viernes, 31 de diciembre de 2010

martes, 21 de diciembre de 2010

ERNESTO JODOS - MILO



Es uno de los mejores pianistas del jazz actual, su trabajo "El Jardín Seco" está entre lo más logrado de esta música, con un nivel de vuelo compositivo y creativo muy personales. La composición ejecutada aquí, pertenece a su trabajo "Perspectiva" grabado en su momento para el sello S'JAZZ.-


Ernesto Jodos, piano.

Nelson Arriagada, contrabajo.
Félix Lecaros, batería.
Thelonious, Santiago de Chile.
Agosto 2005.

miércoles, 15 de diciembre de 2010

BLUES Á LA TRANE

Éste proyecto llevado a cabo por un músico genial , nace sin haber sido planeado de antemano. Para alguien como Liebman que a estas alturas de su carrera esta más allá del bien y del mal; éste debe ser un ejercicio cotidiano al que debe estar más que habituado.
En 2008 de gira y presentandosé con un programa dedicado a composiciones de Kurt Weill y Alec Wilder, nace este impase, a partir de un concierto en el "De Singer jazz club", un pequeño club en la localidad de Amberes en Bélgica.
El ambiente del mismo y la libre asociación de ideas, lo lleva a pensar en tocar repertorio diferente basado en sonidos nocturnos. Así comienza la historia de lo que devino luego en homenaje a John Coltrane y que Kris Roevens [ bendito él ] registró aquella noche.
El trío tiene espesor y continuidad en el fluir de la propuesta en la cual el saxofonista se mantiene impoluto a la imagen que le devuelve el espejo en que se mira : la de Trane.
Sin embargo aquí no hay gestualidades repetidas; el líder que vela por la tradición Coltreana que nadie debe mancillar, posee un discurso auténtico que lo aleja de la gigante sombra de su temprana inspiración.
Amén que el trabajo abre con "All Blues" el clásico de Miles y cierra con "Take the Coltrane" de Ellington; la sonoridad de David remite a la de su maestro y ahí radica su mérito. Excelente disco de final de año y de los que vendrán.-

David Liebman (soprano and tenor saxophones)
Marius Beets (bass)
Eric Ineke (drums)

Reseña: Micky Almada

miércoles, 8 de diciembre de 2010

IN SESSION


Estas fotos pertenecen a una sesión de grabación realizada en Marzo de 2000 en Estudios Moebio, Buenos Aires correspondiente a un trabajo que, al día de hoy, no ha visto la luz entre Agustí Fernández (Piano) Pablo Ledesma (Saxo Soprano) y Mono Hurtado (Batería).
Tres músicos de calidad contrastada, se unen en un proyecto para gestar (lo suponemos desde lo que intuimos por el historial de los tres) una música libre en sus formas, como la que prodigan en sus trabajos y proyectos personales. Lo recalcamos, es solo una mera hipótesis sobre lo que imaginamos al no tener el material.
Solo podemos deducir desde la observación de las mismas, un clima amable y reflexivo, con tres músicos a gusto con la situación planteada. Pablo me comentó que la inversión para dar a conocer este tipo de música tiene un costo alto, del cual no se recupera nada, debido al poco interés del público.
En un mundo que globaliza el aplanamiento y el distanciamiento cultural en todos los órdenes imponiendo un tipo de arte que ya está decidido de antemano, no podemos esperar otra cosa.
Queda sí, la actitud constante de "militancia", al menos desde mi humilde lugar y de quienes quieran hacerlo, de difundir este tipo de música.
Un agradeciemto a Pablo Ledesma por su infinita solidaridad para quienes a partir de la radio divulgamos sus trabajos y a Argamonte, quien gentilmente me pasó las fotos.

Agustí Fernández - Barcelona, España
Pablo Ledesma - La Plata
Mono Hurtado - Bs. As.

Comentario: Impronta de Jazz

domingo, 28 de noviembre de 2010

LA SENSIBILIDAD




Ernst Glerum (1955) estudió contrabajo clásico en el Conservatorio de Amsterdam. Durante sus estudios se incorporó a la música contemporánea en conjuntos como "ASKO Ensemble" así como en grupos de música improvisada [ Curtis Clark, Hans Dulfer,
JC Tans ] . Con el Amsterdam String Trio y el Instant Composers ha tocado en muchos escenarios internacionales. Acompañado por un joven pianista que desconozco su nombre nos deleita con una brillante composición. Como reza su nombre, impresionista.

martes, 16 de noviembre de 2010

AMNESIA COLECTIVA

Fernando Vargas Valencia, poeta colombiano y amigo generosamente me informa de su nuevo proyecto, "Épica de los desheredados". Me llena de satisfacción su palabra y su accionar comprometido políticamente con aquellos que la sociedad nunca escucha. En estos versos las palabras gritan deseosas anhelos de justicia, fieles testigo de lo escuchado, observado y vivido por el autor. Un poemario que escoge el mejor camino para desear un mundo diferente.
"La sociedad no puede emanciparse sin emancipar a cada uno de sus individuos"

Friedrich Engels





SOBRE "ÉPICA DE LOS DESHEREDADOS" DE FERNANDO VARGAS VALENCIA.

Por: Fernando Cely Herrán


Recorrer los versos de este poemario es aproximarse a ese país permanentemente e intencionalmente evadido por la acostumbrada amnesia colectiva. Ríos de sangre y brutalidades humanas que enfrentan pueblos y veredas de remotas y cercanas geografías. Conmovedor compromiso del poeta al rescatar estos episodios que forman parte de una historia aún no escrita; testimonio asumido desde las voces que el juglar escuchó personalmente en sus periplos como jurista y guardó en sus retinas para convertir en versos bien logrados, las miradas absortas y perdidas, los impotentes recuerdos asumidos para que no se los trague el olvido.
Fernando Vargas Valencia, en su proceso de crecimiento poético, depura su acostumbrada sensibilidad, para brindarnos un nuevo trabajo esmerado y cuidadoso; nos compromete a la profunda reflexión frente a la “normalidad” que a diario nos presentan los medios de comunicación y nos invita a ser voceros permanentes de las comunidades que afrontan la barbarie.


EL SALADO I

“Los paramilitares que hace nueve años participaron en la masacre ocurrida en "El Salado (Bolívar)" obligaron a varias mujeres a desnudarse y bailar delante de sus esposos o padres, que después fueron asesinados”. Periódico El Tiempo.

La vergüenza de bailar
ante tantas miradas.
La vergüenza de mi piel desnuda
cuarteada por las sombras
de las aves tuertas.
El miedo que eriza mis senos
y que me hace temblar.
No puedo bailar así,
no con este olor a pólvora
y a muerte pospuesta.
Sé que voy a morir
y no quiero hacerlo bailando.
Mi madre me enseñó la danza
como juego de cortejos.
Nunca me habló de esta preñez fúnebre,
de esta sensación de terrible soledad sin música.
Este ejército de hombres
va a arrojar la rabia en cualquier momento.
No puedo, no quiero bailar
si la música es un golpe de luz
en la boca abierta de la noche.
Las ráfagas prometen venir pronto
y me parece demasiado impuro
recibirlas danzando.
No, no quiero bailar desnuda
si mi padre me observa.

Fernando Vargas Valencia - Épica de los Desheredados


Intro : Micky Almada

sábado, 13 de noviembre de 2010

THE ONE AND ONLY

James Moody de 85 años ha revelado que ha sufrido de cancer de páncreas desde principios de año. El saxofonista decidió motu proprio no recibir quimioterapia o radioterapia. Es una de las leyendas vivas del jazz. Veremos como se desarrollan los acontecimientos.
Quienes quieran obtener más información y enviar buena vibra, lo pueden hacer a : www.JamesMoody.com

Impronta de Jazz

lunes, 8 de noviembre de 2010

BLACK POWER

Política y música , arte y política, lucha de clases....Pasando un peine fino a éstas cuestiones y teniendo en cuenta que hacemos actos políticos desde que nos levantamos hasta que nos acostamos; [ aunque nos quieran hacer creer lo contrario ] ambos elementos son indisociables.
Reproducimos un extracto de un libro capital para entender la ideología del free y sus consecuencias en el campo artístico como hecho social. Se analiza meticulosamente la dominación y apropiamieto de esta forma del jazz por parte del hombre blanco y su injerencia luego en la toma de decisiones estéticas para la comercialización cambiando sutilmente la antigua forma de esclavismo para con los negros.
Música generada por oprimidos y producida por el sistema capitalista, el mismo que los explota. Hay...!! si Marx lo hubiese leído..
"Como entender una promesa desde un País que hablaba de cumplir sueños de igualdad contraponiéndosé a la pesadilla de los sombreros de forma puntiaguda del Ku-Ku Klan "(1)


EN LOS MARGENES DE LA HISTORIA DEL JAZZ


«Pienso que la música, en tanto que expresión del corazón humano, e incluso de todo el ser humano, expresa lo que ocurre. En mi opinión lo expresa todo... toda la experiencia humana, en el momento preciso en que ésta se halla en trance de expresarse.»

JOHN COLTRANE


«Pienso que en América los Negros dan pruebas de tener un don particular cuando se trata de expresar su propia convicción por medio de la música. Los Blancos, en su inmensa mayoría, tienen más bien tendencia a considerar que es indigno mostrar sus sufrimientos, mostrar simplemente cualquier cosa que esté referida a los sentimientos, que no sea de orden técnico...
Esto se debe, en mi opinión, a que el hombre negro ha desarrollado en el ámbito de la música eso que el hombre blanco llama jazz. Y pienso que, originariamente, esta palabra ha sido utilizada para designar una música que el hombre blanco juzga como inferior.-»

ORNETTE COLEMAN



No es cuestión de volver a contar o repetir aquí eso que se llama «historia del jazz»: no hay por que hacer una vez más el inventario de músicos, orquestas, discos y estilos de que se compone dicha historia. Nuestro esfuerzo apunta más bien a reencontrar los lazos que desde siempre existieron - aunque sin ser apreciados- entre la cuestión social americana, la ideología que domina en ella (y lo que esta ideología domina como otras ideologías en retaguardia), y las diversas manifestaciones musicales (y también no musicales) provenientes de los negros americanos. Si exceptuamos a LeRoi Jones, por supuesto, y en menor medida al alemán Joachim Ernst Berendt, la historia del jazz nunca ha sido estudiada por lo que es: un entramado de relaciones complejas, el punto de articulación de las prácticas artísticas en campos no artísticos (como por ejemplo el social y el político), el producto de una serie de conflictos entre determinaciones antagónicas. Así pues, estas notas pretenden inscribirse en las lagunas, en los márgenes blancos de la «historia del jazz» que ya ha sido escrita.
En última instancia, podría decirse que la «historia del jazz» no existe porque el jazz no existe fuera de la Historia, y lo que es verdad para todo el arte lo es más aún para este: su «historia» es la historia de las fuerzas que lo crean tanto como la de las formas que él crea. El trabajo de identificación de tales fuerzas no es nunca simple ni completo, y ello ocurre en la medida en que las fascinaciones ideológicas por el «espléndido aislamiento del arte» no cesan de obstaculizar dicho trabajo, estando como están ancladas en nuestras tradiciones culturales desde tiempo inmemorial. Cuando la ideología dominante preconiza la separación del arte y la política, lo que hace en realidad es intervenir en el campo de lo estético... ¡para condenar cualquier intervención en este campo de la ideología!
Es por esto que, además de considerarse «sacrilego», se considera también «reductor» al hecho de «reconducir» obstinadamente una práctica artística a su contexto, a los terrenos no-artísticos que en ella se articulan. Porque, efectivamente, estos reduce un determinado «'flou' artístico»(2) que es norma en la reflexión sobre el arte; pero también resulta evidente que las determinaciones mecánicas y las indeterminaciones sistemáticas son sus cómplices: unas y otras pretenden eludir el juego mismo de las sobredeterminaciones en todos los niveles, un juego que no es ni «simple» ni «vago», sino complejo y preciso.



(1) : Frase de Steve Day, para el libro de
Dave Gelly "Master of Jazz Saxophone" Pág: 146
(2) : Término aplicado a la pintura y significa :
" Pérdida voluntaria del enfoque en todo o en parte del cuadro,
sólo con fines expresivos."
Free Jazz - Black Power : Pág : 171, 172
Intro : Micky Almada

lunes, 1 de noviembre de 2010

LA FUERZA INTERIOR

Nadie más imbuido de jazz que Murray para rendirle sentido homenaje al maestro de maestros cuya estela e influencia no resiste el menor análisis. Bien le cabe a un proyecto como este aquello que en el jazz " No importa lo que se cuenta, sino cómo se lo cuenta" .
Cobijado en un octeto que no defrauda y anclado en composiciones fetiche de Trane, como "Giant Steps" y "A Love Supreme", el saxofonista mantiene su sesgo personal y el espacio sonoro es recreado con un respeto absoluto.
Su voz se hace notar, sea con el tenor o con el clarinete bajo y la fuerza motora radica en los arreglos que escribió a tal efecto.
"Giant Steps" arranca con inusitada fuerza dándole propulsión y dinámica a unos vientos imbrincados que se enredan, se buscan y dominan el conocido standard con un impecable Murray al borde de la catarsis en su intervención.
Excelente la participación de quienes lo secundan al líder, quien les da pase libre para profundizar y complejizar las formas de la composición original.
La belleza de "Naima"; de una espirualidad sosegada da pie para un juego de texturas, resaltando el sobreagudo e instrumentando una característica que le es propia en su manera de tocar.
The Crossing, India, Lazy Bird, discurren dentro de la temática planteada por su creador; es decir : conmueve, por salirse de los tópicos habituales de los tributos dedicados a Trane esgrimiendo una propuesta ambiciosa, plena y profunda, sirviendosé de su propio conocimiento, entendimiento e historia para no caer en la mera imitación.
La fuerza interior de una música que pervive en la memoria de quienes gustamos de Coltrane y que resiste sublime el paso del tiempo.


David Murray (tenor saxophone, bass clarinet)
James Spaulding (alto saxophone, flute)
Ravi Best, Rasul Siddik (trumpet)
Craig Harris (trombone)
D.D. Jackson (piano)
Jaribu Shahid (bass)
Mark Johnson (drums)


Reseña : Impronta de Jazz

lunes, 25 de octubre de 2010

TOM WAITS & LA PRESERVATION HALL JAZZ BAND

Tom Waits vuelve a colaborar con la Preservation Hall Jazz Band, tras el álbum colectivo “Preservation: An album to benefit Preservation Hall and the Preservation Hall Music Outreach Program”. Ahora han grabado dos canciones del Mardi Grass Indio que Danny Barker grabó originalmente en 1947: ‘Tootie Ma Was A Big Fine Thing’ y ‘Corrine Died On The Battlefield’.
Con la edición se pretende recaudar fondos para la Preservation Hall Jazz Band. El disco se presenta en edición limitada y numerada de 504 ejemplares y con una velocidad de 78 rpm. Los primeros cien discos van acompañados de un tocadiscos portátil, el Preservation Hall 78, al precio de 200 dólares. La versión estándar está disponible por un donativo de 50 dólares. Ambas versiones estarán a la venta partir del 19 de noviembre en la sede de la Preservation Hall Jazz Band, en Nueva Orleans, y al día siguiente en esta web.

lunes, 18 de octubre de 2010

LETTER TO EVANS

A los 21 años mi amigo Martín me prestó en un cassette Basf de 60 minutos un cd grabado ( que recuerdos ) que contenía el "Wichita Falls" de Metheny / Mays [ obra inmortal si las hay para quienes entramos en esto del jazz por esa vía ] y no olvidé jamás la sensación que tuve cuando escuché recostado en la cama " September Fifteenth".
A medida que Lyle Mays se adentraba con su instrumento en los caminos del bosque en un día de espesas nubes que sudaban gotas , lenta y pausadamente me paralizaba emocionado ante un solo de piano que parecía sacado de la más deseada de las utopías.
Creo haber apretado el "Rew" del grabador varias veces aquel día. La consecuencia dió lugar a una sola pregunta ¿ Quién era Bill Evans a quien le dedicaban tan bella composición ?
A partir de ahí y al poco tiempo "You must belive in Spring" entraba a mis oídos y mi anaquel. Desde ése momento tanto mis alegrías como mis fracasos sentimentales se dibujaban en la música de Evans.
Con el tiempo lo escuchaba por épocas, en aquel entonces era difícil conseguir información de nivel y de primera mano. En Argentina todas estas cosas cuestan, más si uno prodiga la afición por éste género en el cual la escases de interlocutores válidos es moneda corriente. La realidad es que somos pocos y cuando aparecen ejemplares como éste, uno lo celebra.
Global Rhythm, la editorial que lo publica traducido al español ha entrado desde hace un tiempo al País y he podido adquirir varias cosas de ellos que no son económicas. Urgando en la red o en las bibliotecas de las grandes librerías se consiguen buenos descuentos. Como les recomiendo siempre, armensé de paciencia y no se queden con el primer precio que vean, que como les dije no suele ser accesible en primera instancia. De hecho éste y otros productos de la editorial mencionada han reducido el valor original al que entró hace 2 años.
Hace menos de un mes adquirí "Peter Pettinger: Vida y música de Bill Evans". A primera vista uno medita en la empresa inabarcable que es escribir sobre alguien que dio tanto a la música y a las almas que escucharon y escuchan ésa música; sin embargo así como celebramos en cada audición la obra del pianista, el mérito de Pettinger es inmenso e incalculable.
Se trata de la historia de Bill, profundizando la enmarañada y compleja vida del poeta del piano y uno de los músicos modernos que enarboló en su manera de tocar el impresionismo como nadie dentro del Jazz.
El libro recorre el camino desde los comienzos del músico a los 13 años cuando cursaba estudios clásicos de piano y violín, la descripción de la forma de pulsar las teclas que tenía en cada nota, la interacción con los pedales, el sonido de los distintos pianos que tocó; en que se basaba para componer y no faltan los pasajes dramáticos de su vida: su adicción a las drogas, sus matrimonios o el fallecimiento de su amigo, el joven contrabajista Scott LaFaro. Nada de esto opacó el legado que nos dejó hasta su deceso en setiembre de 1980. Manfred Eicher admitió que la concepción del sonido de su sello cuando maduraba en él la idea de hacerlo era la expresión mínima y espaciada de los modos de Evans.
Cuenta con una exaustiva revisión de los registros grabados, perfectamente datada y ordenada. Un texto imprecindible para comprender a éste ser humano que vibra en cada palabra de esta biografía.
Conocer su música es transformarnos en mejores personas, se los aseguro. Una luz que brilla en el desierto oscuro de la muerte.

Micky Almada

lunes, 11 de octubre de 2010

ROUND ABOUT IMPRONTA



Ayer 10 de octubre hubiese cumplido, de estar entre nosotros, 93 años. Éste Viernes lo recordaremos en el primer bloque del programa.
Único y con un estilo irrepetible dentro del jazz fue el tipo de artista que impone sus propias reglas al arte, es decir, a mi modo de percibir su música, lo que llamaríamos genio.
Su rala forma de ejecutar el piano lo diferenció de sus contemporáneos y la eclosión de su obra ha ido creciendo con el tiempo a medida que se reedita la misma.
La versión de " 'Round Midnight" en el "It CLub" será la elegida. Pasaría "Blue Monk" , "Well you Needn't o "Teo" pero el programa solo dura una hora .
EL tono seco de Charlie Rouse en el saxo tenor fue el mejor vehículo para ampliar el mensaje y colocar el legado de Thelonious en puntos centrales de la historia del género.

Micky Almada

miércoles, 6 de octubre de 2010

TOCALA DE NUEVO DUKE

La calidad y generosidad del sello SteepleChase para con los jazzeros que se instalaron o autoexiliaron en Copenhague ha dejado huellas imborrables con trabajos clásicos como este que comentamos.
Para quien escribe , Dexter Gordon registró su mejor disco en ésta casa "The Apartment" que pasa por mis oídos casi de manera diaria y no me cansa.
Acompañado del danés de nombre impronunciable Niels-Henning Ørsted Pedersen en el contrabajo y de Billy Hart en batería ( casi nadie ) el pianista registró éste álbum doble en Octubre de 1979.
"Change a Pace" y "Thinking of you", contienen diecinueve composiciones de autoría propia.
Su forma de tocar posee fantasía y luminosidad. Discreta y sobria la música se desenvuelve con modos elegantes e inventivos consecuencia de sus años formativos en la Calle 52 junto a otros colegas en pleno despegue del jazz moderno ; forjando su reputación con Charlie Parker y sus registros para Dial y Savoy.
Nuestro líder tiene un toque sólido en pasajes como "The Fuzz" o "Anything Can Happen" pasando a una lírica elaborada en "My Queen Is Home To Stay", uno de los picos expresivos más altos y una composición de traslúcido impresionismo donde de haberlo tenido imaginariamente al frente le hubiesemos dicho, tócala de nuevo Duke."Again and again".
Dueño de una sonoridad pristina fue un arquitecto de la melodía otorgándole una importancia capital dentro del esquema de sus composiciones.
La escucha de este Double Duke está destinada al encuentro placentero de un trío experimentado y nos invita a no dejar caer en un olvido interminable a quien la hizo.
Un dato no menor en cuanto a camino recorrido y su prolífica inventiva , es que solo para esta casa dejó un registro de alrededor de 25 títulos. Un Oscar Peterson cualquiera, salvando diferencias sutiles. El primero un excelente ejecutante, Jordan un artista.-

DUKE JORDAN- piano
NIELS PEDERSEN- bass
BILLY HART- drums

Reseña : Micky Almada

jueves, 30 de septiembre de 2010

GALARDON OBTENIDO

En la húmeda y frondosa vegetación que da brillo y vida a la histórica ciudad de San Miguel de Tucumán se realizó el pasado sábado la entrega del Premio Independencia. El programa y el blog quedaron nominados en dicho evento, resultando ganador de la estatuilla el ciclo radial que conducimos y no el blog.
En una noche intensa viví con nervios, ansiedad y finalmente alegría el resultado obtenido.
Un agradecimiento a su organizador y alma mater el arquitecto Héctor Reinoso Gallo y al jurado que eligió a Impronta de Jazz como mejor programa, entre otros de igual calidad.
Mis cortas palabras frente al micrófono en su final tuvieron una dedicatoría inobjetable para mí : Nano Herrera, difusor de esta música quien abondó la escena de la vida en 2009. A él de todo corazón este logro.

miércoles, 29 de septiembre de 2010

EL ETERNO RETORNO

Miles quiere que sigamos bebiendo de su endiablado brevaje para llevarnos al delirio baquico solo accesible a través de su música y no a riesgo de una infusión de ayahuasca.
Con motivo de conmemorarse el 40 aniversario del lanzamiento del bastión del jazz fusión, Sony publicará en estos días una edición conmemorativa de “Bitches Brew” editado en el mercado originalmente en 1969. ¿ Cuál es la novedad ? Estará disponible en 2 versiones diferentes : La primera, “Bitches Brew: Legacy edition” contiene los dos compactos originales y agrega tomas alternativas junto a las versiones cortas para single de diversos temas más el DVD de un recital inédito que Davis ofreció en Copenhague en noviembre del mismo año.
La otra versión : Bitches Brew: 40th Anniversary collector’s edition”, para mí la más jugosa; incorpora lo mismo que la anterior y le suma un CD con un concierto inédito del septeto de Davis en Tanglewood en 1970, y un memorabilia de Greg Tate de 48 páginas quién abreva golosamente en exquisitas y detalladas notas explicativas, más el doble LP réplica de la edición original.
Lo mejor: es que ya estaría disponible en nuestro País y les recomiendo que busquen precios, he estado averiguando y hay diferecias sustanciales de un lugar a otro en la red.
Y pensar que esto de fusionar al jazz con el rock y darle forma, hubiese sido otra cosa. De haberse concretado un encuentro del trompetista con Hendrix , quien por aquellos años estaba anonado con la música de Jimi y viseversa e incluso se comenta que iban a gestar un disco juntos después del festival en la Isla de Wight.
La deidad de las 6 cuerdas pasó a mejor vida y luego el proyecto jazz - rock, fusión, progresivo o como fuere, devino en virtuosismo y todo desembocó en Corea y todo ese esperpento carente de alma.
El trompestista supo elucidar y muy bien cual era el camino a seguir. A preparar la billetera; les aseguro vale la pena.-

Micky Almada

domingo, 19 de septiembre de 2010

MATS, EL TERRIBLE



Es uno de los músicos más creativos de mediados de los 80 en adelante. Su sonoridad gutural y su manera brutalizante de ejecutarlo se asocia más con la voz de un cantante de Death Metal que con un saxofonista de Free. Brillante improvisador con una imaginación inacabable, Gustafsson es un virtuoso que se hace notar.
La primera vez que lo escuché en "I Love It When You Snore" con Paal Nilssen-Love, literalmente me voló la cabeza.
Este video inaugura la sección "Imagen y Sonido". Me hizo recordar, cuando hace ya casi 20 años atrás escuché por primera vez a Jaco Pastorius, con ese sonido único de su bajo fretless y el inolvidable "Slang" de 8:30, logrando mayor expresividad con el valor agregado de su excelencia como músico.
Albert Ayler estaría más que orgulloso de haber podido escucharlo, aunque deje como un juego de niños lo hecho por aquel. Devastador.

Micky Almada

miércoles, 15 de septiembre de 2010

EL BRILLO DEL SOL

Supe leer hace un tiempo ya, que hubiese pasado en el hipotético y dudoso caso de haber firmado Trane con ECM, si hubiese sonado como lo hace Lloyd en éste y otros discos para esta casa discográfica. ¿ Lo escucharíamos ingrávido,etéreo, incorpóreo ?
Sinceramente no lo creo, más teniedo en cuenta el último Coltrane con toda su carga espiritual, africanista pero abrazando ese estadío enajenado en un sonido rábido despojandosé de toda animosidad introspectiva.
Yo no puedo dejar de escuchar a Charles con el respeto que me merece, pero tampoco cada vez que lo escucho con una producción nueva, se me aleja del oído en mayor o menor medida los ecos del único e irrepetible tenor de Hamlet. Su influencia omnipresente todo lo abarca y más en músicos como éste.
Entrando en "Mirror" su último disco, debo decir que me ha encantado .
El toque impresionista y el lirismo se conjugan avidamente para adentrarse en las páginas emocionales de cada quien. La retórica melíflua vertebra el contenido y modera cualquier sobresalto en cortes como "The water is wide", "Lift Every Voice And Sing"o "Being And Becoming, Road To Dakshineshwar With Sangeeta".
Los méritos no son solo del saxofonista sino de los excelente músicos que lo acompañan. Esta formación es la misma de "Rabo de Nube", registrado en vivo en Basel (Suiza) y es una de las mejores que ha tenido.
EL lujo de Jason Moran en el piano, el toque húmedo de Reuben Rogers en el contrabajo y el tenue susurro de Eric Harland en la batería logran un nivel de interacción con su líder que le permite flotar en cada interpretación. Un detalle de recogimiento y religiosidad se expone en "Tagi" tema de cierre y el más extenso que incorpora una meditación del Bhagavad Gita inspirada en la palabra de Lloyd.
Lo mejor del cd es "Desolation Sound" y "La llorona" donde la sonoridad del saxo sueña un otoño eterno con la nieve cayendo desde el cielo gris. Pura poesía.
Un álbum que nos invita a reflexionar sobre las sensaciones que nos produce cuyo resultado es una música melódicamente perfecta, cándida y profunda que como el brillo del sol todo lo ilumina.


Charles Lloyd, sax.
Jason Moran, piano.
Reuben Rogers, bass.
Eric Harland, drums

Reseña : Micky Almada


miércoles, 8 de septiembre de 2010

EL SUCESOR QUE NO FUE

El domingo pasado tuve la oportunidad de ver el documental que realizó Kasper Collin en 2005 , que pasó por nuestro País y se exhibió en el 9º Festival Internacional de Cine Independiente, en abril de 2007.
La versión que se puede conseguir en DVD, está ( se imaginarán ) sin subtítulos en nuestra lengua y solo adquirible en escasos lugares que traen rarezas y seguro a un precio alto.
Me adentro en mi comentario para no ponerme a despotricar del abandono y la soledad contínua, por parte del mercado discográfico para con el aficionado , lugar en el que me encuentro, y que más de una vez he dejado cuenta en este espacio.
El documental muestra sus años en Escandinavia, su aprendizaje de pequeño del instrumento, su participación con el lejendario músico de blues Little Walter y su paso por el ejército al igual que muchos colegas.
De vuelta por su ciudad natal ( Ohio ) reprograma su carrera y parte para Suecia donde graba sus primeros registros .
De esta etapa hay imágenes riquísimas con amigos, músicos que participaron en las sesiones de grabación y una ex-novia sueca, Ann Westerman, que menea sus caderas en una filmación de aquel entonces.
Unos rostros de disfrute cobran vida cuando le colocan auriculares a Sune Spangberg quien toco la batería en el primer álbum de Ayler y a quienes tocaron con él en distintas épocas y escuchan lo bellamente incómodo de ese crudo lenguaje, cual filo de obsidiana, que busca un lugar donde acomodarse dando un testimonio invalorable.
Una inflexión más que interesante en la narración es la aparición de Sunny Murray contando minusiosamente la negativa de Cecil Taylor estando de gira por Suecia de incorporarlo a tocar y cómo de buenas a primeras, ademán de por medio, lo integran al set, dejando seducido al líder con su sonido furioso en constante ebullición.
EL momento más emocionate es en el funeral de Trane quien dejó solicitud expresa que tocaran Ornette y Albert. Un instante cumbre que conmueve superando los riesgos que implica una despedida que acaba a los gritos sentidos. Es impresionante una foto final de ese pasaje, con Ayler de costado, elevando su saxo hacia el techo de la St.Peter's Lutheran Church, y en el triángulo que forma su brazo, el saxo y su cabeza un haz de luz blanco, que se cuela.
La idea de Collin, me atrevo a decir por lo que ví, es dejar en claro que Ayler fue alguien decidido a poner su particular sello en las notas de su carrera . Un saxofonista que encarnaba un nuevo concepto de libertad en su música, a pesar de haber sido vilipendiado en vida , tratado con desinterés y antipatía por la industria y los críticos.
Coltrane lo había indicado como su sucesor incluso dándole el apoyo necesario, a sabiendas de la impopularidad de esta forma de jazz, algo que sufrió también en carne propia.
No pudo ser. Un 25 de noviembre de 1970 su cuerpo apareció sin vida flotando por las aguas del Río Hudson y se deduce que estuvo en esas condiciones alrededor de un mes. Nadie puede determinar en que circunstancias y porque. ¿ Saltó o lo empujaron ?

“If people don´t like it now, they will”

“Si a la gente no le gusta ahora, le va a gustar después”

Albert Ayler.


PD: Les recomiendo si pueden conseguir "Holy Ghost” un magnífico box - set de 10 cd's editado por Revenant donde aparece todo este material invaluable. Y si no, para este lado del mundo ya saben por donde.

Reseña : Micky Almada

jueves, 2 de septiembre de 2010

INDIE JAZZ

A Chris Lightcap lo sentí nombrar por primera vez en una crítica acerca de su disco Lay - Up ( su debut ) grabado para Fresh Sound, en 1999. Pasó un tiempo y en el estudio de la radio le realizé una entrevista a un grupo de jazz-fusión y otras yerbas anexas , que se presentaban esa noche y el bajista me dijo al aire que había estudiado o tocado, no recuerdo bien, en Buenos Aires con el susodicho.
Esto último no lo pude confirmar nunca y en
consecuencia, opté por creerle. Creo que no se va a olvidar nunca de mi cara de asombro y descreimiento, pero, hostia!! porque no ?
Nos encontramos ahora con su último trabajo y mi primera oportunidad de escuchar su música.
La formación difiere en cuanto a integrantes de su cd "Bigmouth" grabado también para el sello mencionado en 2003.
Tony Malaby en el saxo tenor secundado por Chris Cheek en el tenor también, quien entró en lugar de Bill Mc Henry, Andrew D'Angelo en el alto, quien aparece en 3 cortes; Craig Taborn en los teclados y Gerald Cleaver en la batería.
La formación consigue un punto de convergencia que deviene en el equilibrio sonoro logrado en todo el registro. Suma además el bello sonido del wurlitzer a cargo de Taborn que agrega aristas interesantes al proyecto dándole un perfume diferente.
Todas las composiciones son de Lightcup y remiten imágenes donde hay destellos de rock a la vieja usanza , pop y sabores latinos.
En ellas, las imágenes generadas por la música toman cuerpo a partir de la prodigiosa habilidad del creador y el entusiasmo colectivo.
Excelente trabajo de este verdadero renovador perteneciente a las nuevas generaciones y que los críticos han catalogado como "indie jazz".
Me dejó con la boca abierta y me quedé con ganas de más. Que se repita.

Chris Lightcap - double bass
Chris Cheek - tenor saxophone
Tony Malaby - tenor saxophone
Craig Taborn - Wurlitzer electric piano, piano
Gerald Cleaver - drums
Andrew D'Angelo - alto saxophone ("Silvertone", "Ting", "Fuzz")

Reseña : Micky Almada


lunes, 16 de agosto de 2010

OBITUARIO


Abbey Lincoln, la gran dama del jazz, falleció el domingo en Nueva York a los 80 años. La familia de la artista no ha precisado el motivo del fallecimiento, pero Abbey Lincoln había sido operada del corazón hacía tres años y su salud era delicada.
La música de Abbey Lincoln fue evolucionando desde los experimentos más estridentes y rupturistas del africanismo militante hacia las baladas de dulce y envolvente modulación. Fuertemente influenciada por Billie Holiday, Abbey Lincoln dramatizaba sus interpretaciones con un convincente sentimiento. Sus voz, potente y grave, contrastaba con un fraseo lento, lo que hacía de su música algo cálido y cercano, que quedará para la historia.
La forma de cantar de Abbey Lincoln entronca, de alguna manera, con la tradición de los predicadores negros norteamericanos. En su discografía destacan 'The World Is Falling Down' (1990), 'Devil's Got Your Tongue' (1993), 'A Turtle's Dream' (1995) y 'Who Used to Dance' (1996). Su último disco de Lincoln lleva por título Abbey Sings Abbey y fue grabado en 2007.

Fuente : diariovasco.com

"El Viernes 20 de Agosto , programa - homenaje a una de las más grandes voces del jazz."

UN MILES MÁS Y VAN....

Derek Landridge en su ensayo "Your Jazz Collection", sentencia un axioma que pocos pueden poner en duda : "El auténtico amante del jazz tiene que ser un coleccionista de discos".
Como contracara a una nueva reedición por parte de la compañia, de este testamento indiscutido de sus años con Columbia, me lleva a pensar en la estrategia comercial reciclando el pasado, en el fetiche de la mercancía, la suntuosidad de dicha presentación, y también en esta música hoy; en tanto sobresaturación casi constante de este tipo de publicaciones accesibles solo para bolsillos pudientes .
Sí, ya sé, me dirán que todo esto se puede descargar de la web con alta calidad de sonido, y muchos etcéteras más. Pero también sabemos que quien compra este tipo de arte lujoso, padece de obsesiones que le quitan el aire y que el tema de bajarlo, no es lo mismo.
Como me supo comentar Carlos Sampayo y coincido plenamente : "Quiero objeto de fábrica, capitalista, decadente y putrescente."
The Genius of Miles Davis es una edición opulenta y limitada cuyo estuche, imita el que usaba para su instrumento y contiene ocho minicajas, [ lo cuál desde mi punto de vista es un valor agregado en cuanto a tamaño, lectura de los textos, maleabidad y comodidad, si las comparamos con las long-box de estos mismos trabajos y que son las que de manera errática se consiguen por acá ] que abrigan 43 compactos.
La réplica de la boquilla que Miles utilizaba, una remera que reza en inglés: "I can't play like anyone else, I can't fight like anyone else, I can't do anything like anyone else. I'm just myself"; [ "No puedo tocar como cualquier otra persona, no puedo luchar como cualquier otra persona, yo no puedo hacer nada como los demás. Sólo soy yo mismo"] y un grabado desconocido firmado por él.
Para el iniciado un viaje de ida a paraísos inexplorados que, de lograr despertar su interés, podrá regresar e indagar sobre otras obras del autor y porque no dar un paso más allá y adentranrse de lleno en este querer saber sobre jazz.
Para el aficionado académico que degusta a Miles con ardorosa intensidad, una nueva oportunidad para re-escucharlo y devolverle con justeza tanta musicalidad extraterrena.
Las piezas están numeradas y estarán a la venta el 14 de setiembre a 1.199 dólares, solo a través del la página web : GeniusOfMilesDavis.com y por el momento no está disponible para nuestro País .


MILES DAVIS - THE GENIUS OF MILES DAVIS

1. MILES DAVIS & GIL EVANS: THE COMPLETE COLUMBIA STUDIO RECORDINGS (6 CDs)
2. MILES DAVIS QUINTET 1965-1968 (6 CDs)
3. THE COMPLETE BITCHES BREW SESSIONS (4 CDs)
4. MILES DAVIS & JOHN COLTRANE: THE COMPLETE COLUMBIA RECORDINGS, 1955-1961 (6 CDs)
5. THE COMPLETE IN A SILENT WAY SESSIONS (3 CDs)
6. THE COMPLETE JACK JOHNSON SESSIONS (5 CDs)
7. SEVEN STEPS: THE COMPLETE COLUMBIA RECORDINGS OF MILES DAVIS, 1963-1964 (7 CDs)
8. THE COMPLETE ON THE CORNER SESSIONS (6 CDs)


Comentario : Micky Almada

domingo, 8 de agosto de 2010

NUTRIDA AMALGAMA

En la agitada vida de Antoine Hervé, el hombre se las arregla para ser un músico con características polifacéticas.
Este trabajo surgió como un proyecto de interacción grupal con la improvisación como idea motora, en la cual el público presente juega un rol activo en la conformación de los temas a partir de la nutrida amalgama que retroalimenta ambos componentes.
Como consecuencia se terminó editando esta presentación como un homenaje al auditorio que concurrió a esa presentación en el " Duc de Lombards Jazz Club" en París, en los finales del año 1997.
Si hay algo que fascinó mi audición, dicho esto sin detrimento para el resto de los integrantes; todos ellos de probada raigambre, es el maravilloso sonido de la trompeta de Markus Stockhausen : sencillamente hermoso, independiente y libre dentro del quinteto.
El pianista francés esta impelido por la voluntad de apertura y síntesis de lenguajes contínuos, con lo que es su mayor obsesión la improvisación colectiva y sus resultados en el campo artístico y musical.
Ojo, no vamos a escuchar aquí a "The Thing" , de Mats Gustafsson o Cecil Taylor, no!!.
Los
distintos cortes se solucionan dentro de modos amables, con picardía jazzística sin llegar a ser un borderline y saben qué ? Está muy bien.
Entre los puntos culminantes, encontramos "Long hair woman," para mí el mejor del cd, con la elegancia del trompestista quien a paso lento viste la composición de intensidad hasta llegar todos, a conformar un dinamismo integrador que se coordina y se extiende a medida que se suceden "Sharing", "Silence", "Salsita", y "Chango, chango",con la misma cualidad planteada al principio.
"Invention is you", ofrece un universo colectivo que va del funky al jazz más refinado, y donde hay siempre una reformulación de prioridades y una reafirmación de principios como concepción de su líder, un dejarse ir o llevar por la música ; según como se mire.
Me quedo con una frase acuñada por Stockhausen, en las notas internas :
"Algunas palabras acerca de los elementos intuitivos de nuestra música : Cada ser humano, cada músico tiene un elemento creativo que, él o ella conectan con el comienzo de toda la existencia.
Cuando el contacto sucede provoca excitación y una poderosa energía de amor y gratitud".

Antoine Hervé : piano
Markus Stockhausen : trumpets, fluegelhorn
François Moutin : bass
Louis Moutin : drums
Arnaud Franck : percussion

Reseña : Micky Almada


domingo, 1 de agosto de 2010

SENDEROS DE LIBERTAD

Si hay lema en el personal cielo de Mat Maneri, es lo inesperado de su música. Tres composiciones que en escencia surcan un mismo espíritu interior, improvisación libre con una progresión de diálogos y ambientes cuya concomitancia se desenvuelve en espacios expresivos muy logrados de enclave microtonal con diferentes estados de ánimo.
Momentos que van del nerviosismo visceral y el vértigo, al silencio catedralicio dejando al oyente la resolución del abanico sonoro .
Hay un contexto muy interesante de escuchar, para ver como se manifiestan las ilimitadas posibilidades y combinaciones del sonido del "Ensemble" con ingredientes y perspectivas variadísimas .
Lo más granado de la vanguardia está presente, Barre Philips cuyo compromiso y colaboraciones con los Maneri es ineluctable, Roy Campbell cuya incursión en el trabajo colectivo es interesante desmenuzar, Randy Peterson y Matthew Shipp, improvisadores de lujo.
El proyecto nació en el estudio de grabación sin ideas preestablecidas, salvo el reconocimiento recíproco y la naturalidad del momento. Los títulos de los cortes arguyen con claridad y coherencia canónica a los ritos de la fé catolica
Tres partes que se resuelven dialécticamente de manera perfecta, cuya riqueza colectiva ofrece colores, densidades y formas que se proyectan en senderos de libertad.
Si hay una idea de esto último en la música, este trabajo la refleja fielmente. Para adentrarse en otro estado de conciencia.

PD: También es uno de los últimos testimonios para disfrutar a Joe Maneri, padre de Mat, quien falleció 9 años después.

Roy Campbell: trumpets
Joe Maneri: clarinet, alto+tenor sax
Mat Maneri: viola
Matthew Shipp: piano
Barre Phillips: bass
Randy Peterson: drums

Reseña : Micky Almada


martes, 27 de julio de 2010

EL PARADIGMA DEL SILENCIO

Manfred Eicher, fundador y presidente del sello ECM, hablaba recientemente con Richard Williams para una entrevista publicada en The Guardian en la que daba las claves de la supervivencia de su sello pese a la virtual desintegración de la industria discográfica.
En la introducción de la entrevista Williams describe el despacho de Eicher con un escritorio en el que aparece una novela de John Cheever y un libro de poemas de Wallace Stevens. También hay una fotografía de su amigo Jean-Luc Godard y un calendario en el que se percibe la apretada agenda de trabajo del productor: unas tres docenas de álbumes a editar este año, de músicos y compositores como Keith Jarrett, Arvo Part, Jan Garbarek, Anouar Brahem y Gidon Kremer, entre otros. No es el ejecutivo típico de la industria musical, quizá es éste el motivo por el que ECM parece sobrevivir a la crisis de la industria, cuarenta años después de que Eicher comenzara en ella.
Para sus muchos seguidores, ECM mantiene una cierta aproximación introspectiva tanto a la música como a su escucha. Sus ediciones, unas mil hasta la fecha, están grabadas, editadas y empaquetadas con un refinamiento deliberado que habla del amor que Eicher profesa por el jazz mezclado con su personal sensibilidad noreuropea. Y parece que esos argumentos resultan ganadores: mantiene unas nada pretenciosas oficinas en las que hay catorce empleados –aparte de sus oficinas de Nueva York y París- desde donde trabaja con remarcable éxito e inflexible independencia. Cuatro décadas después del tímido lanzamiento de Free at Last, del pianista Mal Waldron, sigue produciendo trabajos que no dejan de incrementar sus ventas.
Cuando la mayoría de los sellos se mantienen gracias sólo a la diversificación y a que dejan de ser los mismos, parece que a ECM le ocurriese todo lo contrario y aunque ahora sus grabaciones de jazz presentan algunas veces laptos y samplers, siempre se cuida y mantiene el principio del “gusto del productor”.
Ese gusto de Eicher se formó con su aprendizaje como contrabajista clásico y con su acercamiento al jazz a través de Miles Davis y su Kind of Blue o del trío de Bill Evans.
Eicher explica: “La década de los 60 fue el momento en el que muchas cosas se pusieron en marcha -Ornette Coleman, Bill Evans, Cecil Tayor, Paul Bley, Coltrane, toda aquella gente.
Y también en el teatro y en el cine había cosas realmente importantes: Godard, Bresson, Bergman, Antonioni -todos ellos son todavía puntos de referencia frecuente para nosotros. Lo que ahora surge es muy diferente: si hablamos de música improvisada creo que aquellos grandes músicos son irreemplazables. No veo otro Miles Davis en el horizonte, u otro Coltrane. Puede que haya lentos cambios, con mucha electrónica, nuevos sonidos y quizás combinaciones más interesantes. Puede ser que algo surja de esto”.
Eicher asegura que él no se fija en las cifras de ventas de sus artistas: “Para mí el éxito está en la calidad del disco y en la respuesta que obtengamos. Si los medios se interesan y además nos escribe gente directamente desde Indonesia o Vietnam, ésa es la medida que nos mueve”.

Fuente : The guardian
Foto : Daniel Vass
Publicación : Cuadernos de Jazz

miércoles, 14 de julio de 2010

RETRATO EN EL TIEMPO

Pettinato es una de las personas dentro de la fauna local que pertenece a la televisón o caja boba , a la que más respeto le tengo. Por ser un difusor del free y por el hecho de que a pesar de que trabaja en un medio que no divulga estos menesteres, cada vez que algún músico visita nuestro País se da el lujo de invitar y difundir el jazz en su programa.
Me quedé con los dientes en la mano cuando llevó a David Murray al programa, sus ojos de niño y su rostro atónito, contagiaron el mío que se repetía sin cesar, David Murray en la tele, Jazz en la tele y Roberto diciéndole a los del control, " pasalo hasta donde dé", porque obvio, lo pusieron al último.
Amén de eso nos deleitó con una entrevista, algo es algo.
Esta foto data de los ochenta, más precisamente cuando se realizó el festival "Buenos Aires 80", y una de las glorias del jazz-fusión, Weather Report, pisaba nuestras tierras, junto a otras de igual calibre.
Wayne Shorter junto a un joven Petti, se explayó en una extensa entrevista, con anécdotas y páginas de su historia de una riqueza sin par, de esas que lees una y otra vez y siempre le encontras algo nuevo.
Imaginen por un momento con quién estuvo el agraciado periodista, Jaco, Zawinul, Erskine, en el mejor momento de la banda. Además no todos los reportajes los hizo él, sino que intercambiaba roles con Pipo Lernoud.
En la entrevista que le hacen a Peter Erskine, él dice que en su estadía en la capital "le llamaba la atención el rostro sombrío de toda la gente. Creo que esta ciudad está muy triste" ( sic ).
La coyuntura del País no era la mejor, y lo qué no sabía era que otros sonidos mudos llenos de dolor acongojaban a una sociedad atrapada por el miedo.

Comentario : Micky Almada

viernes, 2 de julio de 2010

PRODIGIOSA MIXTURA

A partir de la conjunción de un trío de elevadísimo nivel y gusto refinado, surge este acierto, que bien supo dilucidar Gilbert Isbin como propulsor de la idea , por un encuentro con Jeff Gauthier a través de algunos conciertos en California y el interés añadido de ambos en el arte.
Para darle redondez y acción a la idea musical, fijaron parada en Scott Walton, contrabajista y pianista.
El concepto se encuadra en 2 suites, una dedicada a Venecia y otra a Brugge (brujas), el edén de las bicicletas.
Gauthier discurre sutil sobre las cuerdas, ofreciendo una natural predilección para combinar la coquetería improvisadora de un concertista, con las ricas y permeables melodías, compuestas mayormente por Isbin, sin llegar a desbordarse.
Las composiciones del belga evolucionan de manera sugestiva con un espíritu hipnótico a veces, vanguardista otras , logro que se concreta en la homogeneidad de las mismas.
Algunos críticos lo han asociado como una respuesta europea al String Trío de New York. Amén de esta referencia la música fluye de manera natural conquistando una prodigiosa mixtura en 16 cortes que insuflan un aire renovado.
Es evidente un balance palmario que se modela entre formas clásicas, contemporáneas, folkies, atonales, y que se resuelven de manera pulcra para llevarnos por momentos de escucha placentera.
Un trabajo lleno de sentimentalismo, aventura, matiz melódico y por sobre todo mucho contenido. Accesible y riguroso en el mismo envase.
No es casual que el último tema sea de Nick Drake, de quien el guitarrista es admirador y editó un cd homenajeando su obra " Gilbert Isbin Plays Nick Drake"; tan recomendable como éste.
Un viaje musical para escuchar en complicidad con el silencio de la noche.
Estupénda foto de tapa.-

Gilbert Isbin, acoustic guitar
Jef Gauthier, violin
Scott Walton, acoustic bass / piano

Reseña : Micky Almada

lunes, 21 de junio de 2010

KONITZ POR KONITZ

Este es uno de esos tantos libros que cautivan al aficionado y que dudo ( y mucho ) que aparezca por este lado del mundo. Ni hablar de una posible traducción al castellano y consecuente distribución y venta. De hecho, tampoco lo hace más la revista que publica estos cautivantes fragmentos.
Lee Konitz - Conversations on the Improviser's Art es una excelente manera de acercarse al pensamiento de una figura capital dentro del jazz.
Dueño de un sonido exquisito y un estilo refinado este buscador de notas hermosas, como se define, habla de él y de otros colegas con disímiles opiniones. Así por su lengua, sopla los nombres de Lester Young, Coleman Hawkins, Stan Getz, Sonny Rollins, Wayne Shorter y otras vacas sagradas, con una visión exhaustiva sin dejar de ser crítica o complaciente.
Músico de adscripción cool con acercamientos a otros horizontes estéticos, exploró junto a su alter ego Warne Marsh, zonas limítrofes con este movimiento, algo en cuanto a rótulos, que su adalid, Lennie Tristano ( 1919 - 1978 ) detestaba.
El guía del viaje Andy Hamilton propone preguntas valiosas, por ejemplo sobre la crítica que se le ha hecho por tocar ligeramente desafinado o cuál es el estado mental cuando improvisa, con certeras respuestas por parte del protagonista fruto de años de experiencia.
Les aseguro, no tiene desperdicio. Deberé mejorar mi inglés, sin más.-

Lee Konitz - Conversations on the Improviser's Art
de Andy Hamilton
Traducción : Fernando Ortiz de Urbina

Intro : Micky Almada
Gracias a Félix, colaborador y amigo a la distancia por éste y otros artículos.



miércoles, 16 de junio de 2010

PREMIO INDEPENDENCIA

Tanto programa como blog quedaron nominados en Tucumán en el mencionado premio. Esperamos de corazón tener suerte esta vez. El año pasado a punto de viajar me agarraron todas las gripes juntas, las que había revoloteando por el aire y las que no también. Previsor, a comienzo de este me vacuné contra todos los virus.
Con renovados bríos solo me queda agradecer la decisión del jurado y allá vamos Jardín de la República.

martes, 8 de junio de 2010

RITMOS DE COLOR

En Austria hay músicos que poseen un alto nivel de desarrollo discursivo siendo poco conocidos en la cartografía del jazz. Zawinul es quien más trascendió fronteras fuera de los alpes.
Don Schabata nos ofrece un plato con pizcas de intelectualidad, siendo un reputado en el dominio del instrumento de origen desconocido y forma trapezoidal, cuyo sonido está más asociado al calor exótico de las atmósferas latinas.
Percucionista de fuste, su formación dió comienzo en la Academia de música de Viena, siendo parte de la Vienna Art Orchestra (de 1977-1980) de la cual fue miembro fundador.
Este trabajo ofrece una generosa relectura post-bop donde se aprovecha la oportunidad de homenajear a sus influencias tempranas, Thelonious Monk, McCoy Tyner, Gary Burton, Horace Silver.
La interacción con el grupo, sobretodo con Robert Michael Weiss (piano) y Christian Radovan (trombón); en los primeros cortes ofrecen una perspectiva dinámica en la forma de abordar los temas, expande frescura sin ser fría.
Se suceden "eos", "Laboratorim", "May-rimba" desglosando un argumento melifluo mas cercano al cool.
No deja de ser una formación excéntrica, que dialoga de un modo complejo. Hay pulsión emocional que disemina un alto nivel de jazz, planteado honestamente logrando identidad propia, sin dejar de ser y sonar europeo.
Lo mejor del cd, la versión de "Stella by Starlight", donde el líder muestra un sentido de calidad sonora irrefutable entrelazando un feedback sólido con Heiri Kaenzing, el contrabajista.
Un trabajo que suena actual, retrotrayéndome reiteradas veces a la memoria rasgos comunes percibidos en "Prime Directive " de Dave Holland [ compárenlo si pueden ] cuya escucha desgaja ritmos y colores musicales, muy personales .
Lo poco que me he enterado de este músico, es que ha abandonado la escena para dedicarse casi exclusivamente a la comedia musical.
Una lástima, teniendo en cuenta la posible apertura artística, con un instrumento que goza de poca o nula presencia cotejándolo con la popularidad de su primo, el xilofón.
Este trabajo se grabó 1986 para la serie Austrian Jazzart.


Woody Schabata - Marimba
Christian Radovan - Trombone
Robert Michael Weiss - Piano
Heiri Kaenzig - Bass
Joris Dudli - Drums

Reseña : Micky Almada

miércoles, 2 de junio de 2010

LAS LUCES DEL CIELO

Hay una fracción de la crítica que considera a Jarret algo así como parte de la burgesía del jazz y otra que a pesar de sus altibajos [ los tiene como cualquier músico ] lo apoya en todo lo que hace de manera apasionada. Con Haden otro tanto, con la diferencia de que el cuestionamiento que le hicieron era, como alguien que había sido parte embrionaria del Free, que estuvo codo a codo con Coleman, terminara haciendo discos como "Land of the Sun".
Es el momento en que yo opino que parece ser, para algunos referentes de críticas inentendibles sobre trabajos de dificultosa escucha, que estar en la cima de la intelectualidad musical es lo lícito, y todo aquello, como éste excelente trabajo, que acerca su música a un público que no es habitué del mismo, es objeto de reseñas poco amigables o bajas calificaciones en esos medios impresos. Lo cierto es que ambos a su modo hicieron avanzar su parte en la historia del jazz y su aporte está en los anales del mismo.
Al día de hoy tengo en lo más alto de mi memoria emocional y en el mejor lugar de mi anaquel, "The night and the City" de Barron / Haden y Standards Vol. 1 y 2 de Jarret en la misma posición.
Ambos habían colaborado en los 70, en el cuarteto del pianista y 40 años después, nos deleitan con este dulce perfume "Jasmine"( primera denominación del género con dos "ss" - Jass - al final, lo de las "zetas" fue posterior, por la preferencia de las protistutas de Storyville por la fragancia de jazmín ).
El trabajo se desarrolla sobre el tálamo de las baladas y los standards con una apropicuada selección del cancionero popular norteamericano. Ninguno de los ocho cortes interpretados sofoca de empalagoso y todo se desarrolla de manera minuciosa y detallada.
"For all we know", " Goodbye " o "Don´t ever leave me", son lo más logrado y tienen más que nada sabor a reencuetro, porque si nos ponemos a pensar, ¿ necesitamos más versiones sobre estos temas evocados hasta la saciedad ?. Seguro que no, pero ambos conocen y muy bien de que se trata la historia ; una historia que se tomo su tiempo para unir a esta dupla esencial.
La pasividad solo se despereza módicamente en cortes como "Body And Soul" y "No Moon At All", donde en la primera Jarret bucea una prolongada exploración sobre un tema rara vez seleccionado por pianistas, algo que llamó mi atención.
La música aquí compartida irradia goce y espontaneidad en el contenido y la forma de ejecutarla. De la estabilidad que fomenta surge la diversidad y ahí radica su valía. Belleza y estilo conjugados de manera transitoria, plasmados en una obra vistosa y recomendable. Una noche iluminada por dos seres en estado de gracia.


Keith Jarrett : Piano
Charlie Haden : Bass

Reseña : Micky Almada


martes, 25 de mayo de 2010

200 AÑOS NO ES NADA

EL SONIDO DEL VIENTO

Sentido homenaje musical y fílmico, que se convierte en acto de justicia, a uno de los mejores y más injustamente olvidados artistas de nuestro País.
Al día de hoy recuerdo, no hace mucho, cuando una compañera de trabajo de la radio me comenta ¿ Sabes que Hugo Díaz grabó música de jazz ?, Si queres te lo presto........
Ni más, accedí afirmativamente a la invitación. La sorpresa fue cuando tuve en manos el cd, y me enfrenté al olvido mencionado por quienes habían editado ese trabajo, una característica argentina, ahora mejorada, a partir de los sellos independientes en cuanto a la presentación del mismo.
Una lámina simple, solo con el nombre " Hugo Díaz, Jazz" y la contratapa, si la memoria no me falla, los nombres de los temas y gracias.
Ni que hablar de quién tocaba, en que año se grabó, y muchos etcéteras más. Quienes nos movemos desde hace mucho tiempo en la compra de música, saben muy bien de que hablo y los derroteros por los que pasamos, un tema de larga discusión. Y digo esto porque todavía, a pesar de éste lanzamiento, no hay un rescate plausible de la obra discográfica de Hugo Díaz.
Pero volviendo a lo nuestro, he aquí una gema que cualquier mortal, por sobre todo argentino, guste o no de la armónica debería tener en su discoteca, si lleva la Argentinidad al palo.
Si de alguna forma está representada la poesía de estas tierras también es en las voces de gigantes como Hugo, el Cuchi, el gordo Abalos, Astor y tantos otros que conocieron el olvido y la ignominia, por parte del "gran público". Asesino del tango, le vociferaron a Piazzolla una vez que salió de tocar con su quinteto en Buenos Aires. Por Dios!!
Hugo es uno de los virtuosos instrumentistas que tuvimos, proyectado internacionalmente, de hecho, el compilador y colega Jean Jacques Milteau, lo incluyó en una magnífica recopilación : "Inspiration. 22 great armónica performances" , donde aparece su versión de "La Compañera".
La banda de sonido, incluye cortes interpretados por Hugo Díaz y sus Changos y otros que complementan el merecido documental, a cargo de las nuevas generaciones que recogen su influencia.
Franco Luiciani en una sentidísima versión de "Sur" cargada de duende; "Concierto para armónica y orquesta" con el cromático sonido de Luis Saltos acompañado por la "Orquesta de Cámara del Sur"; "Cuando nada te debía" interpretado por Mavi Díaz, su hija, evocando la memoria de quien se encuentra presente en el corazón y el cariño de quienes admiramos su arte, a pesar de su ausencia.
Adrían Gimenez es otro valuarte de esta obra, quien aporta el blues, corriente de la que también bebió el homenajeado.
Las fotos internas que acompañan los textos y el jugoso reportaje publicado por la revista "Antena" en 1971, trascienden la mera anécdota, para convertirse en un pedazo de historia de nuestro folclore.
Todo aquí, es pura exultación. Por esas cosas del destino, esta sesión de grabación fue realizada el 13 de agosto de 2004, tres meses antes del fallecimiento de Domingo Cura, cuñado y amigo.
Pocas veces confluyen realidad y deseo para dar como resultado este excelente acto de reflexión biográfica.
Incito a que adquieran esta perla , que como el sonido del viento atraviesa el alma.
Para retrotraer su música a la memoria una y mil veces .

Hugo Diaz A LOS CUATRO VIENTOS
Banda de Sonido de la Película de Alberto Larrán.
Con la participación de Domingo Cura, Mavi Díaz,
Luis Saltos, fransisco Luciani,
Adrián Jimenez.

Reseña : Micky Almada