleció en el 2003. Con el cuarteto hemos tenido la oportunidad de presentar el disco con la mayoría de los compositores en un concierto en el teatro municipal, de ahí hemos venido presentando cada tanto conciertos con un invitado del disco en particular, hemos realizado concierto de esta índole junto a Remigio Pereira, con el cual también, fuimos a presentarnos en el Festival internacional de Santa Fe – Arg el pasado marzo, también hemos tocado recientemente en un teatro junto a Gustavo Viera, que si bien es un guitarrista argentino de Formosa,  el cual se ha radicado en el país desde hace un tiempo, creemos que  ha sido una gran influencia para la escena, (recientemente a  lanzado su tercer disco Los colores de la música, el cual hemos grabado entre otros, Bruno, Giovanni y yo). Dentro de esta temática planeamos hacer un concierto junto a mi viejo a dos baterías, concierto el cual espero con ansias realizar  para el 2014.

IDJ. ¿Cómo es la escena en tu País? ¿Que otros grupos hay? ¿Tienen apoyo de parte de la  gestión cultural hacia este tipo de manifestaciones?

Bueno a la escena con sus limitaciones, la veo en un constante ascenso y ansias de crecer, un circuito si bien pequeño, pero con gran estima por la música y el crecimiento del jazz en el país. Actualmente entre algunos de los grupos o individualidades en constante actividad se encuentra el organista argentino radicado en el país ya hace bastante tiempo, German Lema el cual ha podido editar como 4 discos, actualmente liderando  el trío ‘Llibre Albetrio’’,  el guitarrista y amigo José Villamayor, el cual ha producido y lanzado un disco compilado con algunos maestros del jazz, denominado ‘’Jazz en Paraguay’’, así como también un libro que trata de la visión de los diferentes maestros del jazz  y su desenvolvimiento con el estilo en el país. Se encuentra Remigio Pereira actual arreglador de la Sinfónica Nacional, constantemente viajando a la ciudad de Santa Fe para enseñar en el festival trombonanza, el pianista Carlos Centurión, quien está trabajando en composiciones propias. También ha lanzado recientemente su disco el guitarrista Pedro Martínez, luego de residir en Sao Paulo, que viene presentando un excelente proyecto y disco de música paraguaya contemporánea con temas autorales en su mayoría.

El disco buscamos lanzarlo con ayuda del fondo nacional de cultura pero aun ante la negativa, nos pareció que el proyecto merecía salir a como dé lugar y lo lanzamos de manera independiente. En el 2011 logramos obtener la ayuda de la Secretaría Nacional de Cultura, que financió una gira por ciudades del interior para presentar el disco.

La falta de lugares donde hacer jazz y el escaso apoyo por parte de las instituciones culturales del país, hacen que en cierta medida, el poder mantener o llevar a cabo un proyecto sea tarea altamente difícil. Actualmente nos estamos juntando de manera independiente en una especie de colectivo artístico de músicos de jazz y otros estilos para darnos una mano en este sentido, a la iniciativa la denominamos Jazz Hendu.
Otra buena noticia es que éste año se ha abierto la carrera de licenciatura en música popular en la facultad nacional, que espero sea también un canal para que la música en general  y el jazz  puedan crecer más.

IDJ. Coincidís en que el jazz se ha vuelto un arte abstracto y que se ha alejado de sus propiedades primigenias. ¿Que sesgo tenía la música de Carlos Centurión, Carlos Schwartzman, Rolando Chaparro o  “Lobito” Martínez?

Si hay algo que caracteriza al jazz mas allá de su principal espíritu, el de la improvisación musical, y de la espontaneidad, es su capacidad de asimilar otras formas y tradiciones musicales. Creo que el jazz por sobre otros estilos de hacer música, ha dado la inmensa posibilidad de expresión artística/musical sin limites, y ha tenido la posibilidad de poder asimilar y fusionarse de manera hasta propia con otras músicas. No en vano en New Orleans donde convivían diferentes culturas en su época, dio paso a esa  cultura afro americana una especie de conmemoración a la fusión de tradiciones y costumbres.  Creo que por algo New York  sigue siendo la meca del jazz, no solo por la historia que tiene con el jazz y sus grandes artistas norte americanos, si no, porque se da esa conjunción de diferentes culturas fusionando y aprendiendo unas de otras, para hacer música de manera espontanea y única y de buscar renovarse constantemente, con un respecto a los orígenes de la propia música.

Coincidentemente de los cuatro autores que me citaste, tanto Centurión, Schvartzman, Chaparro y Martínez, tienen todos algo en común, cada uno de ellos han o siguen encarnando la forma de hacer música diferente pero con un profundo respeto a las tradiciones y una búsqueda de renovación constante.   
En su momento Carlos Centurión se enmarco a realizar algunos arreglos sobre temas tradicionales de la música paraguay, con re armonizaciones y  hasta cambios de métrica, fue uno de esos proyectos que sin duda revitalizo el ambiente jazzístico en el país, me había comentado que cuando lo tocaban, sonaba tan natural el arreglo que la gente no se percataba que estaba en 7/8 cuando la música paraguay se escribe en 6/8. 

Hace poco tuve el gusto de que  compartiera conmigo algunas de sus  nuevas composiciones, que tienen un gran toque de jazz contemporáneo, algunas mas hacia lo be bop, otras de latin jazz y otras de música paraguaya,  Rolando además de ser un excelente guitarrista es una gran compositor, integro varias agrupaciones del folclore y la música de protesta en el país como el grupo Ñamandu, así mismo también estuvo y  sigue metido en el ámbito mas del rock, y es uno de los pioneros dentro del rock en el país, de fusionar el rock con la polka paraguaya y la guarania, integro en su momento el  quinteto del saxofonista Palito Miranda, donde integraba también  mi viejo, giraron mucho por países del sur, sacaron un disco en vivo de su presentación en el festival de jazz de mar del plata, donde pude conocer el tema que grabamos con Joaju “Un poco de Rio”, originalmente una composición con un ritmo de samba rápida.

Carlos Schvartzman es uno de los maestros del jazz en el país, guitarrista, educador, guitarrista, y en ahora mas metido en el piano como instrumento, con un manejo del lenguaje jazzístico bastante meticuloso. Integro y fue arreglador de un grupo vocal muy exitoso en su momento en el país, con un repertorio de música paraguaya, con re armonizaciones jazzisiticas de gran destaque. Sus composiciones tienen una fuerte influencia de los standards de jazz, así como también se ha involucrado con la música paraguaya, con la polka y la guarania a las cuales ha brindado de una gran  riqueza armónica. Y  al igual que esta corriente la música de Jorge lobito Martínez, uno de los mas influyentes pianistas del país, ya no solo del jazz sino de la música en general en el país, ha resultado ser de un valioso aporte cultural, en sus comienzos estuvo mas metido en el ámbito jazzístico, el tema que interpretamos en el disco Carola, no había sido grabado en estudio antes salvo la versión del saxofonista argentino Andrés Boiarsky en su disco Coincidencias. Tengo una versión en casette donde participaba mi viejo, del mismo tema grabado en vivo en una presentación del trío de Lobito más Boairsky, que era allá por el 86. La música de lobito por los últimos tiempos de su vida, lamentablemente ya no lo tenemos entre nosotros, se enmarco en una re interpretación de la música paraguaya, ha lanzado un disco denominado Solo Guaranias, de arreglos de grandes guaranias, así mismo compuso temas propios de música paraguaya, los cuales son interpretados no solo por músicos de jazz, sino por pianistas ya sea del ámbito clásico o de la música paraguaya, como que dio un mayor impulso y visión artística contemporánea a la música paraguaya, sin perder esta, sus raíces folclóricas.

IDJ. ¿Hay necesidad de revolucionar la música? ¿A que se reduce el jazz hoy por hoy?

Veo de por si a la música como un instrumento revolucionario, es algo que debería y por naturaleza estar en contante cambio, de que así sea, depende mucho de la relación de la música con la industria y su medio social por así decirlo, muchas veces es la industria la que condiciona a que haya un cierto estancamiento creativo o también los pre juicios del medio. Muchas veces es la gente ya sean los músicos o la audiencia, la que ven con esa cierta actitud inquisidora a la música porque es presentada o hecha de tal manera. No me cabe eso de culpar a  la música por que suena de determinada  manera y mucho menos, a los músicos por que la hacen de determinada manera. En la historia podemos ver a grandes músicos y revolucionarios a los cuales se lo han desterrado por dar un paso mas adelante, en argentina mismo con Piazzolla y en este caso en particular creo que, tiene que ver con la inquisición del medio, que es lo que a veces me preocupa mas, ese boicot por parte de los mismos músicos de cómo otros hacen de determinada manera la música, o por que  se dedican a  cierto estilo, antes que el de la industria. La industria al fin y al cabo sabemos que mientras dirija e influya, lo hará en beneficio propio, pero ese boicot del medio me parece muy peligroso. La verdad no se bien que uno podría reducir el jazz hoy por hoy, creo que el ambiente se esta como retro alimentando, como que volviendo a los orígenes, (o tal ves sea solo una búsqueda personal)  creo el jazz hoy por hoy es como una formula es un ejemplo para otras músicas y ha dado un elemento revitalizador al ahora de fusionarse con otras músicas.


IDJ. La propuesta que ustedes hacen suena como decimos aquí “al palo” muy en la vena hard-bop y sus ramificaciones. ¿Con cuál período se sienten más representados?

Personalmente me encanta los discos y las agrupaciones de los 50, y 60 , me siento identificado con ese sonido por así decirlo, si es que escucho algo nuevo trato de que tengan una cierta influencia de esas épocas. Y bueno al formar el cuarteto venia con esa idea de asimilar un tanto la visión y la forma de encarar hacer música de ese periodo jazzístico. Y bueno los camaradas de Joaju están en la misma, cada uno tiene ciertos gustos y preferencias, los cuales convergemos al final de alguna u otra forma, o tratamos jeje, pero sin duda el espíritu y la visión musical de ese periodo nos atrae bastante.
 
IDJ ¿Cómo es vivir como músico independiente y por ende como se llevan con  el hecho de hacer jazz sabiendo que no es un tipo de música mayoritario?

Y es algo bastante complicado, difícil y de seguro, tal ves no tan alejado de otros circuitos. En mi caso bueno soy hijo de un músico y un baterista, en cierta forma me veo como un privilegiado. Crecí observando el medio desde chico, relacionándome con un circulo de músicos en particular,  el cual veían hacer música como algo bastante serio, tenían un profundo respecto por la música, con esa actitud de que hay que tocar de todo sin importar el tipo o estilo de música, y de forma independiente para primero que nada, poder sobrevivir y luego seguir haciendo la música que los apasionaba, ese era el riesgo en su momento en un país donde la industria musical esta sub desarrollada, dedicarse hacer música es algo sumamente difícil, y en realidad lo sigue siendo. Aun así , creo que teniendo en cuenta esto, en lo que respecta a los 4 que hacemos el cuarteto, podemos decir que venimos batallándole de buena manera, el poder hacer jazz y dedicarnos a la música que nos gusta o con la cual nos identificamos a pleno, cada uno tiene su proyecto a parte o su circulo de laburo si cabe el termino, el cual se siente a gusto, Giovanni está muy metido en el ambiente de música folclórica, Miguel radicado actualmente en Sao Paulo viene llevando proyectos de música instrumental y de mpb, Bruno esta enseñando saxo en la licenciatura de música popular , y ha abierto un club de jazz ( mburucujazz) un importante y tal vez único espacio donde hacer jazz en la ciudad, por mi parte tengo otro proyecto de jazz y hip hop en el que estoy metido. El dedicarnos al estilo depende mucho de la visibilidad y los proyectos que mantenemos, la falta de espacios es tal vez un obstáculo, aun así el crecimiento musical de cada uno depende del compromiso que tenemos con la música, así que es algo del que no podríamos dejar de hacer.

IDJ. ¿Cuándo llegaron a la conclusión que su propuesta debía ser mostrada y escuchada?

Personalmente venia escuchando y/o tocando de forma dispersa una gran cantidad de material original de todos los compositores homenajeados, con el cual en cierta forma me sentía identificado. El circuito en cierta forma estaba acostumbrado a que las agrupaciones de jazz ejecuten standards de jazz mas que nada, y la música original estaba como apartada, tal ves por la falta de garantías en desarrollar proyectos.
Los temas, algunos, creo que son como la imagen de cada compositor, y creo que desde hace rato merecía ser mostrada y difundida.  En parte la idea al conformar el cuarteto era el de trabajar y canalizar música original, creo que el mejor pie para en cierta forma darle un impulso creativo el cual el cuarteto pueda desarrollar era con este homenaje de disco, de ahí el nombre Jazz de Acá, que era como una idea de proyecto de presentar composiciones de jazz originales, de álbum, antes que grupo. 

Luego de trabajar un año en los arreglos y selección de temas lo presentamos en un teatro, y tuvo un inmenso destaque, sala mas que llena,  tuvo un impacto tan grande en la escena de jazz y de música en el país, que lo que en principio era el nombre del disco ‘’Jazz de Acá’’ para la gente fue  el nombre del cuarteto,(en ese momento Morel-Antar-Primerano-Muñoz Cuarteto , ahora JOAJU cuarteto) pero la idea sin lugar a dudas era y sigue siendo desarrollar el jazz de acá, en la actualidad, aparte de seguir interpretando otras composiciones originales de autores del país ya sean de jazz y/o de música paraguaya, estoy muy entusiasmado con las composiciones que vienen desarrollando Bruno y Giovanni que esperamos podamos presentarlas en el nuevo disco que ya tenemos en mente producirlo.


IDJ. Facebook, MySpace, twitter, blogs. ¿Se acortan las distancias o se alejan y se pierden en la espesura  de la red de redes a la hora de difundir un disco? ¿Sigue funcionando el hecho de editar en formato físico?

Yo creo que sin duda se acortan, hoy en dia la inmensa posibilidad de conexión y muestra de proyectos a nivel mundial con la herramientas que ofrece Internet es algo de gran ayuda,  ya sean youtube, facebook, soundcloud y otros, son medios los cuales son de gran utilidad a la hora de difundir materiales, no se si a gran escala, por que nos manejamos de manera independiente, pero si ofrecen una cierta visibilidad y de pantalla para poder acercar la música que uno hace a mas gente, ya sea en el país donde esta o afuera.

Personalmente soy partidario del seguir editando discos en formato físico tanto los discos físicos y el formato mp3s son dos frentes los cuales hay que cubrir de alguna y u otra manera. Hacerlo de manera independiente es bastante difícil, con este primer disco, nos fue bastante bien, sin haber ofrecido difusión y/o venta en formato digital, que es algo a lo que no pudimos llegar por logística más que nada.

Y bueno dije lo de la edición en formato físico que soy partidario, ya que se fusionan el trabajo de la música y su visión estética de la misma con el arte de tapa y cosas así. A nivel mundial estoy viendo que  el formato vinilo ha vuelto por ejemplo ya sean en el jazz como en el rock, que si bien en nuestro ambiente es algo que no cabria, pero el cual me gusta ver, soy de comprar vinilos hasta ahora, cada ves que viajo trato de comprarlos, Giovanni hace lo mismo con los cds.

IDJ. ¿Cómo para cerrar que diferencias notan entre el jazz que se hace aquí en Argentina y el de Paraguay y si están al tanto de la corriente en Latinoamérica, en cuanto a grupos?

Bueno sin  duda hay una enorme diferencia empezando con el medio en que se desarrolla el  jazz en argentina, y el de acá. Se tiene una cierta industria del jazz edificada, de seguro con sus limitaciones, pero la tienen! El desarrollo del jazz esta inherentemente relacionado al desarrollo musical en general y a la tradición de enseñanza que se tiene en el país, por dar un ejemplo, acá en Asunción el conservatorio nacional de música no tiene más de 15 años de vida y el conservatorio de tatui en Sao Paulo (el cual tiene una cantidad importante de alumnos de paraguay) cuenta con más de 60 año de vida. Bs As  es una ciudad referente del jazz a nivel sudamericano, con grupos de los más variados estilos y formaciones. El jazz que se hace en argentina veo como que  ya tiene  asumido una cierta identidad, mas allá de que se fusione el jazz con músicas propias como el tango o el folclore (chacarera, otros). En cierta forma la música suena a la ciudad o al país, tiene un sello característico y personal, lo mismo pasa con la escena en Sao Paulo, una escena de jazz que desconocía hasta hace muy poco, (por que una cosa es la escena de jazz y otra la de mpb), y la cual tuve la oportunidad de ir a conocer,  relacionándome y haciendo música  junto amigos músicos de la escena, también mas allá de haber fusiones con la música popular brasilera, el jazz suena a de ahí, tiene asumido un cierto feeling propio. 

Discografía :  Jazz De Acá - Tributo A Nuestros Compositores

Víctor Morel - Batería
Miguel Antar-  Contrabajo
Giovanni Primerano - piano 
Bruno Muñoz - saxo tenor


© Impronta de Jazz



                                                                       


lunes, 14 de octubre de 2013

MARIANO LOIACONO NONETO - HOT HOUSE




Al trompetista, en ese deseo joven de sorprender a todos y a su vez a sí mismo, se le va haciendo carne la frase caminante no hay camino se hace camino al andar. Y en ese andar va dejando muestras muy estimulantes e interesantes, en donde uno percibe que el pequeño hombre se va consolidando; dueño de un estilo propio en su instrumento y pavoneándose como un acertado arreglador, subiendo un escalón más en los pilares del sello Rivo.

Ocho cortes clásicos de cuño hard-bopero cuya solidez narrativa sirve de excusa para  mostrar el buen gusto de Mariano. Desempeñando una plausible relectura que no dilapida un segundo en dar rienda suelta a su pensamiento musical, el dispositivo expresivo encuentra su coyuntura en un noneto de músicos excelentes.
Juntos ponen sobre la mesa una gran unidad de consistencia formal, aglutinando una riqueza sonora de gran variedad de texturas y el clima irrepetible que suma un lugar como el estudio de grabación de Café Vinilo, paso obligado del argot jazzero local.

Déjese llevar por está música que aunque suene a mil veces escuchada, es como esas bebidas espirituosas de buen calibre con las que hay que ser generoso y darle tiempo  a que se vaya asentando en su oído, degustándola de a poco.


Mariano Loiacono - Trompeta y flugelhorn
Richard Nant   - Primera trompeta y flugelhorn
Gustavo Musso - Saxo alto
Sebastián Loiacono - Saxo tenor
Ramiro Flores - Saxo barítono
Franco Espíndola - Trombón
Alan Zimmerman - Piano
Jerónimo Carmona - Contrabajo
Fermín Merlo - Batería

R: IDJ